<p>Si eres fan del teatro musical, la vida ha escuchado tus deseos de sorprenderte con algo nuevo para disfrutar. Se trata de <em>Broadway in the Park, </em><strong>un espectáculo que fusiona a talentos de Nueva York y México para rendir homenaje a las canciones más entrañables dentro de las puestas en escena que han trascendido en Broadway.</strong></p>
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<p><strong>Entre las voces mexicanas que formarán parte del reparto se encuentran Susana Zabaleta, Rocío Banquells, María Penella y Carmen Sarahí.</strong> Compartirán el escenario con un elenco conformado por gente como Alice Ripley, Nía Drummond, Robin de Jesús, Diego Medel y Génesis Collado. La dirección correrá a cargo de Lance Horne, compositor y director musical ganador de un Grammy.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2021/12/01/noticia_0001.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p> Este concierto especial será en dos idiomas. <strong>Se llevará a cabo al aire libre en el Teatro Ángela Peralta, ubicado en el corazón de Polanco. Tendrá lugar los días 7 y 8 de abril. </strong><em>Broadway in the Park</em> es además una alternativa cultural y de entretenimiento para regresar a este tipo de eventos tras las afectaciones sufridas en la pandemia.</p>
<p><strong>*Venta de boletos a través de <a href="https://boletia.com/search?q=broadway%20in%20the%20park" target="_blank" rel="noopener">Boletia.</a></strong></p>


Broadway in the Park, espectáculo al aire libre que llega a México

Broadway in the Park, espectáculo al aire libre que llega a México - Spoiler

<p>A finales de 2021 uno de <a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Simon-Leviev-El-Estafador-de-Tinder-finalmente-dio-su-version-de-los-hechos-y-ataco-a-Netflix-20220222-0008.html" target="_blank" rel="noopener">los contenidos más vistos en Netflix </a>fue la serie documental<em> Duda razonable: Historia de dos secuestros.</em> <strong>En redes sociales y noticieros cobró mayor notoriedad por la gran cantidad de opiniones que tuvieron un común denominador. ¿Cuál? La coincidencia en criticar y cuestionar la arbitrariedad con que se imparte justicia en México.</strong> El interés por verlo aumentó en el comienzo de 2022.</p>
<p>Roberto Hernández, abogado y documentalista que en 2008 puso<a href="https://spoiler.bolavip.com/reviews/La-violencia-hacia-la-mujer-es-un-mal-que-hay-que-mirar-a-los-ojos-Javier-Avila-director-de-Nina-sola-20220210-0025.html" target="_blank" rel="noopener"> en el mapa visual del público mexicano</a> a un sistema judicial fallido con <em>Presunto culpable,</em> reapareció en su faceta de realizador para mostrarnos <strong>el caso de cuatro hombres sentenciados en Tabasco por el delito de secuestro en el marco de un proceso plagado de irregularidades por parte de funcionarios e impartidores de justicia estatales.</strong></p>
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<blockquote class="twitter-tweet">
<p dir="ltr" lang="es">Una gran noticia para la justicia en México: el caso <a href="https://twitter.com/hashtag/DudaRazonable?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#DudaRazonable</a>, la miniserie de <a href="https://twitter.com/netflix?ref_src=twsrc%5Etfw">@netflix</a> sobre Gonzalo, Juan Luis, Héctor y Darwin, será decidido por la <a href="https://twitter.com/SCJN?ref_src=twsrc%5Etfw">@SCJN</a>. Felicito de nueva cuenta a <a href="https://twitter.com/Ikeribarreche?ref_src=twsrc%5Etfw">@Ikeribarreche</a> por esto. <a href="https://t.co/8PVqOYW12g">pic.twitter.com/8PVqOYW12g</a></p>
<p> — Presunto Culpable �� (@PresuntoC)    <a href="https://twitter.com/PresuntoC/status/1493668445245906950?ref_src=twsrc%5Etfw">February 15, 2022</a>   </p></blockquote>
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<p>Tal ha sido la conmoción suscitada con esta historia que Arturo Zaldívar, ministro presidente de la Suprema Corte de Justicia de la Nación (SCJN), hizo la petición formal para la atracción del caso el 10 de febrero del año en curso. <strong>El magistrado declaró que se atrajo porque pueden generarse precedentes importantes y porque la Corte no puede ser ajena a la reparación de injusticias.</strong></p>
<p><strong>Cabe recordar que en 2020 ya se había solicitado a la SCJN la atracción del caso, sin embargo no procedió a hacerlo. </strong>Fue hasta ahora, con motivo del impacto que ha tenido este nuevo trabajo de Roberto Hernández, cuando decidió ejercer esa facultad.</p>
<p>Para hablar sobre esta intervención de la Corte con un caso que encontró en Netflix una gran vitrina de exposición, <strong>Spoiler invitó a Armando Vicencio Álvarez, reconocido abogado mexicano y catedrático en la facultad de Derecho de la Universidad Nacional Autónoma de México.</strong></p>
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<p><strong>¿Se puede que la Suprema Corte de Justicia de la Nación atraiga un caso que se exhibe en una serie documental?</strong></p>
<p><em>Sí, es perfectamente viable. La facultad de atracción que tiene la Suprema Corte para sentencias de amparo directo, o de amparo indirecto en revisión, es muy amplia. Básicamente, en este caso, el ministro presidente y el pleno de la Corte están fundando su ejercicio del derecho de atracción en la trascendencia social que puede tener.</em></p>
<p><em>En algunas ocasiones, la facultad de atracción se puede ejercer por la necesidad de cuestiones muy técnicas de interpretaciones a artículos constitucionales. Pero también la ley establece la posibilidad de que esta facultad se dé cuando el caso del que se trate trascienda más allá de las fronteras del propio caso.</em></p>
<p><em>Evidentemente esta sentencia va a beneficiar o a perjudicar a los muchachos acusados de secuestro, pero la trascendencia que va a generar esta sentencia derivada de la serie documental de Netflix es lo que hace que la Corte atraiga el caso. Es viable jurídicamente hablando.</em></p>
<p><strong>¿Qué pasaría el día de mañana si el mismo Netflix, Amazon Prime, HBO Max u otra plataforma de streaming lanza un documental mostrando un caso similar? ¿Tiene obligación la Suprema Corte de atraer esos casos? ¿Podrá atraer cualquier caso?</strong></p>
<p><em>De hecho, a la fecha, puede atraer cualquier caso que le parezca socialmente relevante y trascendente. Lo novedoso de este caso es que el presidente de la Corte reconoce que lo atrae por el impacto que le causó la serie documental.</em></p>
<p><em>No existe en la ley una razón o un procedimiento exclusivo para que la Corte lo atraiga. Puede ser a petición del propio tribunal colegiado que le diga “oye Suprema Corte, me parece que este asunto es relevante”, o “me parece que este asunto amerita una interpretación directa de tu parte”, y la Corte lo acepta y lo atrae a través de uno de sus miembros. O puede ser, como en el caso que nos ocupa ahorita, que uno de los miembros de la Corte decida atraerlo sin que se lo hayan pedido.</em></p>
<p><em>Es tan discrecional esta facultad que tiene la Corte que lo puede hacer por las razones que lo considere pertinente. En el panorama que planteas puede darse o no puede darse. Puede suceder que salga otro documental tan bien hecho y de tanta calidad como </em>Duda razonable <em>y que la Corte decida no atraerlo. Es totalmente discrecional.</em></p>
<p><strong>Desde 2020 se le planteó a la Suprema Corte que atrajera el caso mostrado en <em>Duda razonable</em> y no lo hizo. Después se hizo esta serie documental y sí lo atrajo. Esto abre la puerta para que alguien más diga “oye, ¿por qué no hacemos un documental o una serie documental para ver si ahora sí la Suprema Corte de Justicia de la Nación nos hace caso?”.</strong></p>
<p><em>Esa es una puerta muy interesante que se abre. Los abogados litigantes, sobre todo hoy en día, tenemos que ser creativos. Por ejemplo, mi formación de abogado, que data de los años ochenta, era bastante más cuadrada. Yo me apegaba a los códigos procesales, a las leyes procesales, y difícilmente me salía de ahí. Ahora, en pleno siglo XXI, el abogado litigante que no es creativo seguramente no es eficaz.</em></p>
<p><em>Esta puerta que tú detectas es una puerta que se nos está abriendo a los abogados. Podemos equipararla al periódico en su momento, a una revista especializada. Ahora son los documentales, es decir, otras vías que antes no existían. No hay ese precedente. Ahora esa posibilidad la podrá usar de forma legítima un litigante y ya depende de la Corte si se engancha o no.</em></p>
<p><strong>Para ti como abogado litigante que fuiste formado en una generación cuadrada, tal como mencionaste, ¿qué significa que a través del cine, mediante el género del documental, aquellos casos como el que muestra <em>Duda razonable </em>procedan para que se pueda impartir justicia?</strong></p>
<p><em>De entrada, como un choque generacional, me costaba trabajo. No era fácil para mí aceptar todas estas nuevas posibilidades. Pero hoy en día me parece positivo, benéfico para la sociedad.</em></p>
<p><em>Me voy un poquito más atrás. Yo soy de una generación en la que la televisión era prácticamente de entretenimiento a lo largo de la semana y de deportes los fines de semana. Para mí era muy difícil ver los supuestos canales culturales de la época para aprender cosas, me refiero al 9 y al 11 de la televisión abierta, que además era lo único que teníamos. Si quería aprender cosas, me iba a leer, o me iba a la escuela. Era complejo encender la televisión para aprender algo, cuando mucho era el noticiero nocturno de Televisa el que te enseñaba cosas. Para mí fue un brinco llegar a esta televisión actual para aprender, reflexionar y conocer más allá de la mera diversión.</em></p>
<p><em>En segundo lugar, el aspecto profesional. Participar, formar parte y conocer de eventos jurídicos trascendentes como el de </em>Duda razonable <em>es novedoso, muy positivo. Creo que en la medida que este tipo de casos se publiciten con la eficacia de la televisión en streaming y del cine, con el género documental, mucho más positivo será.</em></p>
<p><strong>Desde tu óptica, ¿cómo se es espectador de un contenido así? Quiero pensar que no es lo mismo verlo desde la trinchera periodística, como es mi caso, que verlo desde la trinchera como abogado, tal es tu caso. Dejas de ser un público común y corriente porque sientes cercanas estas historias. ¿Cómo viste <em>Duda razonable</em>?</strong></p>
<p><em>Hay aspectos que me llaman la atención. Roberto Hernández, el director, es abogado. Es un dato importante porque no se trata nada más de un buen documentalista, sino que es un abogado que se ha dedicado a documentar casos jurídicos. Esto hace que a mí me atraiga como abogado y me da gusto que no se caiga en el lugar común de despedazar al abogado y al sistema jurídico, tal como ha ocurrido con otros contenidos que prácticamente transmiten la idea de que el mundo estaría mejor sin ellos. Las conclusiones a las que se invita a llegar al espectador son como decir “esto es indispensable, pero hay que mejorarlo”. Tiene demasiados espacios que hay que mejorar.</em></p>
<p><em>Por otro lado, como espectador ilustrado en la materia, claro que voy buscando detalles, voy entendiendo el procedimiento. Me refiero a las leyes que invocan en ese momento, o a las etapas procesales que se están viendo en el documental. Te diría que en este sentido</em> Duda razonable<em> es impecable. El mundo jurídico no le ha puesto un solo pero al documental jurídicamente hablando. No rompe las normas jurídicas.</em></p>
<p><strong>¿Hay oportunidad de que la Suprema Corte siente un precedente todavía mayor si es que determina que pueden quedar en libertad los acusados que aparecen en la serie documental?</strong></p>
<p><em>Esto es una cuestión más técnica. En realidad el problema viene una vez que ha quedado firme la decisión jurídica de que son culpables. Lo que la Corte va a determinar, hasta donde alcanzo a entender, no es si son culpables o no, sino el monto de los años que por esa culpabilidad se les va a dar privados de su libertad.</em></p>
<p><em>La primera sentencia los declaró culpables y esa sentencia no se apeló. Después vino la sentencia donde les dan los años y esa es la sentencia que se busca modificar en amparo, es decir, la de los tres años y medio de condena que subieron a 50 años de prisión. Digamos que la Corte no la tiene tan complicada porque no se va a meter a analizar si estos muchachos son culpables o no. Lo que analizará es si les corresponden los 50 años o los tres años y medio que se les había dado en un principio.</em></p>
<p><em>En ese sentido, jurídicamente hablando, no es tan complicado, ni sería tan trascendente, porque no van a analizar todo el juicio ni todas las pruebas que los declaran culpables o no. Ahí yo le haría una pequeña crítica al documental. ¿Por qué? Porque de tenerte en un nivel muy alto de interés y de transmisión de información, justo cuando viene la parte medular, se cae un poco la narrativa, el tono y la intensidad, por lo que no nos queda tan claro el punto que se va a resolver. Dicho punto es saber nada más y nada menos si estos muchachos van a quedar 50 años o tres años y medio en prisión.</em></p>
<p><strong>A todo esto, lo que debió ser la primera pregunta, ¿qué es la duda razonable? Explícame con peras y manzanas qué significa esta figura jurídica.</strong></p>
<p><em>En el año 2008, el sistema de impartición de justicia penal en México cambia radicalmente. Deja de ser un sistema inquisitivo y se convierte en un sistema acusatorio con la idea principal de defender la inocencia de cualquier acusado hasta que se le pruebe lo contrario.</em></p>
<p><em>Eso fue el motor de presiones internacionales donde a México en distintos foros, tanto jurídicos como académicos, se le instó a modificar el sistema penal porque estaba funcionando bastante mal, principalmente porque al acusado se le consideraba culpable de inicio. A pesar de que la ley decía otra cosa, en la práctica el acusado era culpable. Y la defensa tenía que consistir en demostrar que era inocente, lo cual es una aberración para los derechos humanos.</em></p>
<p><em>Lo lógico es que el acusado se considere inocente y la parte acusadora, que es la fiscalía, se tiene que dedicar a probar la culpabilidad. Esa es su función. Parten de que el acusado es inocente. No se parte, como antes, de que el acusado es culpable.</em></p>
<p><em>La figura de la duda razonable opera de la siguiente manera: como es la fiscalía la que tiene que acreditar la culpabilidad, con que exista una duda razonable de que son inocentes es más que suficiente para considerarlos así. Es decir, la acreditación de la fiscalía en cuanto a la culpabilidad tiene que ser contundente para que pueda ser sentenciada o condenada una persona. Pero si hay una duda razonable de que no es culpable, eso es más que suficiente para que se le declare inocente.</em></p>
<p><em>Por ello el título de esta serie documental es certero y un poco sarcástico. ¿Dónde quedó la duda razonable? Este contenido nos narra muchas dudas razonables: que si la mecánica del balazo, que si entró por la mano, que si la distancia, que si no hubo interacción entre los hombres de la camioneta y el Jetta verde. Queda más que claro que son dudas razonables.</em></p>
<p><strong>Ante este tipo de producciones, que cada vez hay más en plataformas de streaming y cine, ¿qué tan importante es para ustedes los abogados tener el respaldo de cineastas para litigar de forma creativa?</strong></p>
<p><em>En concreto con esta serie documental, insistiría yo en un dato interesante: el documentalista es abogado de profesión, de formación, y hasta donde entiendo se vuelve documentalista por su necesidad de transmitir las injusticias con impacto. Como que se hizo documentalista por accidente, por decirlo de otra manera. Encontró en este género una vía para dar a conocer esas injusticias.</em></p>
<p><strong>¿Tú recurrirías al documental para litigar?</strong></p>
<p><em>Creo que soy muy torpe para transmitir buenas ideas y buenos contenidos a través de la cámara. Pero considero que como abogados tenemos la obligación de recurrir a todo: al documental, al pódcast, a la entrevista, a la conferencia, al escrito, al libro, a la manifestación y hasta a lo que no se ha inventado.</em></p>
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“Lo novedoso del caso Duda razonable es que la SCJN lo atrae por el impacto que causó”: Armando Vicencio Álvarez

