Estoy todo lo iguana que se puede es una película que debe su título a un poema escrito por el escritor tabasqueño Carlos Pellicer. Asimismo debe su historia a la obra de teatro El eclipse, escrita por Carlos Olmos. La conjunción de ambos textos moldean este trabajo del director Julián Robles.

Con un elenco conformado por Luisa Huertas, Dolores Heredia, Mayra Batalla y Kristyan Ferrer, Estoy todo lo iguana que se puede tendrá una proyección especial en el Palacio de Bellas Artes este 4 de febrero a las 19:00 horas.Se trata de una función musicalizada en vivo por la Orquesta Filarmónica de la Secretaría de Marina, Tambuco Ensamble y Marimba Nandayapa.

Platicamos en Spoiler con la actriz Dolores Heredia y el director Julián Robles acerca de esta experiencia que funciona para promocionar la película, así como de lo que fue construir esta historia surgida de la poesía y el teatro.

Entrevista con Dolores Heredia y Julián Robles, actriz y director de Estoy todo lo iguana que se puede

Julián, vivimos una actualidad en la que el público busca experiencias previo y durante una película. En su tono, tu película lo hace desde el trailer con la declamación del poema hasta una función especial en Bellas Artes con música en vivo. ¿Podemos decir que es una experiencia sensorial?

Así es. Es una película que en su manufactura y promoción reúne muchas artes. La proyección especial en Bellas Artes conjunta a la literatura, el teatro, la música y el cine. Es una presentación que cobija una intención de la película por contar una historia de forma sensorial. Para eso prioricé mucho el trabajo actoral en aras de darle vida al poema de Carlos Pellicer que lleva el título de la película y la obra de teatro en la cual baso la historia, que es El eclipse, de Carlos Olmos. El reparto se encarga de materializar y transformar esos textos.

Fue un placer colaborar con Claudio Chea, cinefotógrafo recientemente fallecido. Su visión y sensibilidad no solamente consistió en darle vida al lugar donde ocurren las cosas, sino también en transmitir emociones y sensaciones de los personajes que habitan en ese espacio. Fue construir un universo visual y sensorial.

¿Cómo ejecutas la idea de llevar poesía al cine dándole a cada pieza artística su debido lugar sin que se pierda la premisa de que, ante todo, es una película de ficción?

La poesía es una belleza. Este poema de Pellicer no es plasmado como tal en pantalla. Le agregamos algunas cosas que tocan diversos temas para tener una película. Precisamente esa libertad que concede la ficción es lo que permite contar una trama que al final le dará al espectador la posibilidad de interpretar lo que quiere, o bien de darle una lectura según sus propias emociones. Lo poético también está en lo que siente quien ve la película.

Dolores, como actriz, ¿de qué manera se le entra al trabajo actoral en un guion que fusiona lo cinematográfico con lo poético y demanda introducirse a una experiencia sensorial?

Es un guion que me gustó muchísimo desde la primera lectura. Julián, como director, me encantó desde el primer momento porque tenía muchas ganas de hacer algo así en cine. Y me refiero a unas ganas distintas a las que he percibido en otras personas para hacer cine. ¿Por qué hacer una película? ¿Por qué hacer una película de esto? ¿Por qué hacer una película con esto? ¿Por qué hacer una película en ese lugar y en ese tono?

Fueron dándose una cantidad de cosas que iban aportándome algo en mi vida, a mis propias preguntas, a mis propias ganas, a mi deseo de configurar mi propio destino. A eso fueron sumándose actores, técnicos, creativos. Fue conformándose un universo. Cada pasito era una respuesta a algo que conscientemente no me había preguntado, pero se fue construyendo.

Hasta que llegamos allá (a Chiapas), en ese entorno, con ese clima… Recuerdo perfecto el ruido del ventilador, los sonidos de ese lugar. Todo eso fue sumando para la construcción de los personajes, mismos que a su vez teníamos ahí enfrente. El peinado de mi personaje fue una decisión de haber visto a alguien que lo tenía allí. Fue ir agarrando elementos que había en ese lugar. Y la poesía está en eso.

La película igualmente invita a conectar con la naturaleza, con esos entornos que tienen una estrecha espiritualidad con sus habitantes. ¿Cómo se adentra alguien ajeno en ese universo para hacerlo suyo, Dolores?

Todo se dio de manera muy natural. Eso no significa que haya sido fácil, o que tenía que ser así por alguna u otra razón. Creo que también influye el brote emocional o espiritual que trae cada uno. Había una extraordinaria asistente de dirección, un foquista, un fotógrafo, todos los técnicos. Todos traíamos un brote particular que al final sumó. Y el entorno mismo se unió.

Como lo que estábamos contando era una historia sobre la vida misma, pues la vida misma sumó para que todo fluyera. Es una suerte, o un privilegio, haber vivido en un lugar sin paredes, entre la naturaleza, junto a un grupo de personas sin miedo a contagiarse de las emociones del otro. Fue una comunión muy linda, muy profunda.

Julián, dentro del valor que le diste al trabajo actoral para contar tu historia, ¿cómo fue dirigir a un reparto con rostros de generaciones distintas y, por ende, escuelas diferentes?

En mi cabeza tuve muy claro a quienes podían tener el alma para entender la película. Posteriormente, ya enfocándome en el físico de mis personajes, lo que quería era ver cómo se adaptaba el reparto al entorno durante el tiempo que tenían para estar ahí. Si en mí hubiera estado la decisión, yo hubiera presupuestado un mes de estancia en la zona que grabamos para que se adaptaran por completo al espacio y observar cómo funcionaban. Pero este reparto se adaptó rápido.

Entendieron y sintieron inmediatamente a ese lugar, a su gente. Conectaron también entre sí. Eso fue maravilloso. Para mí como director, me pareció maravilloso. Hubo momentos en que alguno se iba para perderse por la zona y regresaba como si nada. Hubo ocasiones en que se iban a comer a una fonda cercana al set porque querían convivir con los habitantes y ser parte de su comunidad. Realmente estaban integrándose a ese universo para transmitirlo en la película. Y no solamente el reparto, sino todo el equipo de técnicos y creativos que participaron.

A lo largo de la historia se han registrado asaltos tan mal ejecutados que se convierten en episodios de humor involuntario. Lo increíble de esas experiencias criminales fallidas ha sido atractivo para el cine, arte que a su vez se alimenta de esa realidad para trasladar al plano ficcional lo aparentemente irreal y contarlo desde distintos géneros cinematográficos.

Basta recordar la extraordinaria Dog Day Afternoon (1975), de Sidney Lumet. Fue una película que mezcló comedia sutil con thriller para narrar el atraco a un banco sin dinero que fue planeado por un hombre que quería pagar la operación de cambio de sexo de su marido anónimo. Si bien el final de los asaltantes es trágico en el filme, el desarrollo del robo y la torpeza de la policía durante las negociaciones (porque hay una simpática toma de rehenes) fue moldeado por el hecho verídico de ese suceso.

En esa tónica de absorber una anécdota real para contarla mediante comedia y thriller es como encontramos a Corazonada (2022), de Juan Manuel Cravioto. El director retoma el fraude millonario que intentaron llevar a cabo funcionarios, edecán y encargados de grabar los sorteos de Pronósticos en 2012 con el cobro del premio de Melate. Pudo ser el robo perfecto de no ser por tonterías cometidas al cobrar el dinero, lo cual marcó la pauta para que las autoridades descubrieran el engaño.

Fue una de las noticias más surreales del México contemporáneo. Cravioto, como guionista y director, la rescató del olvido para elaborar una película entretenida que coloca al espectador en una posición que no siempre es fácil de conseguir, mucho menos en el presente actual del país. ¿Cuál? Empatizar con los delincuentes. Algo así como lo que pasó con Ocean’s Eleven (2001), de Steven Soderbergh. No nos hagamos de la vista gorda; un sueño o ilusión momentánea ha sido ganar la lotería o robar un banco como en las películas. Claro, mientras no sea como en Tarde de perros.

Probado como un realizador que conoce su oficio y que gusta de jugar con los géneros cinematográficos, Cravioto ha encontrado en la comedia un conducto para hacer el cine que le interesa y las historias que quiere contar. Pero evita los chistoretes y los gags de sketch televisivo. Por el contrario, su gracia la acomoda con armonía tenue en lo que para sus personajes es tragedia o miedo. De igual forma, su comedia es permisiva y acomedida con géneros como el thriller, lo que dota de suspenso al camino que emprenden sus personajes. En contraste, el público tiene la oportunidad de atestiguar con humor los periplos de los protagonistas.

Los personajes del reparto conformado por Osvaldo Benavides, Bruno Bichir, Michelle Renaud, José Sefami, Kristyan Ferrer y Adrián Vásquez tienen el rasgo de no ser virtuosos ni talentosos en nada, es decir, simples mortales como cualquier individuo. Eso igualmente influye de forma positiva para simpatizar con su causa, tal como ocurre con los cinco amigos que roban un casino en Cinco nacos asaltan Las Vegas (1987), de Alfredo B. Crevenna.

Corazonada es una comedia fusionada con thriller que, además de causar un buen rato de entretenimiento, nos recuerda que en el México real todo es posible y que lo inverosímil puede ser gracioso.

En enero de 2012 se transmitió en cadena nacional uno de los habituales sorteos televisivos de Pronósticos con una bolsa ganadora de 160 millones de pesos. Nada parecía fuera de lo común hasta que las autoridades detectaron anomalías en el cobro del premio y fallas en la transmisión, dándose cuenta de que funcionarios y edecán del sorteo hicieron un montaje televisivo para cobrar la millonaria suma.

Aquel episodio fue retomado por José Manuel Cravioto para llevarlo al cine. En Spoiler platicamos con él sobre el origen de la idea cinematográfica, la construcción de la historia y el valor de que una comedia mexicana participe en festivales como el IFFR.

Entrevista con José Manuel Cravioto, director de Corazonada

¿Por qué decidiste rescatar la anécdota de uno de los sucesos más inverosímiles y curiosos de la historia contemporánea en México?

Recuerdo muy bien haber leído la noticia en periódicos y haber visto las noticias del caso. Yo estaba filmando en ese momento El más buscado (2014), una película que cuenta la historia de un asaltabancos mexicano en la década de los ochenta como lo fue Alfredo Ríos Galeana.

Entonces fue como hallar una línea que unía al cine que estaba haciendo con el que quería hacer. El común denominador que me atrajo fue el tema del robo, el asalto. Pero con el caso del sorteo, lo que llamó mi atención es que no se hizo con pistolas, sino con cámaras de televisión.

Ese detalle de usar cámaras de televisión para cometer un fraude millonario en vivo, me pareció una gran historia. Me di cuenta que en México no necesitamos esperar las grandes historias para hacer una película. Para bien o para mal, nuestro país genera diariamente anécdotas de todo tipo que se pueden contar. Este robo era muy original en su concepto, nada le pedía a producciones de Hollywood que abordan estas tramas.

También me atrajo que la historia se prestaba para fusionar dos géneros que me gustan, que son la comedia y el thriller. Tenía esa dosis de energía que me animó a escribir el guion. Lo escribí en 2012, pero fui haciéndole cambios para afianzar o pulir algunas cosas. En 2020 a Paramount Plus le interesó y hoy tenemos una ficción sobre algo inaudito que sí sucedió.

Corazonada me remontó a Tarde de perros (1975), de Sidney Lumet, en dos aspectos. El primero es la combinación de géneros para lograr una película que cumple su cometido. El segundo es el hecho de que robos así solamente ocurren en la vida real. Un robo como el del Melate quizá no te sale si primero lo ficcionas para una película. Tenía que salir de la realidad.

En efecto, la realidad puede ser entretenida para la ficción. Tarde de perros es una de mis películas favoritas. Suelo regresar con frecuencia a ella y repasarla para alimentarme de su genialidad. Ahora que están tan de moda las listas para determinar a las 100 mejores películas de todos los tiempos, me parece injusto que no aparezca en esos listados. Se le hace poca justicia. Precisamente tiene la particularidad de hacerte increíble un robo que bien pudo quedar en anécdota.

Cometer un robo perfecto o sacarte la lotería es una cuestión de azar. ¿Cómo jugaste con esta parte al escribir la película?

El azar o la suerte está muy acentuado en la cosmogonía del mexicano, ya sea por cuestiones religiosas, de usos y costumbres, o simple superstición. Hay un apego especial hacia la suerte sobre lo que uno sueña tener, ambiciona tener y desea tener. Es una relación muy cercana del mexicano con la suerte en el sentido de cómo construye ese ideal de ganar o conseguir algo. En el caso de nosotros los mexicanos también hay una dosis de malicia en aras de que la fortuna nos sonría. Y fue eso, la malicia, lo que me resultaba simpático.

Volviendo a Tarde de perros, ya que mencionas la malicia, nos reflejamos en los ladrones protagonistas y por eso empatizamos con quien comete el robo. Alguna vez hemos pensado en cómo robar un banco, por ejemplo. ¿Qué tan difícil es conseguir que se genere empatía con alguien que está haciendo algo indebido? Eso ocurre con Corazonada.

A veces los directores o escritores nos detenemos mucho para construir a nuestros personajes. Para esta película quise evitar ese desgaste desde algo tan simple como mostrar personas que no son virtuosas en nada. No son valientes, no son tan inteligentes para armar un plan, no son galanes, no son atléticos. Vaya, no son Brad Pitt y George Clooney como para robar un casino en Ocean’s Eleven (2001). Son todo lo contrario.

Quería que fueran como cualquier otra persona. Pero ellos encuentran un punto muy valioso en quien toma la decisión de atreverse, de jugársela. Confían en esa decisión y la seguridad de quien los ha animado a llevar a cabo un robo. Cada uno tiene necesidades distintas para sumarse a esa idea. Tampoco caen mal. Creo que eso contribuye a que sean por lo menos simpáticos.

José Manuel, la película participa en el Festival Internacional de Rotterdam (IFFR) en la sección Harbour. ¿Qué significa que una comedia mexicana trascienda a un festival de esta magnitud y sea vista como un contenido cinematográfico digno de exhibirse a nivel internacional?

Para mí es un premio ir a Róterdam. Es increíble, grande. Me tomó por sorpresa, pero al mismo tiempo no, porque Corazonada tuvo un proceso muy sincero. Es una película que como director quería contar. La escribo, dirijo y produzco, por lo que tiene la receta perfecta de esa ecuación.

Veo importantísimo también que con esta película pueda voltear a nuevas generaciones de cineastas y decirles que no tienen que hacer un cierto tipo de cine para ir a un festival como el de Róterdam. Es importante encontrar nuevas historias, historias que están en el aire y necesitan ser contadas. No es un solo tipo de cine el que va a festivales. Creo que estos festivales precisamente están esperando ver de México nuevas historias, o historias distintas a las que están acostumbrados. Que sea una comedia combinada con thriller la que esté ahí, me parece increíble.

¿Es posible hacer buen cine de entretenimiento en México y a la vez ser buen cine?

Claro, es posible. Podemos hacer cine de calidad que llegue al gran público en salas o plataformas como Paramount Plus y que además pueda llegar a un sector más especializado, tal es el caso de lo que pasa con Corazonada en Róterdam. Insisto, creo que es fundamental percibir las historias que están en el aire y contarlas, hay que contarlas.

El director argentino Diego Lerman presentó El suplente en la Cineteca Nacional como parte del estreno que tendrá la película en cines mexicanos a partir del 26 de enero. En Spoiler tuvimos la oportunidad de conversar con él sobre su nuevo proyecto, mismo que llegó a Netflix en Argentina.

Entrevista con Diego Lerman, director de El suplente

Vemos que hay narcomenudeo en la zona donde se ubica la escuela y que trasciende a las aulas escolares. Estamos hablando de un territorio conquistado por el crimen organizado. Pero no vemos muertes, no vemos violencia explícita que seguro existe. ¿Por qué decidiste no mostrar o evitar eso?

Para mí era más fuerte si eso (el crimen organizado) estaba fuera de campo. Pese a mostrar la intrusión de la gendarmería en la escuela y posteriormente al narco en un baño, quería que esa presencia quedara en el trasfondo y enfocarme en el contexto del maestro con sus alumnos y su familia. No es que no me parezca importante. Simplemente quise que el crimen fuera parte del paisaje y no focalizar su relevancia en esta historia que atiende otro aspecto que es el maestro.

Un maestro que en su inconsciente, o consciente, vive en la negación de aceptar que su hija tiene 12 años. Él insiste en verla de 11. ¿Ese rechazo a la adolescencia de su hija no es contradictorio en la búsqueda de aceptación por parte de sus alumnos adolescentes?