“Lo novedoso del caso Duda razonable es que la SCJN lo atrae por el impacto que causó”: Armando Vicencio Álvarez - Spoiler

Duda razonable: de una serie documental a un caso atraído por la SCJN

<p>Así como hay películas que han llegado a cartelera en este 2022 para recordarnos que<strong> la experiencia de ir al cine es una oportunidad de pensar e interpretar con libertad las historias que vemos en pantalla además de disfrutarlas (he ahí <a href="https://spoiler.bolavip.com/reviews/El-alcohol-un-elemento-oscuro-y-vital-en-Nightmare-Alley-para-Guillermo-del-Toro-20220117-0007.html" target="_blank" rel="noopener"><em>El callejón de las almas perdidas,</em></a> de Guillermo del Toro), </strong>existen aquellas otras que<strong> transforman la sala oscura en un íntimo recinto para sentir y acariciar el alma, </strong>mayor aún después de todo lo que hemos vivido en pandemia. Tal es el caso de lo que ocurre con<em> Belfast,</em> escrita y dirigida por Kenneth Branagh.</p>
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<p>A través de un relato semiautobiográfico, el cineasta británico obsequia al espectador la posibilidad de apropiarse de pasajes y personajes mostrados en su película. <strong>El público tiene ante sí opciones para identificarse y tomar los elementos que considere necesarios para abrazarlos como si fueran suyos.</strong> ¿Y por qué no? En ese proceso de identificación se vale llorar, ponerse sensible.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/mexico/contenidos/2022/02/20/noticia_0015.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>Nos ubica en agosto de 1968, fecha en que se registraron una serie de disturbios por toda Irlanda del Norte como consecuencia de la Batalla del Bogside. <strong>El enfrentamiento entre católicos y protestantes, de fondo un conflicto por la política de vivienda en la nación, aunado a las diferentes posturas respecto al sistema de gobierno, obligó a que familias norirlandesas abandonaran sus hogares e incluso el país. </strong>Aquí se nos cuenta lo que vivió una de ellas en lo que puede apreciarse como una carta de amor a <a href="https://spoiler.bolavip.com/reviews/Muerte-en-el-Nilo-un-misterio-mas-de-Agatha-Christie-en-la-sobriedad-de-Kenneth-Branagh-20220209-0017.html" target="_blank" rel="noopener">la Belfast donde creció el director.</a></p>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/p/CaInv80PDAG/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Belfast (@belfastmovie)</a></p>
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<p>Probablemente muchos perciban en este trabajo una nueva <em>Roma </em>(Alfonso Cuarón, 2018), esto con relación al retorno de un autor a sus orígenes. Sin embargo, a diferencia del realizador mexicano, <strong>Branagh procura más una postal edulcorante y sentimental de su nostalgia que cuestionadora e incómoda. </strong>No por ello deja de ser valiosa.</p>
<p>También puede llegar a interpretarse como una contraparte de <em>The Boxer </em>(Jim Sheridan, 1997), filme en que su protagonista retorna a Belfast luego de haber permanecido en prisión, encontrándose con una ciudad de violencia ininterrumpida en la que él solamente quiere paz e intenta hacerlo mediante <a href="https://spoiler.bolavip.com/extra/Video-La-noche-que-Rocky-Balboa-y-Muhammad-Ali-pelearon-en-los-Oscar-20200707-0012.html" target="_blank" rel="noopener">la vía del boxeo;</a> <strong>un deporte como conducto para huir de los tentáculos violentos armados del conflicto norirlandés.</strong></p>
<p>Entre los personajes entrañables de <em>Belfast </em>se encuentra el abuelo Pop, interpretado con enternecedora candidez por Ciarán Hinds. ¡Dan ganas de llevárselo a casa! Representa esa figura abuelesca cercana, cariñosa y de palabras precisas en momentos de crisis que todo niño merece tener. Para quienes hayan tenido un abuelito así, casi de manera inevitable, seguro creerán que es una fabulosa manifestación o representación de ese ser tan amado al que se extraña demasiado.<strong><em> “No iré a ningún lugar donde no me puedas encontrar”, </em>le dice a su nieto Buddy (Jude Hill). ¿Acaso no se lo expresa también al espectador que anhela tener nuevamente cerca a su viejito adorado aunque sea por un instante y se le aparece a través de Pop en esta ficción?</strong></p>
<p>En ese juego de paredes emocionales con sus personajes, tocando y moviéndose (apelando al argot pambolero), Branagh deposita en Buddy esa pasión e ilusión futbolera que acompañó a las infancias de millones de niños antes de que se extinguiera el romanticismo por el balón, entre ellas la suya. <strong>Tal lirismo se muestra con la nostalgia de jugar en las calles del barrio y soñar con ser el mejor futbolista del mundo basándose en los referentes locales.</strong></p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/02/08/noticia_0003.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>El director rescata del olvido a Danny Blanchflower, ídolo norirlandés de los años cincuenta y sesenta que fue símbolo del Tottenham Hotspur, equipo del que Branagh es hincha desde pequeño. <strong>A manera de homenaje, como pambolero que es, rinde un pequeño tributo a la máxima que los futboleros del siglo pasado han aprendido a valorar con el paso del tiempo: el futbol es infancia;</strong> el escritor español Javier Marías lo puntualiza de otra manera en su libro <em>Salvajes y sentimentales</em>: “el futbol es la recuperación semanal de la infancia”.</p>
<p>Por cierto, ¿qué sería de la niñez sin un amor infantil? Así como se entusiasma con el futbol, Buddy se siente inquieto por Catherine (Olive Tennant), compañera del colegio de quien se ha enamorado. Pide consejos a los adultos para saber cómo acercarse a ella, cómo ser visible ante sus ojos. Con ese pretexto, Branagh también reparte más paredes que, por mínimas que puedan parecer, son trascendentales para un menor. ¿Cómo cuáles? <strong>La ayuda de los suyos. Pa (Jamie Dornan), papá de Buddy, habitualmente ausente por cuestiones laborales, alienta y acompaña a construir un recuerdo del primer gran amor ante el inminente destino familiar que se avecina. </strong>No pasa de largo que la paternidad ejerza un rol de benévola complicidad en experiencias que marcan a un hijo y a la vez contribuya a una futura postal de agradable resguardo en la memoria para un tercero, entiéndase Catherine.</p>
<p><strong>Dentro de ese universo masculino en que gira la vida de Buddy, se encuentran las vitales figuras femeninas.</strong> Por un lado está Ma (Caitriona Balfe), su madre, una mujer capaz de arriesgar el físico para protegerlo en medio de un disturbio violento cuando él se petrifica ante el caos, o bien para hacerle notar que la integridad es una actitud de mayor carácter y dignidad que un acto vandálico, esto luego de que comete un robo por la presión de otra menor que, contrario a él, carece de una autoridad familiar que le haga comprender qué es correcto y qué es incorrecto en beneficio de su porvenir a su corta edad.</p>
<p>Pero Ma es también el equilibrio de Pa y viceversa. Ambos encuentran en las fricciones una puerta al diálogo. Les son indispensables para la toma de decisiones, especialmente en un ambiente sociopolítico tan convulso como el que azota a Belfast. El amor que se tienen el uno por el otro se pone a prueba en el periodo más crítico de sus vidas y la de sus hijos. <strong>Elegir es renunciar y ellos han de tomar una elección de grandes dimensiones bajo un entendimiento mutuo.</strong></p>
<p>Precisamente en esa elección cobra fuerza otra mujer indispensable en la vida de Buddy, su abuela Granny (Judi Dench). <strong>Es ella la encargada de pronunciar una última línea que cala hondo en los corazones de aquellas personas que salen de la sala del cine con enormes ganas de acudir al álbum familiar, recorrer todas las fotos que hay en su interior y explotar en afecto hacia esas personas o sitios que aparezcan en las imágenes. </strong>Motivos, muchos motivos hay para hacerlo.</p>
<p><strong>¿Será <em>Belfast </em>una noble travesura de Branagh para integrarnos como personajes partícipes de su historia? Belfast bien podría ser nuestra ciudad.</strong> Si bien es cierto que la trama se contextualiza en Irlanda del Norte durante 1968, el señor Kenneth rompe esa barrera espacial y temporal mediante la empatía que genera con casi todas las piezas que nos ofrece para sentirlas tan propias hoy día.</p>
<p>Para que la experiencia sea redonda como cinéfilos, nos envuelve con clásicos como <em>High Noon, The Man Who Shot Liberty Valence, Barbarella.</em> Ah, y los acompaña con la música de otro referente y leyenda viviente de Belfast, Van Morrison. <strong>En ese sentido, Branagh ejemplifica lo que una mayoría llevamos en mudanzas sin necesidad de empacar porque su caja fuerte somos nosotros mismos: las películas que nos marcaron y el soundtrack de nuestras vidas.</strong></p>


Belfast, una carta de amor de Kenneth Branagh a una ciudad que podría ser la nuestra

Belfast, una carta de amor de Kenneth Branagh a una ciudad que podría ser la nuestra - Spoiler

Te contamos qué nos pareció Belfast, de Kenneth Branagh

<p><strong>El cine mexicano continúa dando de qué hablar a nivel internacional.</strong> Con el comienzo de 2022 y la puesta en marcha de festivales alrededor del mundo, <a href="https://spoiler.bolavip.com/reviews/Sonido-mexicano-destaca-en-el-Festival-de-Rotterdam-con-la-ganadora-EAMI-20220206-0017.html" target="_blank" rel="noopener">los trabajos cinematográficos de nuestro país </a>han sorprendido por su calidad. <strong>Muestra de ello es<em> Manto de gemas,</em> de Natalia López Gallardo, en la Berlinale.</strong></p>
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<p>La película fue merecedora del Oso de Plata del Jurado en la edición 72 del Festival Internacional de Cine de Berlín. <strong>Se trata de la ópera prima de la directora y pone sobre la mesa otra arista de una lacerante realidad que se vive en México como lo es la violencia.</strong> La cineasta quiso enfocarse en<a href="https://spoiler.bolavip.com/reviews/Nina-sola-un-golpe-de-realidad-que-se-oculta-detras-de-un-feminicidio-olvidado-20220210-0021.html" target="_blank" rel="noopener"> las heridas que ha dejado en sus víctimas.</a></p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/02/10/noticia_0025.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p><em>Manto de gemas</em> cuenta la historia de tres mujeres que deben lidiar con los efectos colaterales del narcotráfico en una zona rural devastada por secuestros, desapariciones y asesinatos. <strong>Una empleada doméstica busca a su hermana desaparecida y recibe ayuda de su patrona enfrentándose al calvario de los ministerios públicos, así como de las bandas criminales que azotan la entidad. </strong>Al mismo tiempo, una policía local quiere rescatar a su hijo de esas mismas bandas.</p>
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<p dir="ltr" lang="en">The next of eight bears in total, the Silver Bear Jury Prize, goes to “Robe of Gems” by Natalia López Gallardo. We wish a wonderful Award Ceremony! <a href="https://t.co/7hGzHPBMkO">pic.twitter.com/7hGzHPBMkO</a></p>
<p> — Berlinale (@berlinale)    <a href="https://twitter.com/berlinale/status/1494027653980082179?ref_src=twsrc%5Etfw">February 16, 2022</a>   </p></blockquote>
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<p>A partir de cuestionarse qué dolores guardamos los mexicanos ante esas imágenes y cuáles son las heridas que se quedan en la sociedad, <strong>Natalia López Gallardo se acercó a madres que siguen en la búsqueda de sus hijos para ahondar en la dimensión psicológica de los estragos que surgen tras no saber nada sobre el paradero de sus seres amados.</strong></p>
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<p dir="ltr" lang="es">MANTO DE GEMAS<br> de Natalia López Gallardo<br> 2022<br> ��������<br> __<br> Oso de Plata (Premio del Jurado)<a href="https://twitter.com/berlinale?ref_src=twsrc%5Etfw">@berlinale</a> <a href="https://t.co/Ie7ujwR0Cq">pic.twitter.com/Ie7ujwR0Cq</a></p>
<p> — PIANO (@SomosPiano)    <a href="https://twitter.com/SomosPiano/status/1494053228555771909?ref_src=twsrc%5Etfw">February 16, 2022</a>   </p></blockquote>
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Premio del Jurado para la película mexicana Manto de gemas en la Berlinale

Premio del Jurado para la película mexicana Manto de gemas en la Berlinale - Spoiler

¡Película mexicana gana premio en la Berlinale!

<p>El 10 de mayo de 2021 no fue un Día de las Madres cualquiera.<strong> En redes sociales se viralizó desde temprano la noticia de que Los Bukis habían ofrecido un concierto vía streaming para suscriptores nombrado “Bohemia en pandemia”. </strong>¿Los Bukis en concierto? Sí, se habían reunido para una serenata especial con motivo de festejar a las reinas del hogar.<strong> Eso pudo confirmarse cuando usuarios liberaron en el ciberespacio el clip de la canción con que cerraron dicho concierto, ni más ni menos que el himno por excelencia de la agrupación, <em>Tu cárcel.</em></strong></p>
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<p>En noticieros matutinos también se informó sobre este evento. Al enterarse de ello, miles de mujeres que crecieron escuchando su música pusieron manos a la obra para comprobar si era verdad. Y sí, fue verdad.<strong> Descubrieron con sorpresa que Marco Antonio Solís, Joel Solís, Eusebio ‘el Chivo’ Cortez, José Javier Solís, Pedro Sánchez y Roberto Guadarrama nuevamente estaban juntos para interpretar sus antiguos e inmortales éxitos.</strong></p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/02/16/noticia_0002.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p><strong>Muchas de ellas no resistieron el llanto. Viajaron atrás en el tiempo para revivir aquellos bailes y fiestas donde algunas conocieron al amor de su vida, padre de sus hijos y abuelo de sus nietos</strong>. Fueron evidenciadas precisamente por sus descendientes a través de videos compartidos en Twitter o Facebook donde se les veía emocionadas por cerciorarse de que Los Bukis estaban de regreso. <strong><em>“Mi abuela está feliz, no la había visto así. ¡La amo!”, </em>refería uno de los contenidos posteados.</strong><span></span></p>
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<p dir="ltr" lang="es">¡Oficial! Tomen todo nuestro dinero para los conciertos de <a href="https://twitter.com/somoslosbukis?ref_src=twsrc%5Etfw">@somoslosbukis</a> en México.<a href="https://twitter.com/hashtag/UnaHistoriaCantada?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#UnaHistoriaCantada</a> llegará a Tijuana, Monterrey, Guadalajara, Morelia y Ciudad de México. <a href="https://t.co/12xRzw7Hs8">pic.twitter.com/12xRzw7Hs8</a></p>
<p> — Spoiler (@Spoiler_Bolavip)    <a href="https://twitter.com/Spoiler_Bolavip/status/1491570181876994052?ref_src=twsrc%5Etfw">February 10, 2022</a>   </p></blockquote>
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<p>Pero no fueron las únicas. Varios hombres también mojaron sus rostros con lágrimas por el entusiasmo de escuchar en voz de Marco Antonio Solís esas líneas que amenizaron sus ayeres de jolgorio, enamoramientos y veladas románticas.<strong> <em>“Pero recuerda, nadie es perfecto y tú lo verás, tal vez mil cosas mejores tendrás…”, </em>le cantó un adulto mayor a la pantalla para entrar en sincronía con sus ídolos sin darse cuenta que su hijo lo grababa en vivo agradeciéndole a Los Bukis por alegrarle la vida tras haber padecido el coronavirus.</strong></p>
<p>Paisanos radicados en Estados Unidos, nación a la que llegaron como indocumentados hace tres décadas, de inmediato pidieron a Los Bukis una gira por territorio estadounidense. A ese clamor se sumaron los mexicanos en nuestro país.<strong> ¡Salieron fans de todas partes! Desde “vengan a Chicago” hasta “los esperamos en Ciudad Juárez”, surgieron plegarias provenientes de distintas partes para exigir su presencia en esos terruños.</strong></p>
<p>Y Los Bukis hicieron caso. Primero atendieron a sus fanáticos en Estados Unidos con el tour “Una historia cantada” que comenzó en agosto de 2021. <strong>Houston, Dallas, San Antonio, Oakland, Chicago y Los Ángeles fueron las ciudades donde registraron llenos en sus presentaciones. </strong>Tal fue la demanda por verlos que hubo dos sold outs para sus conciertos en el SoFi Stadium, <a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Super-Bowl-Touchdown-Que-es-eso-Peliculas-para-entrarle-al-futbol-americano--20220212-0001.html" target="_blank" rel="noopener">sede del último Super Bowl y casa del actual campeón de la NFL, </a>Rams de Los Ángeles.</p>
<p>Culminaron el año generando suspenso entre sus seguidores en México. Rumores iban y venían acerca de extender su gira; unos decían que eso no iba a suceder, otros rezaban para que sucediera. <strong>Quienes suplicaron al cielo fueron escuchados: el 9 de febrero Los Bukis anunciaron en el Estadio Azteca una serie de cinco presentaciones entre septiembre y diciembre. Tijuana, Guadalajara, Monterrey, Morelia y Ciudad de México serán las ciudades que los reciban.</strong></p>
<p>Tal como ocurrió el 10 de mayo de 2021, el 9 de febrero de 2022 se repitió la historia. ¿Cuál? Mujeres y hombres se pusieron a derramar lágrimas por la noticia.<strong> Primero porque se confirmó que el tour “Una historia cantada” iba a recorrer nuestro país. En segundo lugar porque se visualizaron en las gradas cantando <em>Tu cárcel</em> junto a sus ídolos.</strong></p>
<p> <em>“…vete olvidando de esto que hoy dejas y que cambiarás por la aventura que tú ya verás…”,</em> reza la canción. Pero en la realidad hay cosas que no se olvidan, que no cambian. <strong>Por ejemplo, el himno que genera conexión inmediata entre Los Bukis y el público que lo llora emocionado por entonarlo como si el grupo jamás se hubiera separado.</strong></p>
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<p dir="ltr" lang="es">No me ilusiones, que es mi sueño de toda la vida ver el reencuentro y asistir a un reencuentro de los bukis</p>
<p> — Morocha (@morocha1821)    <a href="https://twitter.com/morocha1821/status/1391592182889451525?ref_src=twsrc%5Etfw">May 10, 2021</a>   </p></blockquote>
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‘Tu cárcel’, el himno que volverá a llorarse 25 años después con Los Bukis

‘Tu cárcel’, el himno que volverá a llorarse 25 años después con Los Bukis - Spoiler

¡México será de Los Bukis en este 2022!