La hija del personaje es mi hija en la vida real. Los que somos padres comenzamos a verlos crecer y reparamos en esa edad en la cual hay una transición para pasar de ser dependientes a seres autónomos con otras ideas, con otras visiones del mundo. Transitar de la infancia a la adolescencia es una bisagra difícil de aceptar, pero que como padres nos toca acompañar. En el caso de Lucio, el maestro, tiene que aceptar que su hija ya no es una niña y que desea un colegio diferente al que él quiere para ella. Pasa eso, que como padre no acepta esa transición.

Hay una escena en la que vemos a la hija mostrándole a Lucio cómo es la posición correcta de una pintura a la que ella interpreta de forma concreta cuando él le daba un significado abstracto. ¿Es una manera de decirnos que nos hemos olvidado de escuchar a las nuevas generaciones?

Esa escena se improvisó. El cuadro lo pintó mi hija y jugaba con ella en el set a adivinar qué era. Ese juego me llevó a plantearlo como un ejercicio en escena para ver cómo Lucio reaccionaba al hecho de que la niña era capaz de ver el mundo de distinta manera y mucho más entendible que como lo ve él. Decidí grabarlo. Fue en el montaje que me incliné por añadirla a la edición final porque dotaba de mayor sentido la relación del maestro con el universo juvenil del salón de clases.

A través de los textos que los alumnos escriben, el maestro y el espectador se enteran de que algunos sufren violencia intrafamiliar o padecen situaciones desagradables en sus hogares. ¿Por qué tomaste la decisión de tampoco mostrar esos problemas para la construcción de la relación entre Lucio y su alumnado?

Una de las dificultades que tuvo este proyecto fue saber qué mostrar y qué no. Se evaluó durante la investigación, en las distintas revisiones del guion. Para mí lo importante era atender el eje del valor de la educación, exaltar a la figura de un maestro como Lucio impartiendo clases en esos márgenes sociales y la relación escolar. Parte del trabajo de la película era entender un universo, comprenderlo, y elegir lo que debía mostrarse. Con esa premisa definida determinamos qué era lo que no debía mostrarse.

Una forma de resolver la presencia de un narco como ‘el Perro’ Olmos fue mediante la aparición de perros callejeros. Un lenguaje simbólico. ¿Lo pensaste así desde un principio o esos perros aparecieron en la grabación?

Algo que me gusta al filmar es integrar los elementos del entorno donde estoy filmando. Esos perros andaban ahí y quise integrarlos como parte de ese lugar. Yo vi a los perros jugando y rápidamente armé con el director de fotografía un plan para incorporarlos. Estaban ahí. Le convenían a la película.

¿Dónde está parado hoy el cine argentino? ¿En qué momento se encuentra? Hacia el exterior, se percibe que atraviesa una buena etapa en producciones y propuestas.

El cine argentino es muy vital. Hay mucha gente que hace cine. Somos varios los que llevamos más de 20 años haciéndolo. Algunos somos parte de una generación que comenzó a hacer cine en el siglo XXI, a partir del año 2000. Hay generaciones nuevas que traen ideas frescas. Por otra parte, se trata de una industria que todo el tiempo está en crisis. La manera de financiar es complicada, difícil. En contraste, Argentina tiene talento y diversidad para hacer buenas películas, pero la situación económica del país no es tan buena. Lo que sobra son miradas artísticas, talentos actorales, talentos técnicos. Lo que nos falta son recursos. Por eso seguimos haciendo cine con los medios que tenemos al alcance o a través de coproducciones. Urge una financiación que acompañe de forma estable la energía y la creatividad de nuestra cinematografía.

Basándose en la novela Los minutos negros, escrita por Martín Solares, el director Mario Muñoz (realizador de Bajo la sal, 2008) cuenta la historia de una cadena de homicidios contra mujeres y niñas en el poblado ficticio de Paracuan a cargo de un asesino serial. El detective Vicente Rangel (un estupendo trabajo actoral de Leonardo Ortizgris) se apoya en otro compañero y un aprendiz (notables actuaciones de Enrique Arreola y Krystyan Ferrer) para dar con la identidad del criminal. Sin embargo, Rangel y compañía se topan con un enemigo todavía más peligroso: un sistema de justicia corrompido al que no solamente no le importa lo que ocurre, sino que además es partícipe de su degradación.

¿Podrá Rangel sortear ese oscuro, macabro y sucio universo que reúne al narcotráfico, una red criminal de la más baja calaña y autoridades deleznables? Es una pregunta obligada de hacerse en cuanto el detective manifiesta sus convicciones como un policía interesado en buscar la verdad y hacer justicia. Es la excepción a la regla en un pequeño mundo donde la violencia, la sangre, el machismo y la falta de escrúpulos impera entre hombres que no tienen consideración alguna por las mujeres, y mucho menos por la ley.

En aras de obtener una respuesta, el espectador se encontrará con un gran acierto del director Mario Muñoz. ¿Cuál? Recurrir al film noir, el cine negro. Apuesta por el cine de género para recorrer junto a Vicente Rangel un entramado de venganza, miedo y sordidez en el que unos intentan sobrevivir y hacer las cosas bien, mientras que otros no escatiman en hacer más putrefacta su ya deplorable decadencia; el problema es que lo hacen a costa de inocentes que parecen no tener escapatoria. Es adentrarse en un círculo vicioso de corte policíaco que puede recordar a Cadena perpetua (1979), de Arturo Ripstein.

Atreverse a hacer una película de cine negro en estos tiempos es osado, pero en este caso de resultados favorables. Muñoz consigue mantener al espectador expectante. Lo entretiene con el tono policíaco y lo incita a remover la entraña por los temas sensibles que aborda. He ahí otro mérito. Si bien es cierto que la historia se sitúa en los setenta, sin ningún inconveniente podemos contextualizarla en la actualidad porque permite reinterpretarla como la realidad dolorosa y preocupante de México con relación a la violencia que sufren las mujeres. Tampoco es menor ubicarla en los setenta si se vislumbra como una lupa atemporal que ya desde entonces avisaba el horror que se padece en mayor escala en 2023 con el asesinato de mujeres de cualquier edad.

Justo después de 1975, previo a una década ochentera de explotación con películas de acción cuyas tramas se centraron en el narcotráfico, aparecieron títulos que comenzaron a recrear la violencia y los fenómenos delincuenciales del país que hasta la fecha impactan en nuestra cotidianidad, especialmente en lo concerniente al tráfico de drogas al norte de México. Un ejemplo es La banda del carro rojo (1978), de Rubén Galindo. El norte fue escenario de un sinfín de ficciones basadas en la realidad para trazarlo como el sitio nacional donde se llevaban a cabo matanzas, motines, contrabando humano y trasiego de estupefacientes. Pero se ignoró, ¿o se eligió ignorar?, que también se registraban feminicidios e infanticidios, crímenes que continúan perpetrándose sin freno alguno.

Puede decirse que Los minutos negros llegó tarde pero a tiempo para abrirnos los ojos de los setenta y discernir de manera alarmante que en 50 años el panorama trágico de la violencia contra las mujeres se mantiene intacto, o lo que es peor, empeora. Llega tarde pero a tiempo con los claroscuros y el dramatismo del cine noir mexicano cuya metáfora es la vida misma en un país donde el concepto de justicia han querido borrarlo del diccionario, la conciencia y la memoria de sus habitantes.

Nuevos capítulos de New Amsterdam y Mary Kills llegarán a la pantalla cada lunes. En tanto, los martes serán exclusivos para nuevos episodios de la temporada 19 de Grey’s Anatomy. Los fans podrán disfrutarlos a partir de las 20 horas.

Como celebración de estos estrenos, Sony Channel quiere corresponder al público con un café azul y una galleta muy especial. ¡Son gratis! A partir de este lunes 23 y el martes 24, así como los días lunes 30 y martes 31, los espectadores podrán acudir al hot spot Farmacia Internacional, ubicado en Bucareli 128, colonia Centro. Los asistentes serán parte de la embajada de doctores en Ciudad de México.

¿Quieres ser embajador?

Acudir a Farmacia Internacional y preguntar por los doctores de Sony Channel. Ellos te obsequiarán una galleta y un café azul con motivo de las series. Tómate una foto de ese instante y compártela en tus redes sociales.

La serie se basa en la novela Anna Karenina, escrita por León Tolstói. Asimismo se influencia en la serie australiana The Beautiful Lie (2015), dirigida por Glendyn Ivin y Peter Salmon. La versión mexicana es dirigida por Hari Sama, director de El sueño de Lu (2011) y Esto no es Berlín (2019).

Conversamos con él en Spoiler acerca de este trabajo, su relación con el escrito original y la colaboración con Kate del Castillo en su intención de generar nuevos contenidos como actriz y productora.