<p><strong>Vivimos un periodo complicado para ser cinéfilo. </strong>En México, por ejemplo, la mayoría de películas que llegan a cadenas comerciales suelen ser contenidos explicativos de inicio a fin, es decir, productos digeribles que explican todo para que el espectador salga de la sala sin tener que cuestionarse nada de lo que ha visto.<strong> A eso se suma el cine de superhéroes, que es un servicio a la carta hecho a la medida de lo que piden los fanáticos (fan service) sin importar que la trama sea repetitiva con distintos personajes. </strong>Sí, consecuencia de la agenda establecida por las exhibidoras para generar taquilla.</p>
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<p>En ese tenor resulta inevitable preguntarse<a href="https://spoiler.bolavip.com/reviews/Eles-Transportan-a-Morte-una-elegante-postura-contra-la-historia-oficial-del-colonialismo--20220208-0001.html" target="_blank" rel="noopener"> cómo reaccionaría dicho público</a> a una película como<em> Neptune Frost.</em> <strong>Y es que al terminar de verla, te deja en un trance de cuestionamientos variados que se derivan de una narrativa que se sale de los convencionalismos a los cuales se nos ha acostumbrado.</strong> No es formal, ni muy concreta.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/02/08/noticia_0001.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>De primera impresión, este trabajo de Anisia Uzeyman y Saul Williams resulta agradable por tratarse de<strong> una obra poética que apuesta por la inventiva de un lenguaje particular para poner sobre la mesa temas como el uso que le damos a la tecnología, la explotación de los recursos naturales y la fijación que tiene el humano con el futuro.</strong></p>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/p/CaAat7Krskd/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Black Lounge Film Series (@blackloungefilms)</a></p>
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<p>Música, ciencia ficción, estética afrofuturista y atmósfera cibernética ambientan esta historia que ocurre en Ruanda. Vemos a una zona de desechos electrónicos oculta donde piratas informáticos luchan contra el autoritarismo que busca acabar con los recursos naturales de ese país. <strong>En este entramado conocemos a dos seres que tendrán una conexión especial: Neptune (un fugitivo intersexual) y un minero que guarda el luto por la muerte de su hermano; ambos unirán fuerzas para la resistencia.</strong></p>
<p>La propuesta de Uzeyman y Williams es osada, arriesgada. Apuntan hacia <a href="https://spoiler.bolavip.com/reviews/Stand-By-Me-la-perdida-como-elemento-de-reconstruccion--20220206-0018.html" target="_blank" rel="noopener">un universo onírico que coloca al espectador </a>en la encrucijada de no saber si se encuentra en un sueño o es víctima de alucinaciones. <strong>Precisamente por ello corren el riesgo de que el público se confunda al grado de abandonar la película o decida finalizar sólo prestando atención a su banda sonora.</strong></p>
<p><em>Neptune Frost</em> es de esos filmes a los que rehuyen aquellos cinéfilos reticentes a los contenidos de festivales porque materializa uno de sus temores: ver algo a lo que no le van a entender.<strong> En contraste, aquellos cinéfilos que le entran a todo le darían el beneficio de la duda para verla una segunda o tercera vez no para entenderla, sino para hallar respuestas a las inquietudes que arrojan imágenes, sonidos y personajes en esta experiencia alucinante y sensorial.</strong></p>


Neptune Frost, una alucinante y disruptiva obra afrofuturista

Neptune Frost, una alucinante y disruptiva obra afrofuturista - Spoiler

IFFR: Neptune Frost, un respiro en tiempos de Marvel

<p>A diferencia de otros deportes, el futbol americano <a href="https://spoiler.bolavip.com/series/El-trailer-de-Obi-Wan-Kenobi-podria-llegar-en-el-Super-Bowl-2022-20220209-0016.html" target="_blank" rel="noopener">se lleva bastante bien con el cine.</a> <strong>Las historias del emparrillado han encontrado en la pantalla grande un buen espacio para mostrarse más allá de lo que puede apreciarse a través de los partidos de NFL que vemos por televisión cada temporada. </strong>De hecho, el juego funciona como excusa o detonante para conocer otras aristas que ofrece o se desprenden tanto de la práctica como del gusto por este deporte.</p>
<p>Dada esa pequeña explicación, pasemos a nuestra vida cotidiana. <strong>Todos conocemos a alguien que nos dice “no le entiendo nada a ese juego”, “no me gusta porque ni siquiera sé de qué se trata”, “como que no le encuentro el chiste”, “se me hace muy aburrido”. </strong>Están en todo su derecho de valorarlo así, pero ello no quita que puedan intentar acercarse a él. <strong>Una grata manera de hacerlo es mediante las películas que existen con relación a las tacleadas.</strong></p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/mexico/contenidos/2022/02/05/noticia_0017.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>Para esas personas que guardan distancia con el futbol americano y tengan curiosidad por conocerlo, <strong>Spoiler invitó a Erick Estrada, crítico de cine, fan de Minnesota Vikings y director de Cinegarage, para sugerir sus cinco películas de entretenida introducción a este deporte.</strong></p>
<p><strong>Los títulos recomendados corresponden a distintas décadas, diferentes géneros y diversos ángulos. </strong>Este ejercicio lúdico-cinéfilo no tiene ninguna otra intención que poner sobre la mesa contenidos que, además de enfocarse al aspecto deportivo, funcionan para darse cuenta de que el futbol americano permite contar un sinfín de historias con buena manufactura. <a href="https://spoiler.bolavip.com/tv/Super-Bowl-2022-estos-fueron-los-mejores-shows-de-la-historia--20220210-0009.html" target="_blank" rel="noopener"><strong>Entretenimiento por donde se le vea.</strong></a></p>
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<blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/CZk97DnudSR/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style="background:#FFF;border:0;border-radius:3px;margin: 1px;max-width:540px;min-width:326px;padding:0;width:99.375%;width:-webkit-calc(100% - 2px);width:calc(100% - 2px)">
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/p/CZk97DnudSR/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Cinegarage (@cinegarage)</a></p>
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<h2 style="text-align: center">Las cinco de Erick Estrada</h2>
<h3 style="text-align: center"><strong>1. Lucas (de David Seltzer)</strong></h3>
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<p><strong>Un clásico ochentero para sumergirse en los amores de la adolescencia, el bullying escolar y el infortunio de ser un superdotado. </strong>Muchos hombres crecieron identificándose con el personaje principal por enamorarse de la chica que no lo pela, o en su defecto con los gandallas que se pasaban de listos con los más débiles del salón.</p>
<p><strong>*En YouTube</strong></p>
<h3 style="text-align: center">2. Neccesary Roughness (de Stan Dragoti)</h3>
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<p>¿Se le puede considerar “viejo” a un hombre de 34 años en el futbol americano? En la vida real ya vimos que Tom Brady pudo ganar un Super Bowl con 43. <strong>Pero lo que no le vimos fue llegar como refuerzo a los Armadillos de Texas para sacar de la desgracia a este equipo tras un fuerte escándalo de corrupción. </strong>Quien se aventuró a eso fue Paul Blake (Scott Bakula), antigua estrella universitaria que no piensa en otra cosa que en su granja familiar.</p>
<h3 style="text-align: center">3. The Replacements (de Howard Deutch)</h3>
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<p><strong>Antes de que Keanu Reeves matara a centenares de hombres por doquier como John Wick, el señor interpretó a Shane Falco, un mariscal de campo que lidera a un peculiar grupo de jugadores suplentes para que Washington Sentinals busque el pase a playoffs en un periodo incierto por la huelga de algunos jugadores. </strong>Entre sus compañeros, por ejemplo, tiene a un sujeto que fuma en todo momento y a otro que es iracundo al grado de lanzar patadas voladoras. Esta película también enseña que una rola como Blinded By Rainbows, de Los Rolling Stones, viene de maravilla para enamorarse.</p>
<p><strong>*En Google Play</strong></p>
<h3 style="text-align: center">4. Remember the Titans (de Boaz Yakin)</h3>
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<p>En los años setenta, el gobierno de Estados Unidos dio la orden de que los equipos deportivos escolares debían ser multirraciales. <strong>Bajo ese contexto, el futbol americano colegial es un escenario perfecto para acercarse al tema de la segregación racial y ver cómo el deporte es una herramienta de cambio para erradicarla. </strong>Desde que se proyectó en cines hasta la fecha, la película suele ser utilizada por coaches de disciplinas como flag football y bikini football para motivar a sus equipos.</p>
<p><strong>*En DisneyPlus</strong></p>
<h3 style="text-align: center">5. Concussion (de Peter Landesman)</h3>
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<p><strong>Los tiempos han cambiado. ¡Y qué bueno! </strong>Hoy día se procura más a los jugadores en el campo para evitar contusiones como consecuencia del contacto, principalmente del choque de cascos. Sin embargo, no ocurría décadas atrás. <strong>La ciencia pudo confirmar que las muertes de algunos exjugadores de la NFL tenían relación con los efectos secundarios de tantos golpes recibidos en sus años como profesionales activos. </strong>Sobre eso va esta película.</p>
<p><strong>*En Netflix</strong></p>
<h2 style="text-align: center">Las cinco de Spoiler</h2>
<h3 style="text-align: center">1. Brian’s Song (de Buzz Kulik)</h3>
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<p>Historia basada en la amistad real que forjaron Brian Piccolo y Gale Sayers, corredores suplente y titular de Chicago Bears en los años sesenta. Rompieron las barreras raciales al compartir concentración juntos en una época donde eso era mal visto.<strong> Se apoyaron mutuamente durante las tragedias que les acompañaron: la lesión de Gayers y el cáncer de Brian, enfermedad que finalmente causó su muerte.</strong></p>
<p><strong>*En YouTube</strong></p>
<h3 style="text-align: center">2. Any Given Sunday (de Oliver Stone)</h3>
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<p><strong>La simple idea de ver a Al Pacino como coach es motivo suficiente para verla.</strong> Imposible imaginarlo como entrenador hasta que lo vemos en ese rol con Sharks, un equipo en crisis por malos resultados. Ante la lesión de su veterano quarterback debe apostar por el suplente, un joven al que se le sube la fama.<strong> Ojo, esta película incomodó a la NFL porque muestra a los jugadores como individuos con ciertos excesos al tener éxito.</strong></p>
<p><strong>*En HBO Max</strong></p>
<h3 style="text-align: center">3. The Blind Side (de John Lee Hancock)</h3>
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<p>En 2013, Baltimore Ravens ganó el Super Bowl a San Francisco 49ers. Uno de los jugadores campeones era Michael Oher, un chico que detrás tenía una extraordinaria historia de superación personal que fue llevada al cine y le dio un Oscar a Sandra Bullock en 2010. <strong>¿Acaso ustedes adoptarían a un chico mayor de edad con problemas de aprendizaje, un pasado con pobreza y una historia familiar marcada por adicciones? Leigh Anne Tuohy y su familia lo hicieron con Oher. Ese acto de humanidad/amor derivó en este filme.</strong></p>
<p><strong>*En Prime Video</strong></p>
<h3 style="text-align: center">4. The Longest Yard (de Robert Aldrich/Peter Segal)</h3>
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<p>Cuestión de gustos. <strong>Hay dos versiones: la original y el remake. La primera versión se maneja en el tono de acción con Burt Reynols como protagonista; la segunda es una comedia con Adam Sandler. </strong>Ambas coinciden en la premisa de una estrella del futbol americano que va a prisión y es obligado a organizar un partido entre los reos y los guardias.</p>
<p><strong>*En Prime Video/Netflix</strong></p>
<h3 style="text-align: center">5. La cuarta compañía (de Mitzi Arreola y Amir Galván)</h3>
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<p>México tiene tradición en el futbol americano, específicamente universitario. No obstante, las tacleadas fueron bien llevadas al plano del sistema penitenciario con Los Perros de Santa Martha, un equipo que juega por poder y resignación.<strong> Sus jugadores no son reos comunes sino miembros de una banda que delinque para los directivos de la penitenciaría robando coches y asaltando bancos.</strong></p>
<p><a href="https://www.cinegarage.com/cat/tag/2018/04/05/16/15/00/criticas/erick/51584-la-cuarta-compania-critica/" target="_blank" rel="noopener"><strong>*En Cinegarage/Claro Video</strong></a></p>
<h2 style="text-align: center"><strong>PLUS DE ERICK ESTRADA</strong></h2>
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¿Super Bowl? ¿Touchdown? ¿Qué es eso? Películas para entrarle al futbol americano

¿Super Bowl? ¿Touchdown? ¿Qué es eso? Películas para entrarle al futbol americano - Spoiler

Películas para entrarle al futbol americano con Spoiler y Cinegarage

<p>Con el estreno de <em>Sexo, pudor y lágrimas 2</em> en HBO Max, las críticas no se hicieron esperar. <strong>Tanto el público en general como la prensa cinematográfica coincidieron en percibirla como una película con muchos puntos débiles, específicamente por el guión y la dirección.</strong> Ha sido un contenido que no ha gustado a mucha gente y basta con acudir a las redes sociales para darse una idea.</p>
<p>Bajo ese contexto, los espectadores han dirigido también sus comentarios hacia el reparto de la versión original como consecuencia de lo que consideran una historia fallida. <strong>Entre esas observaciones esquivan al reparto juvenil de esta nueva entrega, ya sea por la comprensión de que es el menos culpable del resultado final o por indiferencia.</strong></p>
<p> <strong>Pero las actrices y actores jóvenes también tienen voz y derecho a manifestarse con relación a un proyecto significativo para su causa, que a la vez es una oportunidad de continuar desarrollándose en sus carreras. </strong>Por tal motivo entrevistamos a Joshua Okamoto, quien interpreta a ‘el Fichas’, para hablar del fenómeno derivado tras el lanzamiento de<em> Sexo, pudor y lágrimas 2.</em></p>
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<p></p>
<p><strong>¿Qué edad tienes?</strong></p>
<p><em>Tengo 26 años.</em></p>
<p><strong>Eras una criatura cuando salió <em>Sexo, pudor y lágrimas</em> en el cine. ¿Cuándo viste por primera vez esa película?</strong></p>
<p><em>La primera vez que la vi tenía 15 años, estaba entre la secundaria y la prepa. Sé que han pasado casi 15 años desde la primera vez que la vi, pero </em>Sexo, pudor y lágrimas<em> es una especie de joya dentro en la cinematografía mexicana.</em></p>
<p><em>Volví a verla con otros ojos al saber que me integraba a esta segunda parte. Ha sido muy grato formar parte de esta segunda entrega. Ha sido un viaje personal interesante en el sentido de que cuando la vi por primera vez ni siquiera sabía que quería ser actor. Entonces ver a rostros consolidados (de la primera parte) y años después encontrarme en el set con ellos ha sido una catarsis muy bella.</em></p>
<p><strong>Te hice esta pregunta porque muchos nos cuestionamos si realmente hacía falta una segunda parte, una secuela. ¿Era necesario? ¿Qué pensaste cuando te llegó el guión a tus manos?</strong></p>
<p><em>Creo que las segundas partes de todo siempre es difícil, ¿no? Ya sea con una serie o una película. Sobre todo hay muchas expectativas tratándose de una película como</em> Sexo, pudor y lágrimas. <em>¿Hacía falta? Pues no sé si hacía falta. Hay personas que la estaban esperando desde hace mucho tiempo y evidentemente es difícil entrar al mercado con algo tan fuerte como</em> Sexo, pudor y lágrimas 2.</p>
<p><em>¿Se cumplen las expectativas? En lo personal, al menos en mi terreno como actor, sí se cumplen. Estoy contento con el resultado. Sí habrá hecho falta o no, ya será tema del espectador decirnos si sí o no.</em></p>
<p><strong>¿Qué cambia en la versión de aquella generación de la primera parte respecto a la generación de esta segunda entrega?</strong></p>
<p><em>Sus conflictos se ponen en perspectiva a partir de una generación más joven, que somos nosotros. Se cuestionan la propia existencia en relación a sus hijos y en relación a ellos. Han pasado 23 años de estos personajes del elenco original. Entonces, cómo abordan la problemática que sucedía hace 23 años y cómo ha ido cambiando su percepción a lo largo del tiempo, me parece interesante.</em></p>
<p><strong>Participas en una película donde hay varios actores jóvenes que reciben muchas críticas por la propia película, pero eso no quiere decir que siempre harán películas así.</strong></p>
<p><em>Me parece que señalar y satanizar un contenido no genera diálogo. Satanizar y cuestionar las decisiones a partir de los objetivos sobre los proyectos que se eligen y los que no, reducen la conversación. Somos una generación de jóvenes que estamos en la búsqueda de abrirnos espacios para poder ser vistos.</em></p>
<p><em>En este sentido con una segunda entrega que, desde tu punto de vista es tan polémica, a mi me interesa que mi trabajo sea visible, como el de todos. Me parece que </em>Sexo, pudor y lágrimas 2<em> es polémica porque es una segunda entrega, porque hay rostros jóvenes, porque aborda temáticas que quizá no están tan representadas en el cine. Eso es lo que me estimulaba, integrarme como un actor joven, sumarme a un elenco original potente con otras narrativas. Eso me parece interesante.</em></p>
<p><strong>Entre las críticas negativas hacia la película, se mencionan la dirección y el guión. A partir del guión que te dieron, ¿cómo preparaste tu personaje?</strong></p>
<p><em>Cuando me llegó el guión, me encantó lo que está planteado con ‘el Fichas’. Creo que uno de los retos más grandes de él era construir una energía que fuera elocuente, carismática, ligera, sin que rayara en una caricaturización del personaje. Trabajar con Alonso Íñiguez (el director) para la construcción del personaje fue algo que me gustó del proceso y creo que ‘el Fichas’ llega a un buen puerto.</em></p>
<p><strong>Es difícil entrarle a una película tan cuestionada, que trae mucha carga detrás. Por un lado puede pensarse que te vas a quemar, pero por el otro es que así se aprende.</strong></p>
<p><em>En realidad no me siento quemado al decidir entrar en</em> Sexo, pudor y lágrimas 2. <em>Todo lo contrario. Si yo sintiera que estoy eligiendo mal un proyecto, no lo elegiría. Al menos esa no es mi perspectiva. Evidentemente mi trabajo como actor siempre está sujeto a juicios y a opiniones de terceros.</em></p>
<p><em>En una experiencia profesional y personal, no me siento quemado de formar parte de esta segunda entrega. Me siento muy contento de poder trabajar de la mano de personas que quiero y que admiro, como lo es Alonso Íñiguez, como lo es el elenco con la mayoría de jóvenes que nos integramos. Cabe recalcar que no es mi primera participación en el cine mexicano, así que no acepto </em>Sexo, pudor y lágrimas 2<em> como una oportunidad de visibilizarme.</em></p>
<p><strong>¿Cuál fue tu impresión final de la película? ¿Qué le modificas o qué no le modificas?</strong></p>
<p><em>Verla por primera vez (después de concluida) fue una experiencia bastante grata, me encantó. Con ese sabor de boca me quedo.</em></p>
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“Satanizar un contenido no genera diálogo”: Joshua Okamoto, actor de Sexo, pudor y lágrimas 2

“Satanizar un contenido no genera diálogo”: Joshua Okamoto, actor de Sexo, pudor y lágrimas 2 - Spoiler