Entrevista con Hari Sama, director de Volver a caer

¿Con qué tipo de adaptación de Anna Karenina te encontraste en esta versión de la novela?

Se remonta a la adaptación que se hizo en Australia con la serie The Beautiful Lie, protagonizada por Sarah Snook. Eso fue algo que me atrajo mucho cuando me invitaron a este proyecto porque vi la serie. Fue un contenido que me agradó bastante porque tiene un gran manejo de dirección, de realización, y quise asumir el reto basándome en esa serie, pero siempre tomando en cuenta el texto original de León Tolstói.

Por supuesto, como toda adaptación, yo quería darle una personalidad con mi estilo y con base en una actriz como Kate del Castillo, que es la protagonista. Con ella quería lograr una versión más profunda y que se notara un trabajo distinto de su parte con relación a lo que ha hecho antes.

Tuviste el reto de dirigir a Kate del Castillo, una actriz que sigue siendo la reina del sur para mucha gente. Acá era llevarla a otro plano emocional y con un personaje un poco más común. ¿Cómo fue dirigirla?

En su inquietud por producir y buscar proyectos que le impliquen retarse a sí misma, ella tuvo el tino de elegir una pieza muy sensible, muy delicada y muy profunda para hacer un personaje que debe entrar en territorios oscuros de su psique. Se debía resquebrajar, romperse. Tenía que enfrentar dragones externos e internos que la llevan a ser vulnerable, a sentirse confundida sobre no poder discernir la realidad y cuestionarse dónde estaba parada en su lado más humano.

Kate es una mujer que ha sufrido y ha sobrevivido a situaciones muy duras en su vida, situaciones que ha enfrentado con mucha entereza. Sabe lo que es estar en la oscuridad que cualquier persona vive y sufre por motivos densos. Eso debíamos trasladarlo a la figura de una clavadista olímpica, es decir, una atleta que en su proceso deportivo también debió lidiar con varias cosas. No cualquiera gana una medalla de oro, pero ¿qué hay detrás?

El título de la serie es en sí una afrenta contra un pensamiento que se quiere imponer en estos tiempos. ¿Cuál? El de ser feliz 24/7, vibrar alto sin permiso para venirse abajo y no cometer errores. Es válido caerse, chocar con nuestros demonios. ¿Cómo le entras a esos temas de melodrama como director?

En las redes sociales, por ejemplo, hemos visto linchamientos terribles y la gente no asume la responsabilidad de lo que dice. Al no existir esa responsabilidad, hay cosas que pueden terminar muy mal. Lo digo con relación a aquellas personas que expresan sentirse mal por alguna u otra razón y de inmediato es atacada como si estuviera prohibido sentirse así. En ese aspecto, esta serie la planteo como si fuera un espejo de esos males que tenemos como sociedad con relación al otro.

Quise plantear el dilema de que el público se cuestione si ella (el personaje de Kate del Castillo) está mal o si realmente somos nosotros quienes vivimos en un error por juzgar a una figura pública en las decisiones que toma para su vida. Otro aspecto que quise abordar es el prejuicio que puede existir con relación al género, es decir, porque no reaccionamos igual a cuando una cosa la hace un hombre que cuando la hace una mujer. Actuamos diferente. De alguna u otra manera, Tolstói lo plantea en su novela, pero es demasiado triste que en pleno siglo XXI sigamos comportándonos así.

Un elemento interesante para mí como director es la convergencia del trauma del personaje con el trauma del actor, en este caso de la actriz. La idea es que se aprovechen uno del otro para después ficcionarlo. Jamás será un propósito que los actores se lastimen. Por el contrario, ese dolor lo transfieren a su papel para que se ayuden a sanar, a quitarse esas cargas de encima. Con Kate hicimos un trabajo muy profundo con el cual ella cooperó bastante, y eso se agradece porque no es tan sencillo que una actriz o un actor se abra a ejercicios así.

En tu consideración, ¿qué tan actual y universal es Anna Karenina en la actualidad? ¿Cómo encaja en nosotros como latinos?

Al hacer nuestra traducción al universo mexicano, me parece que sigue siendo muy universal. Es una serie que puede identificarse con cualquier otro país porque mantiene la esencia de la novela. Continúa siendo relevante el libro por el hecho de vernos en un espejo que refleja nuestras broncas familiares, nuestra postura ante la infidelidad, la desgracia, el amor.

Si lo aterrizamos a nuestra actualidad, bien podríamos preguntarnos si el matrimonio es tan factible como antes. ¿Estamos hechos para convivir con una misma persona por más de 15 años? ¿Será que las nuevas generaciones tienen razón al establecer los vínculos afectivos con otras formas de unión? Anna Karenina también puede discutirse en nuestra modernidad.

Como uno de los festivales más relevantes en México, el GIFF continuará desarrollándose y reinventándose con las pautas que marca la actualidad pero sin descuidar su esencia. De igual manera celebra que cuatro productores mexicanos becados por el festival asistan al Rotterdam Lab del Festival Internacional de Cine de Rotterdam para capacitarse. Ellos son Paulina Villavicencio, Abril López, Fernanda Galindo y Daniel Lostaunau.

Para hablar de lo que es el GIFF rumbo a su nueva edición y el valor que tiene en la oferta cinematográfica nacional, así como en la labor periodística, en Spoiler conversamos con Sarah Hoch, su directora.

Entrevista con Sarah Hoch, directora del GIFF

Iniciar el año con el anuncio de una nueva edición del GIFF es una buena noticia porque cada vez es más difícil organizar y preservar un festival de cine. ¿Cómo llegan a la edición 26?

El año pasado hicimos una revisión especial sobre cómo ha cambiado el cine mexicano en los últimos 25 años. Consideramos que no solamente el cine nacional, sino que la industria cinematográfica mundial está en un turning point muy particular que lo sentimos en los festivales. Surgieron dos preguntas: dónde vemos cine y cómo vemos cine. Con el periodo pospandemia, mucha gente ha elegido la casa para ver películas. Esos son temas que reflexionamos y nos pusimos a generar ideas para reinventarnos en este nuevo periodo tras las modificaciones de consumo surgidas en la pandemia.

¿Qué cambios has notado o percibido en el público que acude a un festival de cine como el GIFF para ver contenidos distintos a los que encuentra en salas comerciales o plataformas?

Recuerdo que en 1997 habían muy pocas opciones para ver cine. En ese tiempo apenas veníamos saliendo de una crisis, las salas estaban en huelga y la producción era casi nula. Nosotros iniciamos aceptando contenidos en distintos formatos, algo que era tabú y mal visto en ese entonces. Pero eso permitió que hubiera un boom de cortometrajes para que después esos directores hicieran largometrajes. Tocamos la puerta para que se destinaran fondos a la producción y abrimos puertas para las coproducciones, es decir, buscar alianzas con otras industrias.

Con eso conseguimos que más público tuviera al alcance trabajos mexicanos y supieran qué se estaba haciendo. Fueron interesándose no solamente en largometrajes, sino también en cortometrajes y tiempo después en documentales. Luego vino un interés por ver producciones extranjeras que no llegaban a salas comerciales.

Hoy día, en pleno 2023, con la posibilidad de acceder a contenidos en diferentes plataformas, la aparición del coronavirus obligó a que el público se quedara en casa y optara por esa forma de consumo. Con la reactivación estamos enfrentándonos a ese tema, a saber cómo se reintegra ese público tanto a salas como a festivales.

Actualmente todavía hay un público que tiene la idea de que los festivales de cine son exclusivos para gente de la industria cinematográfica, o eventos en los cuales se exhiben puras películas “lentas”, “aburridas”, de tramas incomprensibles. ¿Cómo acercarlo al GIFF y descubra que no es así?

Siento que el público busca, además de una película, experiencias. Aunque se les ofrezca la oportunidad de interactuar con actores y de disfrutar una cerveza con los directores de las películas, actualmente eso no es suficiente. Y no es suficiente para llenar las salas de festivales.

En ese sentido, en el GIFF procuramos brindarle al espectador y a los asistentes esas experiencias. Por ejemplo, somos los primeros productores de realidad virtual en el país. Tenemos una sección de nuevas tecnologías para producción virtual. Para este año damos el paso a la inteligencia artificial, que es un tema que va a mover a la industria cinematográfica. Ya lo hace en áreas como diseño, arte, escritura. Estamos moviéndonos para saber hacia dónde se encaminan las audiencias.

Continuaremos brindando experiencias como ver cine en panteones, en espacios icónicos de Guanajuato que no son precisamente salas de cine, y eso es porque un festival también te permite la oportunidad de ser turista, es decir, de conocer lugares del lugar donde se lleva a cabo.

¿Qué papel juegan el periodismo y la crítica cinematográfica para alejar o acercar a esas audiencias? El mensaje periodístico y crítico es completamente distinto al que emana un influencer o un youtuber, por ejemplo. A final de cuentas también somos público.

Somos un festival de formación. Formamos críticos de cine y tenemos un espacio destinado para la crítica. En nuestro caso celebramos a la crítica y consideramos que es un vínculo especial entre la película y el público. El cine no se trata únicamente de llenar salas, o generar polémica en redes sociales.

Con relación a la crítica, nosotros le tenemos respeto porque los críticos nos han ayudado a formar jóvenes y talentos con ganas de escribir, principalmente crítica cinematográfica. También hay otros chicos que quieren escribir de forma responsable sobre cine, ya sea historias, crónicas o reportajes. Es allí donde entra el periodismo. Es parte vital de los festivales y para el propio público que busca ampliar su información o interés. Cubrir alfombras rojas tiene su encanto y hay un público al que le gusta enterarse de eso.

Tampoco hacemos menos a quienes generan contenido para redes porque es un nexo que conecta con temas como la moda o la música, así como con premieres de películas. Nada resta, todo suma para que sigamos vigentes sin descuidar nuestra visión.

Para quienes habitan en Ciudad de México y la zona metropolitana, el Festival Internacional de Cine de la UNAM (FICUNAM) llega a su edición número 13 y se llevará a cabo del 1 al 11 de junio. En esta ocasión tendrá la presentación de un proyecto editorial desarrollado por Arturo Aguilar Figueroa, periodista y crítico de cine.

El Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF) efectuará su edición número 26 del 21 al 30 de julio. Entre las primeras novedades anunciadas, el festival informó quiénes son los cuatro productores mexicanos becados para capacitarse en el Rotterdam Lab: Paulina Villavicencio, Abril López, Fernanda Galindo y Daniel Lostaunau.

En tanto, el Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG) se desarrollará del 3 al 9 de junio en el marco de su edición número 38. Los largometrajes interesados en competir tienen hasta el 17 de febrero como fecha límite para inscribirse.

En los tres casos falta por conocer la cartelera, los trabajos que competirán y las actividades que habrán de desarrollarse. Mientras tanto, toda vez que se precisaron las fechas, el público puede agendar su asistencia al festival de su interés.

“Ya sé que se ha hablado hasta el cansancio de desaparecidos, pero no lo suficiente porque solamente se habla de cifras”, comentó la actriz en esa ocasión. En ese momento, luego de tomar el micrófono ante los medios presentes, inició el ruido que genera y quiere generar la película dirigida por Natalia Beristáin. Se trata de un trabajo que ahora está al alcance del público en general para que resuene en mayor medida.

En ese instante, incluidos varios periodistas, muchos desconocíamos qué nos íbamos a encontrar en la pantalla. Hoy día lo sabemos y comprendemos todavía más la opinión de la actriz respecto a la necesidad de continuar llevando este tipo de historias al cine, un medio que funciona para reinterpretar nuestra realidad y puede ser un conducto para propiciar empatía, o bien para reflexionar acerca de la indolencia que podemos llegar a tener ante un horror que parece normalizarse como si fuera un hecho para resignarse.

Es en la ficción donde Beristáin encuentra un espacio propicio para compartir un discurso y plasmar una postura ante las desapariciones y sus consecuencias en México, especialmente en lo concerniente a las mujeres. No por ello ignora o menosprecia a los hombres afectados. Por el contrario, los involucra desde mostrarnos a los varones que buscan a sus madres/parejas/hermanas (los vemos acompañados en una sesión grupal mientras bordan) hasta un joven que es hijo y hermano en un hogar roto por la desaparición de una de sus integrantes.

Sin embargo, la directora concentra su atención e interés en las mujeres, lo cual es perfectamente comprensible porque son ellas quienes día tras día se convierten en víctimas de desaparición forzada, feminicidios y violencia sistemática por parte de crimen organizado, autoridades y entornos. En este caso, Ruido nos cuenta el calvario de Julia (Julieta Egurrola), una madre que emprende la búsqueda de su hija desaparecida apoyándose en la periodista Abril Escobedo (Teresa Ruiz) para dar con su paradero. Ese trayecto le permite a Julia conocer e introducirse en la labor de las madres buscadoras y en la manifestación femenina colectiva contra el trato violento y asesino que recibe la mujer en México. Asimismo se le revelan panoramas todavía más atroces y desgarradores (como lo que acontece con Abril Escobedo).

La búsqueda de Julia es un recorrido de la propia Natalia Beristáin por los temas que le inquietan y considera urgentes de atender. Es una travesía por los infiernos que consumen a nuestra nación en la actualidad: la corrupción, el trato criminal a migrantes, la criminalización de las protestas, trata de personas, prostitución. La escena del camión abandonado con cadáveres en su interior puede percibirse como dantesca o macabra, pero tiene que ser así para cimbrarse ante un contenedor que sintetiza lo que deriva del terror que sufren miles de personas en diferentes regiones y que puede alcanzar de alguna u otra manera a la capital, o a cualquier clase social (lo notamos con Julia introduciéndose en él).

“Me da pena que mi hija me vea triste todo el tiempo”, pronuncia una mujer. “¿Por dónde se empieza a buscar?”, pregunta Julia. “No estás sola”, expresan hombres y mujeres que sobrellevan la desaparición de un ser querido. “¿A poco tú también eres de las que defienden monumentos?”, cuestiona una chica a Julia. “Estamos aquí para volver a decir que en México asesinan y desaparecen mujeres todos los días”, exclama la oradora de una protesta. Esas palabras, esas frases son también ruidos que deben escucharse y tener eco. Son eslabones que a lo largo de la película construyen una cadena sonora que retumba en las emociones de quien se estruja ante lo que ha visto; el estómago grita lo que la garganta no puede después de absorber el trajín de Julia, los testimonios de las madres buscadoras y el clamor femenino generalizado para que cese la violencia contra la mujer (reprimido por la brutalidad policíaca).

Ruido es también la sensación que queda tras reflexionar y determinar qué papel jugamos con las desapariciones en nuestro país. Ser indiferente no es opción frente a un fenómeno trágico y tétrico al que cualquiera estamos expuestos de experimentar de forma directa o indirecta. Así como Julia cuestiona cómo se inicia una búsqueda, nosotros bien podemos preguntarnos cómo comenzar a no desestimar el horror de la desaparición forzada. Tuvo razón Julieta Egurrola en el FICM al señalar que no se ha hablado lo suficiente de este tema y que las víctimas son tratadas como cifras. En este sentido, Natalia Beristáin muestra seres humanos que en el plano ficcional nos recuerdan lo real de su desgracia que es la nuestra.

Natalia Beristáin y Ruido son el ejemplo manifiesto de que Julieta Egurrola atinó al puntualizar que sí deben producirse más películas que cuenten este tipo de historias porque así no trataremos como estadísticas a víctimas con nombre y apellido, personas que podemos ser nosotros o el ser amado que tenemos al lado.

Con libertad para construir una versión sobre la vida de Sissi, emperatriz de Austria y reina de Hungría, la directora Marie Kreutzer centra su atención en un año crucial de su personaje, el de su cumpleaños 40. Situado en las tres últimas décadas del siglo XIX, el relato nos contextualiza que en dicha época la mujer era vista y tratada como un ser decadente al cumplir esa edad. Dejaba de ser del gusto de los hombres y era percibida como un miembro familiar que únicamente debía llevar a cabo roles hogareños en función de los demás integrantes.

Esa concepción continúa ejerciéndose hasta nuestros días. Por eso es que Corsage se siente moderna, y en gran medida se debe al tratamiento con libertades que la realizadora hace. Por ejemplo, lo acentúa muy bien con la música. La banda sonora se respalda en temas como Let It Be, de Los Beatles, o As Tears Go By, de Los Rolling Stones. O bien La Palma, de Veridis Quo.

Sin caer en una confrontación de víctimas y victimarios, Kreutzer se apoya en una brillante y extraordinariaVicky Krieps para que la Sissi de Corsage no pase inadvertida para nadie pese a que se le quiere relegar a ese plano por su edad, su peso y su forma de ser. Por el contrario. Con un guiño a Lady Di, la emperatriz se hace notar ante su entorno y se hace querer/respetar por la cámara (tanto en la ficción con el surgimiento de la imagen en movimiento como por la fotografía de Judith Kaufmann con tamaños de encuadre para atenuar su relación/distancia con los otros). La Sissi de Krieps no es inocente ni dócil. En cambio sí es contradictoria, incómoda, inteligente, sensible y rebelde. Toda una humana en sus diferentes emociones según las circunstancias.