¿Te gustó Sexo, pudor y lágrimas 2? Entrevistamos a uno de sus actores

<p><strong>Cintia. </strong>Así se llama la joven que fue asesinada por Omar en Tijuana. La víctima y el homicida tienen nombre.<strong> De darles esa identidad se encargó Javier Ávila, director de<em> Niña sola,</em> al prestarle atención a este caso que estaba en el olvido.</strong> Pudo ser un feminicidio más que las autoridades catalogan como cifra de delito, sin embargo, la impunidad no iba a quedar archivada gracias a esta película.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/02/10/noticia_0021.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p><strong>Saber que un feminicida anda libre y que las autoridades actuaron en beneficio de la injusticia es para gritarle a la pantalla, sin duda. </strong>En contraste, con más calma, si es que se puede tenerla, la reflexión se canaliza a tomar plena conciencia de las acciones machistas que van registrándose en torno a un ambiente donde una mujer puede perder la vida como consecuencia de ello.</p>
<p>Para ahondar más en el asesinato de Cintia, una chica que tenía miedo de salir a la calle por temor a que le hicieran algo y cuya historia familiar estaba ligada a la violencia ejercida contra las mujeres de su núcleo, <strong>Javier Ávila nos guía a tratar de comprender qué hay detrás o alrededor de un feminicidio que parecía invisible para la sociedad.</strong></p>
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<p><strong>¿Por qué te atrajo este caso? ¿Cómo llegaste a él?</strong></p>
<p><em>El proyecto inició en septiembre de 2016. Se registraron cinco casos de feminicidio en Tijuana. En el tiempo que llevaba de vivir ahí, no había pasado algo así. Entonces fue una noticia que alarmó a la ciudad entera. Pero no había mucha información al respecto. Encontré una nota que había escrito Saúl Ramírez para el semanario Zeta donde él hace un recuento de cuatro de los cinco casos y al leerlo me interesó mucho empezar a desarrollar un proyecto audiovisual acerca del tema de violencia de género y feminicidio con la intención de conocer a las familias de las víctimas y visibilizar el problema.</em></p>
<p><em>Arcelia, la madre de Cintia, estaba muy molesta porque nadie hizo ninguna nota ni reportaje del caso (el asesinato de su hija). No salió en la televisión, ni en la radio. Cuando yo le comento a Saúl mi intención de acercarme con los familiares de las víctimas, él me recomienda contactar a Arcelia porque ella estaba muy interesada en dar a conocer el caso de su hija, sobre todo porque hay una claridad en la identidad del asesino, que está prófugo.</em></p>
<p><em>A partir del primer encuentro con Arcelia, nos contó toda la historia de Cintia. Pero también nos contó su propia historia. Ahí surge esta idea de colaboración para tratar de conseguir justicia, visibilizar y crear una herramienta de conciencia que sirva para generaciones más jóvenes con el fin de cuestionar los roles que juegan en la sociedad, para cuestionar por qué el machismo sigue vigente, por qué las conductas violentas permanecen y cómo se pueden erradicar.</em></p>
<p><strong>En <em>Niña sola</em> hay un contexto en el que nos vas adentrando para conocer la atmósfera y el ambiente que rodea el caso y a esta Tijuana que no conocemos. A través de las frases que va expresando la voz en off nos desglosa muchos problemas ligados al machismo, la misoginia y con tendencia criminal.</strong></p>
<p><em>Sí. Había varios aspectos que tenía muy claros desde el principio. De entrada, quería hacer las entrevistas solamente con micrófonos y grabadora. No quería hacerlas con cámara porque me interesaba enfocarme en la dimensión sonora, en captar el testimonio para que a partir de ello las imágenes funcionaran como fotografías destinadas a convertirse en metáforas. Quería que el público termine de poner las piezas.</em></p>
<p><em>Los temas están muy delimitados en cuanto a las imágenes. Me refiero a los temas relacionados sobre cómo conocen a sus parejas, los momentos violentos con las parejas, las reflexiones, los miedos. Todo eso está ligado a partir de la vértebra que es el sonido, combinado con un mosaico de imágenes que pretenden sensibilizar y complementar la emoción que brinda la voz.</em></p>
<p><em>Como era un documental que aborda un crimen quisimos alejarnos del sensacionalismo, del amarillismo de los medios, del morbo que hay cuando una producción audiovisual habla de un asesinato, de un prófugo. La intención era que la película mostrara un lado crudo y fuerte pero con sensibilidad y respeto hacia los espacios íntimos de los personajes.</em></p>
<p><strong>En ese mosaico de imágenes hubo tres que me llamaron la atención. Una es la celebración religiosa de corte evangélico. Otra es una pareja que se encuentra afuera de un espacio que dice ser territorio católico. Luego vemos un mural relacionado a las campañas antiaborto. ¿Fue con intención capturarlas o simplemente aparecieron sobre la marcha esas postales?</strong></p>
<p><em>Cuando fuimos por primera vez a hacer un recorrido por la colonia Villa del Campo, íbamos señalando los espacios que nos interesaba retratar precisamente porque esos lugares le dan identidad a la colonia. La gente de Villa del Campo es fanática o fiel creyente en las religiones católica y cristiana. También hay muchos testigos de Jehová. Es parte de su identidad.</em></p>
<p><em>Me interesaba también el campo de futbol repleto de niños que nos hacían pensar si entre ellos estaba el próximo Omar (feminicida) y cómo esos niños podían alejarse de la misoginia y el machismo a sabiendas de que conviven en un lugar que se sabe es hostil por los altos índices de violencia que registra.</em></p>
<p><em>Rara vez vimos una patrulla. No se sentía que hubiera algún tipo de control o seguridad. Ocurrían crímenes mientras estábamos ahí. Se nos acercaron vecinos de Arcelia para ver si queríamos tomar video o entrevistarlos porque les acababan de matar a un familiar. Había muchos carros que no coincidían con automóviles que podían coincidir con el perfil de una vivienda de bajos recursos.</em></p>
<p><em>Es un lugar muy especial. Necesitábamos que quedara claro cómo es ese lugar, que se sintiera la atmósfera de ese espacio.</em></p>
<p><strong>¿Qué sensación te deja saber que el culpable, el feminicida de Cintia, sigue prófugo?</strong></p>
<p><em>Rabia, enojo, impotencia, desesperación, tristeza. Hay una falta de voluntad tremenda en la autoridad. Parece que la misma autoridad no quisiera resolver los crímenes. Parece que no quiere impartir justicia.</em></p>
<p><em>Arcelia tuvo muchas malas experiencias con ellos. La hicieron perder mucho tiempo. La traían de arriba a abajo, no la respetaban, la revictimizaban. Cuestionaban a los testigos, no les creían, los asustaban, les advertían que no fueran a testificar porque podían meterse en problemas. Eso, para mí, habla de nexos… O simplemente de corrupción y falta de voluntad.</em></p>
<p><strong>En el aspecto sociocultural juega un papel importante el matriarcado en el sentido de la madre como enemiga de la mujer que está junto a su hijo. En este caso es cómplice.</strong></p>
<p><em>Ese es un tema de los más sensibles, de los más delicados, porque estamos cuestionando a una madre. Creo que sería muy fácil enjuiciar a la madre de Omar, pero estamos hablando de la madre de un criminal. Y no solamente de uno. Toda su familia tiene antecedentes.</em></p>
<p><em>La pregunta que nos deberíamos hacer en torno al papel de la madre, que también tiene actitudes machistas y que no se pone del lado de otras mujeres, consiste en saber qué habrá atravesado ella, ¿por qué es así?</em></p>
<p><em>Tendríamos que ir por el camino del entendimiento. Por eso la película es una reconstrucción de vidas, para escuchar y tratar de entender. ¿Cómo podemos entender la mentalidad de un asesino, de alguien que ya se había metido en problemas? ¿Quién lo prepara para eso? Creo que no todos tenemos las mismas herramientas para crear nuestras ideologías.</em></p>
<p><strong>¿Qué te cambió a ti en lo personal <em>Niña sola</em>?</strong></p>
<p><em>Principalmente a no quedarme pasmado ante las situaciones tan violentas que viven las mujeres. No podemos paralizarnos. Tenemos que mirar a este mal a los ojos y encontrar las palabras para nombrarlo. Creo que los niveles de violencia en la actualidad de México nos dejan sin palabras. Ya no hay palabras.</em></p>
<p><em>Era imposible no sentirte mal estando en los días de rodaje. Fue hasta los últimos días cuando sonreímos, hasta ese momento pudimos quitarnos ese peso que no nos permitía sonreír. Era una carga enorme de tristeza y más cuando estás tan cerca de las personas que viven el duelo directo.</em></p>
<p><em>La mayor enseñanza fue no paralizarme y poder nombrar las cosas, poder enfrentarme a las cosas para tratar de cambiarlas.</em></p>
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“La violencia hacia la mujer es un mal que hay que mirar a los ojos”: Javier Ávila, director de Niña sola

“La violencia hacia la mujer es un mal que hay que mirar a los ojos”: Javier Ávila, director de Niña sola - Spoiler

<p>Después de haber protagonizado y dirigido<strong> <em>Asesinato en el expreso de oriente</em> (2017), Kenneth Branagh </strong>regresa con otro clásico de <strong>Agatha Christie </strong>para dar vida al célebre detective <strong>Hércules Poirot </strong>y descubrir al asesino que viaja a bordo del <strong>barco Karnak </strong>en su travesía por <strong>el río Nilo.</strong></p>
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<p><strong>Conocido por ser un tipo respetuoso de las obras literarias que interpreta, adapta o dirige, Branagh traslada esa misma convicción en la pantalla con estricto apego a las formalidades.</strong> Como director de orquesta en este trabajo cuida con pulcritud cada detalle para no traicionar la novela original de <em>Muerte en el Nilo</em>.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/02/03/noticia_0025.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>La seriedad con que concibe a la literatura y al cine es ejemplificada con el esquema narrativo de su dirección: sin aspavientos, clásico y conservador. <strong>Evita las acciones absurdas que emplean muchas películas de Hollywood en la actualidad para forzar un chiste o mostrar al talento de moda sin una función dramática.</strong> De igual manera lo demuestra con la música (que es un deleite), los escenarios, el vestuario y el diseño de producción.</p>
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<p>Pero con esa sobriedad artística, que por cierto es buena, puede chocar con la generación actual de cinéfilos. ¿En qué sentido? <strong>Muchos no están acostumbrados a películas de época, menos aún a producciones que poseen el espíritu de filmes cuya esencia apuesta por un guión sin fuegos artificiales, es decir, con coreografías teatrales dentro de una trama de intriga y limitación de efectos especiales.</strong></p>
<p>Sin embargo, ello no es impedimento para que <strong>Muerte en el Nilo</strong> encuentre un perfil comercial que tiene cabida en otro sector de espectadores. <strong>Por ejemplo, en aquellos que gustan del misterio con historias del estilo <em>Adivina quién,</em> o son lectores de los libros de Agatha Christie, o tienen fascinación por los relatos del detective Hércules Poirot.</strong></p>
<p>Un punto flanco con Branagh es su reparto tan dispar.<strong> Por un lado cuenta con Gal Gadot, una actriz a la que han explotado para que sonría lo más que pueda a cámara en cualquier proyecto que participa últimamente y le cuesta alejarse de ese tono interpretativo que han moldeado en ella, mayor todavía teniendo como director a un hombre que es devoto de la expresión y movimiento teatral.</strong> Por el otro tiene a un actor como Armie Hammer, quien ha sido “cancelado” por las acusaciones de canibalismo en su contra. Mención aparte con Annette Bening, una primera actriz muy desperdiciada en este filme.</p>
<p> Así, para los simpatizantes del cine comercial de corte clásico y fans de contenidos cuya premisa obligue a deducir quién mató a quién, <em>Muerte en el Nilo</em> resulta una amena experiencia para disfrutar las palomitas. <strong>Ah, ojo a la secuencia inicial que narra el origen del famoso bigote de Poirot. A partir de ahí, Branagh irá soltando destellos de su sello personal como autor: los conflictos shakesperianos.</strong></p>


Muerte en el Nilo, un misterio más de Agatha Christie en la sobriedad de Kenneth Branagh

Muerte en el Nilo, un misterio más de Agatha Christie en la sobriedad de Kenneth Branagh - Spoiler