Sissi es capaz de fingir un desmayo para molestar a quienes hablan de su peso, de ser estricta con la dieta de sus asistentes, de deprimirse por un pasaje doloroso, de tener aventuras con su amante, de hacer llorar a quien procura su cabellera. Es una mujer que no cae bien, pero tampoco cae mal. Esa ambivalencia de la Sissi de Krieps es un detalle perspicaz de Kreutzer para evitar un juicio sobre una mujer transparente en sus cualidades y defectos.

El título de la película bien puede interpretarse a esa asfixia social de la época (que igualmente cabe en nuestra actualidad) que se ejerce contra la mujer para desempeñar roles que honren al hombre y su posición, en este caso una realeza en la cual Francisco José (Florian Teichtmeister) necesita mantener una imagen de hombre viril y vigoroso, por lo que su esposa Sissi le representa un obstáculo para ese propósito. Aquí viene otro aporte interesante de la directora: el deseo de libertad y diversión de su protagonista esquiva una confrontación marital melodramática. La emperatriz le busca una amante a su marido.

Dentro de la trama también se apunta de manera sutil hacia los indicios de lo que posteriormente iba a desencadenar en la Primera Guerra Mundial. No son tan grandilocuentes u obvios, sin embargo ahí están como mínimos esbozos de dicho suceso histórico, así como del papel que jugó esta familia real en ese acontecimiento.

Tomándose licencia para un desenlace distinto al que marca la historia real de Sissi, Kreutzer otorga un final hermoso y doloroso a la vez para ella. Esa culminación permite incluso olvidar que se ha visto una película acerca de una emperatriz y valorar que se trató sobre una mujer que quiere y necesita quitarse un corset para hacer una vida a su manera, con el derecho de hacerlo. Concede la posibilidad para reflexionar que cumplir 40 años no debe ser una condena, mucho menos impuesta por el hombre. De hecho, ni siquiera debe pensarse en eso, y sí en aquello que hacemos equivocadamente para apretarle el corset a las mujeres.

Previo al comienzo de Qatar 2022, Top Gun y Tom Cruise eran talismanes de esperanza para los hinchas argentinos. ¿El motivo? En 1986 se estrenó la película, mismo año en que Argentina se coronó en el Mundial de México. Tras el estreno de Top Gun Maverick en 2022, el entusiasmo por sentirse dueños de la copa volvió. ¡Lo que sí sucedió! Así que deben incluir en esa alegría al último gran héroe del cine de acción e imán de taquilla de Hollywood.

Pero hay otra película que también influyó para la dicha argentina. O mejor dicho, una saga. Se trata de Halloween. La primera, el origen de todo, es la obra maestra de John Carpenter. Fue estrenada en 1978, año en que la Albiceleste ganó su primera Copa del Mundo. ¿Y luego qué? Lo que inició en ese instante culminó en 2022 con el estreno de Halloween Ends y el final de Michael Myers, el asesino que nació con la primera estrella en la playera de Argentina y murió con la tercera. Bueno, a reserva de que lo resuciten otra vez. En ambos filmes, el de 1978 y 2022, su protagonista es Jamie Lee Curtis, actriz a la que deben sumar entre sus amuletos de la buena fortuna. Igualmente a la figura cinematográfica de Myers.

En cambio, México no se lleva bien con estos títulos de terror. ¿Por qué? Porque en el Mundial de 1978 fracasó la Selección Mexicana quedándose en fase de grupos. Cosas de la vida, en 2022, mismo año que Argentina se coronó y Michael Myers reapareció en la pantalla grande, el Tri nuevamente fracasó en primera ronda, algo que no ocurría desde el ‘78. En pocas palabras, Jamie Lee Curtis y Michael Myers no son cartas favorables para el equipo tricolor durante un evento mundialista.

A diferencia de los argentinos, los mexicanos optan por rezos y oraciones para confiar a una divinidad el porvenir de la selección en una Copa del Mundo. Sin embargo, viendo que el juego de las cábalas y coincidencias generan óptimos resultados, nunca es tarde para abrazar a la superstición como una forma de llegar más lejos en un Mundial. Un buen principio es elegir la película, actor o director a cuál encomendarse. Un repaso a los estrenos de 1986 vendría bien, esto bajo la consideración de que en ese año se pudo clasificar a Cuartos de final.

Xavier Robles (24 de junio)

El guionismo y el cine mexicano no se entenderían sin él. Tres de sus guiones están representados por tres películas fundamentales de la filmografía nacional: Las poquianchis (1976), Los motivos de Luz (1985) y Rojo amanecer (1989). Supo acoplarse además a los tiempos de transición que tuvo la industria cinematográfica para bien o para mal. Por ejemplo, se encargó de adaptar canciones de Los Tigres del Norte a libretos para títulos como La jaula de oro (1988), Tres veces mojado (1989) y La camioneta gris (1990). Exploró el cine infantil con Serafín (2001). Escribió sobre Ciudad de México y su vida nocturna en Las noches del Blanquita (1981), o la vida de barrio en el denominado “barrio bravo” con ¡Qué viva Tepito! (1981). Como director realizó el documental Ayotzinapa: Crónica de un crimen de Estado (2014).

Alfredo Gutiérrez ‘el Turco’ (25 de junio)

De rostro mal encachado, como si estuviera siempre de malas aunque interpretara personajes bonachones, este actor apareció en westerns setenteros como comisario, pistolero y ladrón. En la década de los ochenta figuró en películas de acción junto a los hermanos Almada y Sergio Goyri haciéndola de gatillero, traficante, jefe policiaco o papá de víctimas. Participó en películas de terror como El extraño hijo del sheriff (1986) y filmes kitsch como Intrépidos punks (1988). Para la década de los noventa y primeras dos décadas del siglo XXI continuó en el género de acción a través del videohome toda vez que se dejó de producir en celuloide.

Susana Dosamantes (2 de julio)

Fue el crush de la generación setentera en cuanto la vieron figurar en películas como Remolino de pasiones (1969) y Matrimonio y sexo (1970). Fue en 1970 cuando su nombre destacó como otra de las actrices mexicanas que apareció en filmes de Hollywood tras interpretar a María en Río Lobo, un western protagonizado por John Wayne y dirigido por Howard Hawks. Cinco años después, bajo la dirección de Carlos Enrique Taboada, participó en Más negro que la noche, un título del género de terror que es de culto en México. A finales de los ochenta interpretó a una vengadora de corte urbano en El placer de la venganza (1988) y a una dama extraterrestre en la incatalogable Keiko en Peligro (1989).

Marta Aura (8 de julio)

En la década de los setenta participó en cuatro películas distintivas de ese periodo: El águila descalza (1971), Cayó de la gloria el diablo (1972), Los cachorros (1973) y El lugar sin límites (1978). En la década de los ochenta apareció en dos películas de Felipe Cazals. Una de ellas fue Los motivos de luz (1985) como la licenciada Alférez. Otra fue Las inocentes (1986), un documento poco conocido de Cazals porque se hizo en formato para televisión, pero allí interpreta a la superiora del convento donde originalmente vivían las cuatro religiosas abusadas sexualmente en esta ficción. Su último trabajo fue Coraje (2022), película en la que tuvo la fortuna de ser dirigida por su hijo, Rubén Rojo Aura, y en la cual personifica a una actriz amenazada por la ceguera.

Meche Carreño (21 de julio)

Fue una de las actrices mexicanas que no tuvo reparo en desnudarse porque creía que el cuerpo era una extensión de la fuerza interpretativa en personajes femeninos rebeldes, incómodos y fuertes. El erotismo que transmitía en pantalla no era romántico ni sutil, sino agresivo. Provocaba el deseo pero al mismo tiempo infundía temor por el carácter de sus roles, y de su propia personalidad a cámara. En No hay cruces en el mar (1968), Damiana y los hombres (1967) y Los perros de Dios (1974) se pudieron notar esos rasgos. Pero también fue capaz de utilizar su físico y sensualidad para hacer denuncia con La inocente (1972), película en la que interpreta a una mujer con retraso mental que es abusada sexualmente a partir de su condición y queda embarazada. En El Noa Noa (1981) demostró la calidad de su capacidad actoral. Eso se aprecia con el final de la película y la línea que le pronuncia a Juan Gabriel cuando éste le anuncia que se va de Juárez. Fue una actriz completa pero infravalorada durante algún tiempo, tanto por el público como por la prensa.

Adriana Roel (4 de agosto)

Una actriz que dejó como legado dos películas dignas de revisar por lo que tratan y el tiempo en que lo abordan. Precisamente ganó el Ariel por esos dos títulos. Con No quiero dormir sola (2012) nos acerca a la vejez femenina y los cuidados que requiere una anciana con problemas de alcoholismo.Tenía 78 años. Aceptó salir en traje de baño a esa edad, mandando así también un mensaje de aceptación al paso del tiempo reflejado en el cuerpo. Con Anacrusa (1979) nos da de porrazos como sociedad indiferente que somos hacia los desaparecidos y presos políticos en México. Roel da vida a una maestra universitaria y madre soltera que no comulga con reclamos estudiantiles y no simpatiza con manifestaciones o movimientos que claman por causas sociales. La perspectiva le cambia cuando su hija es levantada, desaparecida por una patrulla y asesinada.

Manuel Ojeda (11 de agosto)

Interpretó personajes que fueron desde la transmisión de compasión hasta desprecio, pero todos ellos con una fuerte expresión que iba desde rangos delicados hasta duros. En películas como El apando (1976) y El infierno de todos tan temido (1981) dio cátedra sobre el estado mental que puede adquirir un hombre en su resistencia o concesión a la locura a partir del encierro. Otro título de valor en su carrera fue Matinée (1977), de Jaime Humberto Hermosillo. Y no solamente por la gran idea de asaltar la Basílica de Guadalupe, sino también por incluir a la homosexualidad en esa trama delictiva. Vaya, una forma de plantar cara a la moral católica mexicana de esos años.

Anabel Gutiérrez (21 de agosto)

Con Muchachas de uniforme (1951) y Rostros olvidados (1952) fue nominada al Ariel juvenil de forma consecutiva. Pero fue tres años después cuando pudo ganar ese premio por su participación en Escuela de vagabundos junto a Pedro Infante. Se consolidó como una de las revelaciones de la década y se le auguró un buen futuro en el cine, no obstante su carrera cinematográfica se vio frenada en 1960 con Los resbalosos. Tuvieron que pasar 19 años para que en 1979 volviera a aparecer en pantalla grande con Discoteca es amor, de Sergio Véjar. Puede decirse que el registro cinematográfico de su nombre se albergó en la época de oro como una de las mejores actrices jóvenes de esa etapa.

Cristóbal Jodorowsky (15 de septiembre)

Heredero de los conocimientos de su padre, tanto artísticos como psicomágicos, aceptó ser dirigido por él en dos películas: Santa sangre (1989) y La danza de la realidad (2013). Ambos títulos dividen opiniones entre devotos y detractores de Alejandro Jodorowsky por el cine que hizo, así como por sus postulados respecto al arte. Fue con Santa sangre con la cual Cristóbal se volvió un personaje de culto para sus fans. En el filme interpreta a un extraño asesino que presta sus brazos a su madre, líder de una rara secta religiosa, para cometer una serie de crímenes. Para sus seguidores de prácticas como el psicoteatro y la psicogenealogía es una especie de tesoro.

Jorge Fons (22 de septiembre)

Uno de los grandes directores mexicanos. Deja una herencia fílmica de por lo menos tres obras fundamentales de la cinematografía nacional: Los albañiles (1976), Rojo amanecer (1989) y El callejón de los milagros (1995). Reinterpretar lo que fue la masacre estudiantil de 1968 desde el Interior de un departamento y transmitir el horror que fue la matanza en Tlatelolco sin ver nada del exterior, habla de alguien que tenía algo más que oficio. Y eso lo tenía Fons: un gran lector de las emociones en el ser humano a partir de sus contextos. Eso lo plasmó también en el western a través de Cinco mil dólares de recompensa (1974) con temas como la traición y la ambición. Se despidió de gran manera de la ciudad que retrató en los tres títulos mencionados al inicio. Y es que la noticia de su fallecimiento se dio justo cuando tembló fuerte en Ciudad de México.

Héctor Bonilla (25 de noviembre)

Podemos recordarlo por su trabajo en cine, teatro y televisión. Lo tenemos bien grabado en la memoria por Rojo amanecer (1989), película que además produjo. También participó en Matineé (1977), película que protagonizó junto a Manuel Ojeda. Hombre de izquierdas y de constante cuestionamiento a la hipocresía moral que tenemos como mexicanos, Bonilla aceptó ser un ladrón homosexual que se traza como gran objetivo asaltar la Basílica de Guadalupe. Nada menor aparecer en un filme así considerando lo conservadora y homófoba que es la sociedad. Actor que consideraba atractiva y fundamental la contradicción humana como motivación, El cumpleaños del perro (1975) fue una película en la que escarbó el machismo nacional y el feminicidio. Interpreta a un marido que no quiere estar casado y está harto de su esposa, por lo que decide asesinarla para ser libre. Sin duda, una de sus grandes cualidades y noblezas es que actuó para todos los públicos. Para él ninguno merecía menos que el otro.

Alonso Echánove (30 de noviembre)

Uno de los pocos actores con la gracia de tener un rostro que sin gesticular podía interpretar a un bonachón o a un tipo miserable. Tampoco requería de movimiento corporal excesivo para hacerse notar. Supo hacer de la acción del personaje en escena su gran cualidad. Basta recordarlo en Principio y fin (1993), de Arturo Ripstein. Tiene un pequeño papel pero crucial como Cariñoso, el mecánico que viola a Mireya y detonante para que ella se introduzca en la prostitución. Ganó dos premios Ariel. Uno fue por Mentiras piadosas (1989), de Arturo Ripstein, película en que interpreta al marchante que abandona a su esposa para vivir un nuevo romance que no resulta por culpa del remordimiento. El otro fue por Modelo antiguo (1992), filme en que interpreta al chofer de una solterona conductora de astrología que quiere darle uso al coche de herencia familiar antes de morir.

Ya adulto yo en ese momento, me sorprendió escuchar a un hombre de 65 años explorando junto a mí ese dolor, rencor, perdón y amor por sus progenitores. Fueron muchos años los que tardó en procesar los efectos traumáticos que trajeron consigo sus figuras paterna y materna. “¿Por qué hasta ahora?”, le pregunté. “Porque no es fácil”, me respondió. En ese instante no comprendí bien su respuesta. Pero luego de ver Los Fabelman, al salir de la sala, quise abrazar a mi viejo para decirle que hoy lo entiendo, que tuvo razón en decirme que no era sencillo. De igual forma le agradecí a su recuerdo por procurar mi infancia con la construcción de una sana imagen de mis abuelos. Esta fue la reflexión inmediata que dominó mi pensamiento tras haber visto la nueva película del señor Steven Spielberg.

¿Qué pasa en algunos hombres que deben esperar más de 50 años para confrontar al pasado e intentar sanar sus heridas o librarse de sus tormentos internos con plena aceptación de lo ocurrido en el ayer? Si lo aterrizamos en el ámbito cinematográfico, en el cine hemos visto haciéndolo a Roman Polanski con El pianista (2002), a Kenneth Branagh con Belfast (2021), a Paolo Sorrentino con Fue la mano de Dios (2021) y recientemente a Alejandro González Iñárritu con Bardo (2022).

De repente aparece también un cineasta como Spielberg para ofrecer una ficción de corte autobiográfico que bien puede dividirse en dos temas que en sí son uno mismo: el suceso familiar que lo marcó y la confirmación de que su pasión era su destino, entiéndase hacer cine. Estando bien en su matrimonio, sus padres lo aproximaron a la pantalla grande para revelarle, sin querer, una motivación de vida (ojo a la secuencia inicial). Estando mal en el matrimonio, sus padres lo acercaron todavía más al séptimo arte porque, sin querer, le permitieron conocer su propia sensibilidad para contar historias, entender a sus personajes y dirigir actores (ojo a la brutal secuencia en que Sam muestra la película familiar de la discordia a Mitzi en un armario).

Lo que narra en Los Fabelman no es para nada un spoiler o un estropeo. En el documental Spielberg (2017), de Susan Lacy, él mismo expresa lo difícil que fue la separación de sus padres porque la mamá se enamoró del mejor amigo del papá. Sin embargo, esa es la anécdota de lo que realmente fue importante en su ser y trascendió incluso a su filmografía. ¿Qué? Los sentimientos forjados hacia sus progenitores. Por ejemplo, lo refleja en la relación padre-hijo entre Indiana Jones (Harrison Ford) y Henry Jones (Sean Connery) en Indiana Jones y la última cruzada (1989), o la ausencia paterna con sensación de abandono en E.T. El Extraterrestre (1982).