Te contamos qué nos pareció Muerte en el Nilo

<p>Pablo (Juan Cano) es un treintañero al que acaba de dejar su compañero de departamento con deudas, un perro y un fantasma. Para colmos, no puede superar a su ex y debe lidiar con sus propios temores como individuo. <strong>Este cúmulo de situaciones apuntan a un melodrama, o en un panorama más extremo a una tragedia. No ocurre así.</strong></p>
<p><strong>El director Roberto Doveris apuesta por una comedia de humor indie alejándose del chiste por el chiste. </strong>Deja que la cotidianidad de esa crisis haga surgir instantes humorísticos que a su vez funcionan para mostrar temas como la sexualidad, los afectos, la violencia hacia la mujer y el trato con las mascotas.</p>
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<p>Para ello, Doveris se complementa con la presencia de un ente que participa en la vida de Pablo ayudándole con algunos aspectos. <strong>Lo hace no resolviéndole sus broncas sino mostrándoselas o manifestándoselas para hacer visibles los lazos que puede llegar a tener con su entorno y emociones, principalmente con las personas.</strong></p>
<p>La película chilena <em>Proyecto fantasma</em> compitió por el Tiger Award en<a href="https://spoiler.bolavip.com/reviews/El-hombre-armado-esta-reemplazando-el-paisaje-de-lo-que-antes-era-cotidiano-Paz-Encina-directora-de-EAMI-20220201-0015.html" target="_blank" rel="noopener"> el Festival Internacional de Cine de Rotterdam (IFFR) </a>y charlamos con su director sobre este trabajo.</p>
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<p><strong>¿Cómo fue el proceso para hacer tu película en plena pandemia?</strong></p>
<p><em>Cuando nos permitieron empezar a circular eran los meses de octubre, noviembre y diciembre de 2020. Entonces nos dimos cuenta que las condiciones eran propicias para hacer un proyecto como este. Teníamos un equipo chico, de pocos desplazamientos dentro de Santiago. Debimos cambiar de crew cada día porque había que respetar el límite de personas en un espacio, que era de 15. Entonces un día trabajaba con cinco personas, otro con 10 y así íbamos sincronizándonos. Eso sí, siempre cuidándonos con las medidas de higiene obligatorias para evitar contagios.</em></p>
<p><strong>¿Desde un principio se estableció en el guión que la película debía transcurrir en un departamento?</strong></p>
<p><em>Sí, desde el principio. Cuando me puse a escribir lo hice pensando en un departamento, en una sola locación. La idea del departamento fue tomando importancia porque parte de los conflictos que empecé a meter en el guión fueron experiencias que yo viví con compañeros de casa, es decir, actividades cotidianas que me rodeaban como jugar cartas con los amigos, el cuidado por las plantas.</em></p>
<p><strong>En tu película hay un fantasma. Pero ese fantasma es buena onda y ayuda a tu protagonista con ciertos conflictos, además de mostrarnos al espectador la homosexualidad, la sexualidad, el placer, la amistad, la violencia hacia la mujer. ¿Cómo surge la idea de este fantasma que se aleja del terror y tampoco es Gasparín?</strong></p>
<p><em>Quería hacer una película sensorial con un fantasma. Vi muchas referencias del género, desde títulos con hombres invisibles hasta </em>The Entity,<em> una película donde un alien o demonio viola a una mujer en reiteradas veces, ¡una cosa horrible! Vi la clásica de</em> El hombre invisible,<em> donde me inspiré para hacer la silueta de mi fantasma. También vi </em>Ghost,<em> por cierto.</em></p>
<p><em>Con mi fantasma no quería causar miedo en el espectador sino contar las relaciones invisibles que existen entre las personas, por eso no pertenece al género de terror. Siento que mi fantasma genera un cambio en la gente. Por eso es juguetón, travieso. Cataliza cosas de los personas que al final son positivas.</em></p>
<p><strong>Hay una escena donde el fantasma le abre el balcón al perro para que entre al departamento porque lo dejaron castigado en la terraza. Vaya, el fantasma ha entendido todo aquello que los vivos no entendemos.</strong></p>
<p><em>El perro actúa increíble, es lo máximo. Se trata de un animal que se lo dejan a mi personaje principal en la historia y es al que le echa la culpa de los desastres que ocurren en el departamento cuando el culpable es el fantasma. Por eso cuando el fantasma le abre la puerta es como compensarle un poco de los regaños que se lleva. Hay una complicidad entre ellos. Quise que el fantasma jugara con todos los elementos del espacio y el perro encaja de maravilla porque además es el único que nota su existencia.</em></p>
<p><strong>En México tenemos ejemplos de buenas películas con tramas en un departamento, sin embargo, son melodramas. Tú apuestas por una comedia basada en un humor indie, sin chistes forzados ni sketches. Puede decirse que el humor es incluso involuntario.</strong></p>
<p><em>Más que los diálogos, pensamos mucho en cómo debían ser los personajes. Independientemente de lo que dijeran, nos importaba saber desde qué perspectiva de mundo decían las cosas. Fuimos encontrando cierto humor. Queríamos que la gente se riera, pero también teníamos intención de que se proyectara con el personaje principal.</em></p>
<p><em>Lo que le pasa al personaje es un conflicto que nos pasa a todos. Tiene que ver con que llega a los 30 años y debe ser adulto. Eso implica pagar cuentas, dejar los sueños de lado, trabajar en lo que nos permite pagar la vivienda, superar a un ex. Nos podemos reír de esa adultez treintañera que es en realidad una crisis.</em></p>
<p><strong>La actuación de Juan Cano es destacable. Da vida a un personaje, Pablo, contenido a pesar de que las situaciones que vive son para explotar.</strong></p>
<p><em>Juan y yo somos amigos. Vivimos tres años juntos en otro barrio. Nos conocemos mucho. Algunas cosas del personaje son más mías que de él. Por ejemplo, el hecho de que sea gay y tenga un ex que es influencer famoso, soy yo. Pero también tiene mucho de él, sobre todo esa parte de contención, la dulzura y el querer ayudar. Lo de ser un poco emo también es característica de él. Su forma de ser encajó bien con la contención.</em></p>
<p><strong>Hay una escena muy frontal del personaje de Juan Cano mostrándonos un instante de autoplacer, ¿o placer fantasmal? He de preguntarte por qué decidiste poner la cámara fija para ese momento.</strong></p>
<p><em>Porque me parece que era una buena forma de catalizar una energía negativa que era la de su angustia. Creo que es una especie de exorcismo a través del cuerpo y del placer. Desde ahí en adelante no vuelve a estar estresado por el fantasma. También se exorciza de lo que siente por su ex.</em></p>
<p><em>Bueno, esa es mi interpretación de lo que ocurre en esa escena. Tiene que ver con mis intereses como director. Como realizador me importa mucho el aspecto sexual. Me parece una buena forma de invertir el género del terror a una historia fantasmal que tuviera placer, que fuera a lo carnal. Quería que el personaje viviera esa experiencia. Es un punto de inflexión que funciona como estructura de narrativa porque hasta ahí llega el sufrimiento que le pesa en su crisis treintañera.</em></p>
<p><strong>Más que una acción placentera ejercida por el fantasma, mi interpretación es la de una masturbación necesaria para su personaje.</strong></p>
<p><em>La teoría de que el fantasma no existe también es válida. El tipo tiene consigo mismo un instante de placer para dejar de sufrir y frenar el miedo que siente. Puede ser un tema de sugestión incluso tras haber escuchado sobre el sexo fantasmal en una charla anterior, así que lo pudo considerar una posibilidad.</em></p>
<p><strong>Puede parecer osado para algunos espectadores, sin embargo, esos actos de intimidad los hemos tenido muchas personas. Se nos muestra lo que haríamos cualquier día, pues.</strong></p>
<p><em>Me agrada que se perciba así. Esa era mi intención. Quería darle tiempo y belleza a esa escena. Recurrí a plano fijo, me acerqué más al cuerpo para mostrar la textura con planos cerrados y participar en esa acción de sensualidad. Aunque esta escena fue muy difícil porque Juan Cano es muy pudoroso.</em></p>
<p><em>Siento que cometimos un error en un detalle. Los directores de fotografía deciden un punto de luz que después se trabaja en postproducción. En ese momento decidimos hacerlo con un tono de luces media para después bajarla en postproducción. Técnicamente fue una decisión correcta. Pero no sé si en el set le dio la atmósfera de oscuridad a Juan Cano con relación a su personaje porque había más luz de la que se ve. Vaya, el actor puede sentir que no hay intimidad.</em></p>
<p><strong>A lo mejor eso incrementó más el pudor que tenía.</strong></p>
<p><em>Yo creo que sí. De todos modos lo superó. Pero al principio no estuvo tan cómodo por esa abundancia de luz. Pudo haber sido más fácil el rodaje de esta escena si desde un principiohubiéramos bajado el tono de las luces y así Juan Cano se sintiera menos incómodo.</em></p>
<p><strong>Apelando a una máxima de Marcelo Bielsa (director técnico de futbol), tu película refleja la importancia de la nobleza en los recursos utilizados. La hiciste con lo que tenías al alcance.</strong></p>
<p><em>Como productor me ha tocado hacer películas con material de rodaje de cinco días que al final no se usa. Es un exceso de gasto, de tiempo, de energía. Y como director creo que hay que sacarle mayor provecho al aspecto del equipo técnico y creativo de las cosas. Proyecto fantasma, creo, es una película inspiradora para los estudiantes de cine en el sentido de que pueden hacer una película con sus amigos, en su casa. Las películas tratan sobre lo que ocurre, así que no necesitan un helicóptero cruzando la cordillera en una balacera.</em></p>
<p><em>En vez de preguntarse qué necesitamos, se recurre a una forma de trabajar con base en los materiales nobles que hay a la mano y luego escribir para que esas cosas tengan sentido, transformarlas en elementos que cumplan una función.</em></p>
<p><strong>Para que eso suceda es indispensable tener un guión, un buen guión.</strong></p>
<p><em>Sí, totalmente. También hay que estar abierto a reescribir ese guión en función de los elementos. Hay que ir escribiendo las cosas. Volviendo a tu referencia de Bielsa, hay que entender cuáles son tus materiales para trabajar y sacarles el máximo provecho. Es fundamental no querer tratarlos como algo más que no son porque eso resulta contraproducente.</em></p>
<p><strong>¿Qué viene después de haber competido en el Festival Internacional de Cine de Rotterdam?</strong></p>
<p><em>Tengo certeza de que estará en muchos festivales porque hemos recibido varias invitaciones. La selección en Rotterdam encendió las alertas de programadores en el mundo que pudieron verla. Me parece que este año será un recorrido por distintos festivales. Claro, me haría feliz que la película llegue a una plataforma de streaming global.</em></p>
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“Mi fantasma cuenta las relaciones invisibles que existen entre las personas”: Roberto Doveris

“Mi fantasma cuenta las relaciones invisibles que existen entre las personas”: Roberto Doveris - Spoiler

Un fantasma, placer y humor indie con Roberto Doveris

<p>Entre junio de 2020 y noviembre de 2021 se registraron afectaciones contra estatuas de Cristóbal Colón en distintos países de Latinoamérica e incluso en Estados Unidos como protesta hacia el racismo, la colonización y la figura histórica de un hombre cuestionado por la violencia ejercida con los pueblos indígenas.<strong> Había indignación hacia el descubridor de América, o mejor dicho hacia la historia oficial del Descubrimiento de América, considerado por sus detractores como un suceso fachada de la Conquista.</strong></p>
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<p>Al mismo tiempo, pero en España, aumentaron los posicionamientos públicos de la extrema derecha para defender la intervención española en el continente americano. <strong>Por ejemplo, Vox, el partido de la ultraderecha, pidió a legisladores mexicanos que se le rindiera un homenaje a Hernán Cortés por haber liberado a México de su nativa población salvaje.</strong></p>
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<p>Bajo este contexto polarizado apareció <em>Eles Transportan a Morte, </em>película de Helena Girón y Samuel M. Delgado que obtuvo buenas críticas en festivales europeos durante 2021. <strong>Tanto por su estilo como por su tema, el trabajo de ambos directores llamó también la atención del público, sobre todo de aquel que no comulga con el colonialismo. </strong>Ahora que llegó al IFFR se comprende el interés.</p>
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<p><em>Eles Transportan a Morte</em> nos ubica en 1492. Es el viaje de Cristóbal Colón a las Islas Canarias antes de su expedición al Nuevo Mundo. <strong>Tres tripulantes de una de las carabelas se lanzan al mar envueltos en una de las velas de la embarcación. Se trata de tres presos que fueron reclutados para trabajar en esa misión a cambio de perdonarles la pena de muerte pero han decidido fugarse</strong>. En su escapatoria tendrán que ingeniárselas para sobrevivir y huir de las tropas de Colón que los buscan para recuperar el enorme pedazo de tela. <strong>A la par, en ese territorio, acompañada de su burro, una mujer acude con una curandera para pedirle que salve a su hermana moribunda.</strong></p>
<p>Sacándole provecho a los exteriores de sus locaciones naturales, mediante un ritmo narrativo aparentemente lento (el timing es minucioso con base en la experiencia de tres hombres introduciéndose en un lugar desolado y una mujer que ignora la presencia de esos mismos hombres en la zona), Girón y Delgado nos generan la sensación de miedo que puede propiciar la naturaleza en su inmensidad.</p>
<p>En esa atmósfera imponente por sí misma, instalándonos en el temor de y por lo desconocido, ambos directores aterrizan un discurso que cuestiona la versión de gloria que se nos ha contado hasta la fecha sobre el Descubrimiento de América. <strong>Lo hacen con una postura que plantea un escenario distinto al que se nos ha enseñado. ¿Cuál? La exportación de males europeos con la colonización. ¿Cuántos presos más iban a bordo de esas carabelas? ¿Por qué delitos purgaban condenas? ¿Cuánta muerte llevan encima? </strong>Los hombres que cruzaron los mares no fueron precisamente bendiciones, tal como se ha querido vender esa idea.</p>
<p><strong>En ese sentido la película funciona como un aviso de lo que actualmente promueve la ultraderecha con una clara intención de expandirse hacia otros rincones del planeta, especialmente en esos territorios fértiles y salvajes (analogía respecto al sitio donde se desarrolla la trama) donde su pensamiento no ha sido impuesto.</strong> Y eso causa temor, más aún porque los errores del pasado suelen repetirse en el presente.</p>
<p>La mujer que acude con la curandera para salvar a su hermana bien puede interpretarse como a esas comunidades que viven y se desarrollan en sus condiciones sin noción alguna de que <strong>el día menos pensado pueden compartir espacio con seres desagradables que llegan a irrumpir sus entornos, o a conquistarlos.</strong></p>
<p><strong>Sin duda, una película valiente en instantes convulsos donde unos reniegan de la historia oficial y otros se aferran en engrandecerla. </strong>Es, además, una elegante (o)posición frente al colonialismo.</p>
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Eles Transportan a Morte, una elegante postura contra la historia oficial del colonialismo

Eles Transportan a Morte, una elegante postura contra la historia oficial del colonialismo - Spoiler

IFFR: Eles Transportan a Morte, una postura contra el colonialismo

<p>En México hemos crecido bajo una peligrosa educación sociocultural que condena a la mujer que no se casa, no tiene hijos, no depende de un hombre y prioriza su individualidad.<strong> Tal estigma ha crecido en la actualidad con la independencia y liderazgo que ejercen muchas mujeres con sus propias vidas.</strong></p>
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<p>¿Por qué elige una mujer no amar a alguien más? ¿Qué historia hay detrás de aquellas mujeres que toman la decisión de llevar una autonomía ajena a los estándares sociales?<strong> La documentalista rusa Tamara Dondurey debuta en su primer largometraje de ficción adentrándose en el universo de la mujer actual para orientarnos con una historia al respecto.</strong></p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/02/05/noticia_0010.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>Kira (Ekaterina Ermishina) es una arquitecta de 30 años enfocada en su crecimiento profesional con la obsesión de modernizar Moscú con sus proyectos. Preocupada por su futuro, se caracteriza por ser una persona de decisiones contundentes: o es blanco, o es negro, pero no gris. <strong>En su privacidad mantiene una relación de noviazgo con un chico que adora a los perros, animales que a ella le incomodan dentro de su espacio. Sin embargo, no siente nada por él, ni por nadie, porque es incapaz de amar.</strong> O eso cree.</p>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/p/CYcbHdgrP9E/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Tamara Dondurey (@tatadondurey)</a></p>
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<p>Su vida se cimbra cuando se entera que está embarazada. <strong>Esa noticia lleva a que su pareja le proponga vivir juntos, lo que se convierte en una propuesta alarmante para ella.<em> “La estabilidad es un privilegio”,</em> le dice para rechazarlo y hacerle notar que no hay porvenir a su lado. También le avisa que va a abortar. </strong>Entonces ocurre una fatalidad que significa una gran pérdida para Kira.</p>
<p>Dicha pérdida es una experiencia catártica que la lleva a descubrir que sí es capaz de amar pero no sabe cómo hacerlo. <strong>Aquí Dondurey se aleja del cliché romántico para abordar el proceso de Kira en una confrontación con su mundo, especialmente con la raíz de sus conflictos, su madre.</strong></p>
<p>La directora manda un mensaje necesario: si requieres respuestas para sentirte mejor, búscalas. Y no importa si eso implica cuestionar a la familia, principal tesoro-desdicha con que nacemos.<strong> Con o sin intención, la cineasta abona algo que el ser humano menosprecia en su formación al grado de que no se inculca: la libertad sentimental (somos dueños de nuestros sentimientos). </strong>¿Hasta qué punto los padres tienen derecho a intervenir para moldear o nulificar la sensibilidad de sus hijos? Es una interrogante que se desprende con la crisis de Kira.</p>
<p>En su lucha interna por empezar de cero, posiblemente muy asustada por tener que reconstruirse con un corazón que tiene mucho por y para sentir, Kira actúa por inercia ante una situación que era impensable antes de sufrir la pérdida que alteró sus planes. ¿Qué hace? <strong>Le comparte de sus alimentos a un perro que habrá de hacerle compañía. Ese gesto tan habitual y cotidiano para mucha gente es novedoso para ella. Nos indica que ha tomado la fuerte decisión de reconstruirse en la libertad de elegir una familia, de construir una.</strong></p>
<p><strong>La actuación de Ekaterina Ermishina es de suma relevancia. Maneja un tono de contención, instrospectivo, de bastante represión.</strong> El personaje de Kira así lo demanda, por lo que absorbe su realidad para despertar en el espectador esa premura de invitarle a explotar, a estallar.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/02/06/noticia_0001.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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Stand By Me, la pérdida como elemento de reconstrucción

Stand By Me, la pérdida como elemento de reconstrucción - Spoiler

IFFR: Stand By Me, perder el amor para amar

<p>La película ganadora del Tiger Award en <a href="https://spoiler.bolavip.com/reviews/Malintzin-17-la-belleza-de-la-vida-desde-una-ventana-20220128-0006.html" target="_blank" rel="noopener">el Festival Internacional de Cine de Rotterdam</a> fue <em>EAMI,</em> dirigida por Paz Encina. Entre los elementos que destacan dentro de este trabajo debe mencionarse al sonido. <strong>A nivel sensorial juega un papel fundamental en la narrativa del viaje que emprende su protagonista: un último recorrido por su hogar, la selva.</strong></p>
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<p>Un objetivo de la cineasta era rescatar con fidelidad los sonidos selváticos y genuinos que ofrece la naturaleza.<strong> Su intención no era adornar el toque de realismo mágico con que cuenta su historia sino añadir al efecto sonoro como un personaje más en esa travesía de amor, dolor y nostalgia. </strong>Para ello recurrió al talento hecho en México.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/02/01/noticia_0015.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p><em>“Tuve la suerte de trabajar con dos mexicanos: Javier Umpiérrez, que fue el diseñador de sonido, y la mezcla la hice con Carlos Cortés, que fue quien ganó el Oscar. Tuve tremendos diseñadores y mezcladores. Trabajamos muy conscientes de que la imagen tenía un tiempo y el sonido tenía que envolver. Fue para mí un lujo trabajar con ellos dos”,</em> <strong>comenta a Spoiler.</strong></p>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/p/CZeZVo5IXBC/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de IFFR (@iffr)</a></p>
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<p><strong>Si bien es cierto que Javier Umpiérrez es argentino de nacimiento, su código postal dice que es mexicano.</strong> Gran parte de su trayectoria la ha desarrollado en nuestro país destacándose en películas como<em> Ya no estoy aquí</em> y<em> Una película de policías.</em></p>
<p>Por su parte, Carlos Cortés levantó <a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Premios-Oscars-2021-quienes-son-los-mexicanos-que-ganaron-por-Sound-of-Metal-20210425-0027.html" target="_blank" rel="noopener">la estatuilla dorada que la Academia de Hollywood</a> entrega en la categoría de Mejor Sonido. <strong>Su labor en <em>Sound of Metal</em> fue de amplio reconocimiento a nivel mundial, lo que detonó que producciones internacionales voltearan hacia México para buscar talento en el apartado sonoro.</strong></p>
<p><strong>El trabajo de ambos junto a Paz Encina para el resultado final de <em>EAMI </em>fue más allá de lo técnico.</strong> Implicó también una sincronía emocional de mucha fuerza y sensibilidad debido a que la historia se concentra en un territorio que está por desaparecer.<strong> <em>“Todo el tiempo tuve el presentimiento de que prácticamente estaba grabando las últimas imágenes y sonidos ahí”,</em> comparte la directora.</strong></p>
<p><strong>Así, este conjunto de esfuerzos derivó en una película que ha cautivado en Rotterdam y otras latitudes.</strong><span></span></p>
<p><span></span></p>
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<div class="ck-twitter" id="twitter-83">
<blockquote class="twitter-tweet">
<p dir="ltr" lang="es">La directora de <a href="https://twitter.com/hashtag/EAMI?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#EAMI</a>, <a href="https://twitter.com/PazEncina1?ref_src=twsrc%5Etfw">@PazEncina1</a>, así habla de lo que fue trabajar con Carlos Cortés y Javier Umpiérrez para lograr el sonido entrañable de su película. <a href="https://twitter.com/hashtag/IFFR2022?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#IFFR2022</a> <a href="https://t.co/7XTYrK0tjT">pic.twitter.com/7XTYrK0tjT</a></p>
<p> — Spoiler (@Spoiler_Bolavip)    <a href="https://twitter.com/Spoiler_Bolavip/status/1490440431418675205?ref_src=twsrc%5Etfw">February 6, 2022</a>   </p></blockquote>
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Sonido mexicano destaca en el Festival de Rotterdam con la ganadora EAMI

Sonido mexicano destaca en el Festival de Rotterdam con la ganadora EAMI - Spoiler

IFFR: Sonidistas mexicanos destacan en Rotterdam

<p>El cine surcoreano no deja de sorprender con el atrevimiento y la manufactura de sus películas. Sus cineastas, guionistas y fotógrafos son grandes contadores de historias en la cinematografía mundial actual. <strong>Entre las tramas que han sabido explorar y exprimir con gratos resultados están aquellas enfocadas al suspenso. Drown, de Lim Sang-Su no es la excepción.</strong></p>
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<p>Un aspecto llamativo es que se trata del debut de Sang-Su. <strong>En su ópera prima nos presenta a Do-Woo, un hombre que despacha el motel que le heredaron sus padres al mismo tiempo que cuida de su madre, una adulta mayor con demencia. </strong>Este sujeto, prácticamente sin vida, también se encarga de darle mantenimiento y limpieza al lugar. Su oprimido universo lo mantiene como consumidor de tranquilizantes para dormir.</p>
<p><span></span></p>
<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/02/05/noticia_0010.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p><strong>Dicha premisa nos avisa que un tipo bajo esas circunstancias habrá de tocar la puerta de la locura tarde o temprano. </strong>Pero, ¿cómo? Ahí viene lo interesante con Drawn. Nos enteramos que el motel es del gusto de suicidas y la madre de Do-Woo desaparece tras un ataque de ira. <strong>A partir de ese momento se nos sumerge en un thriller de ritmo lento en aras de dar con el paradero de la señora.</strong></p>
<p><span></span></p>
<div style="text-align:center">
<div class="ck-instagram" id="instagram-65">
<blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/CZbW37PAb9b/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style="background:#FFF;border:0;border-radius:3px;margin: 1px;max-width:540px;min-width:326px;padding:0;width:99.375%;width:-webkit-calc(100% - 2px);width:calc(100% - 2px)">
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/p/CZbW37PAb9b/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de IFFR (@iffr)</a></p>
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<p>Instalados en ese misterio, aparecen otros personajes que alteran todavía más el repentino y abrupto cambio de vida en Do-Woo dándole un giro al género para guiarnos hacia el delirio a través del terror. <strong>En este tránsito, un acierto de Sang-Su radica en conceder al espectador la posibilidad de sacar sus propias conclusiones ante dudas obligadas por la intriga. ¿Do-Woo habrá matado a su madre y no tiene noción de ello debido a las sustancias que consume? ¿Todo lo habrá imaginado como consecuencia del aburrimiento de su cotidianidad? ¿Sus huéspedes quisieron desquiciarlo? ¿Acaso hay fantasmas en el motel?</strong></p>
<p>Durante el trayecto del thriller al terror se desatan episodios violentos que conducirán hacia la sangre. <strong>Aquí es cuando luce la cámara de Yun Geol con movimientos para causar esa sensación de que todo está de cabeza para Do-Woo y con aproximación a los personajes para resaltar detalles de miedo, agresividad y confusión.</strong></p>
<p><strong>Detrás de este entramado, Sang-Su lanza un mensaje de reflexión con relación a las personas que por discapacidad o enfermedad requieren cuidados extremos, demandantes.</strong> Por un lado, posicionarse en el calzado de quien cuida. Por el otro, calzarse en los zapatos de quien necesita atención. <strong>Esa compleja disyuntiva puede elevar la tensión del espectador que se identifique con uno de esos extremos.</strong></p>


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