Recrear o reinterpretar ese episodio de su adolescencia en Los Fabelman lo complementa o equilibra con el descubrimiento-reafirmación de su vocación como cineasta definida desde temprana edad. Lo que bien pudo ser un melodrama denso -dado el contexto de una separación y sus consecuencias-, Spielberg lo convierte en un entrañable homenaje al cine con humor, romance y un toque de aventura. Evitó para bien un tono lacrimógeno de sus dolores optando por compartirlos con sinceridad y sensibilidad amable, incluso conmovedora para retratar a sus padres, a quienes de alguna manera les externa un perdón con este tributo a ellos como los grandes personajes de su vida y que sin sus desavenencias maritales quizá no hubiera tenido más herramientas para convertirse en el realizador que es actualmente.

El contrapeso de esa fractura emocional son sus hermanas, amigos y compañeros de colegio, cómplices entrañables de su formación empírica como cineasta. A ellas y ellos también los involucra en este proyecto honrando su memoria solidaria, partícipe y creativa a lo largo del camino que fue abriéndose con su talento y capacidad detrás de cámaras. Ese desinteresado respaldo juvenil de sus entornos, Spielberg lo dimensiona como un abrazo fraternal que lo sostuvo en su crisis.

Como colofón está la extraordinaria secuencia final mediante la cual confirma que el cine es un refugio, el lugar más seguro que pudo hallar en su trayecto y, por si fuera poco, para el que nació. Es precisamente en dicho refugio donde Spielberg quiere abrirse y compartir con su estilo ese periodo que definió su vida y potenció su genio cinematográfico. El cierre de Los Fabelman es magistral no solamente por el personaje que aparece dando cátedra, sino por ser el elemento externo a los núcleos que sin intención colabora en la toma de decisiones trascendentales, tal como es el caso del porvenir (no por nada es metafórica la explicación del horizonte que da).

La fotografía de Janusz Kaminski juega un papel destacable. Para mostrar la ambivalencia del universo de Spielberg utiliza la cámara para hacer de la iluminación, los planos y movimientos una estructura de emociones. El rostro de Sam al editar; las aventuras de sus rodajes; los momentos en familia; la tensión con Mitzi al descubrir que ama a otro hombre. En cada situación, la cámara nos dice bastante (como cuando Sam presenta una película y vemos cómo su padre sale de cuadro para enfocar a Mitzi en alegría compartida con Bennie).

Spielberg eligió a Gabriel LaBelle para representarse en su adolescencia y el chico hace un trabajo notable. Michelle Williams interpreta a Mitzi, su madre, con una actuación que orilla a recriminar el poco reconocimiento que se le da a esta actriz en la actualidad. ¡Está estupenda! El padre es protagonizado por Paul Dano, quien hace un papel sobrio y contenido que le exige su personaje, lo cual es complejo si se considera la circunstancia que atraviesa en la trama.

Los Fabelman es una película que, además de permitirnos una aproximación al mundo de Spielberg, bien puede estimular la intención de voltear a ver a nuestros viejos e intentar comprender por qué callan y por qué por tanto tiempo. Es posiblemente también una invitación para hacer las paces con las figuras paterna o materna en caso de decisiones que nos hayan afectado como hijos, para reconciliarnos con su memoria si es que ya no hubo oportunidad de oírles.

Es este punto una de las aristas para reparar en una de las lecturas que ofrece Ella dijo, nuevo trabajo de María Schrader, directora de la serie Unorthodox (2020) y la película El hombre perfecto (2021). ¿Cómo se logra la confianza de esas víctimas? Porque no solamente importa la causa ajena, sino también la propia; el periodista hace suya la historia por distintos motivos personales que pueden no agradar a la otra parte. De igual manera importa el medio de publicación, y mucho, porque no es lo mismo creer en un periódico local a un periódico de circulación nacional con trascendencia internacional.

Ahora bien, ¿qué pasa cuando lo denunciable es una serie de abusos sexuales perpetrados por un poderoso hombre de Hollywood contra decenas de mujeres? ¿Por dónde y cómo logra entrar el periodista a nivel emocional a la vida de las víctimas para escarbar el dolor, vencer miedos y denunciar? Hay una escena que puede parecer mínima, sin embargo es relevante: Jodi Kantor (Zoe Kazan) le pregunta a su compañera Megan Twohey (Carey Mulligan) de qué forma obtiene la simpatía de los afectados y ésta le responde que diciéndoles la verdad, es decir, que no puede remediar lo pasado pero sí pueden influir juntos para que eso no vuelva a suceder y nadie más vuelva a padecer algo similar. Este breve diálogo es clave para comprender la cobertura periodística del caso que narra la película basada en hechos reales.

Jodi Kantor y Megan Twohey son dos reporteras del New York Times que escriben el reportaje acerca de los abusos sexuales cometidos por Harvey Weinstein en contra de muchas mujeres de la industria cinematográfica. Respaldadas por sus superiores y editores para llevar a cabo la investigación, ambas emprenden una laboriosa búsqueda de pruebas y testimonios para hacer públicos los delitos cometidos por el magnate y así las víctimas tengan posibilidad de justicia.

Una de las mujeres violentadas por Weinstein fue la actriz Ashley Judd, quien aceptó participar en esta película para representarse a sí misma en un plano metaficticio. La decisión de incluirla en este filme cobra el valor de un gran gesto con ella luego de que su carrera se viera afectada por negarse a las peticiones sexuales del productor, además de que fue la imagen de valentía para que otras mujeres violentadas se animaran a alzar la voz en el origen del movimiento Me Too en 2017.

A diferencia de otras películas sobre periodistas en el mundo de las redacciones, María Schrader aquí hace hincapié en dos detalles: la labor reporteril femenina y la vida familiar de las reporteras. Mientras que con los hombres se utiliza el cliché del cigarro, los tragos, café con donas, el desorden y un exceso de ansiedad o neurosis, aquí la directora se olvida de todo eso. En primera porque no lo necesita, y en segunda porque sus personajes tienen la opción de ser pulcros en todos los sentidos; su personalidad y forma de trabajar también son herramientas de honestidad y confianza para su labor.

Aproximarse a sus núcleos conformados por pareja e hijos es un recurso que funciona para generar empatía con las periodistas y dimensionar lo que ponen en juego o sacrifican al mismo tiempo que ejercen un oficio apasionante pero demandante como lo es el periodismo. Los temores, lágrimas y distanciamientos con los suyos son muestras de la fragilidad y situaciones que las reporteras de cualquier fuente enfrentan. No es menor esa observación de Schrader tomando en cuenta que en el presente existen propietarios de medios, directores y editores en jefe que se amparan en el precepto de que “la noticia nunca duerme” para invalidar la vida privada de su fuerza reporteril. En este sentido, ojo al trato y las pequeñas líneas que brinda Rebecca Corbett (Patricia Clarkson) a Jodi Kantor y Megan Twohey. Aparte de tener pleno entendimiento de que trabaja con personas, rompe con esa idea de que a gritos se hace periodismo.

Prestar atención al desempeño periodístico de Jodi y Megan es prestarle atención a las víctimas, quienes deben ser las verdaderas protagonistas de Ella dijo. La película bien puede interpretarse como una crónica de la investigación del caso con la salvedad de que no es periodismo sino cine lo que se está viendo. Y en lo cinematográfico, Schrader recurre a algo que han hecho directoras como Patricia Balderas Castro (Ahora que estamos juntas, 2022) y Carla Larrea (Por Magda, 2022). ¿Qué? No visibilizar ni darle mayor importancia al victimario, sino enfatizar como centro de atención a las víctimas. Aquí la realizadora lo hace mediante las reporteras, no obstante también con las mujeres afectadas. Y es que lo prioritario es la causa, que es no callar, así tenga quien tenga que caer, tal como pasó con Harvey Weinstein, actualmente en prisión.

Otro de sus grandes estrenos fue Bosé, serie que aborda la vida del músico español Miguel Bosé, un personaje que va más allá de la música al ser hijo del torero Luis Miguel Dominguín y la actriz Lucía Bosé. Recordemos que también es actor y ha aparecido en películas como Suspiria, de Darío Argento. Se convirtió en la serie más vista por el público en este 2022.

En cuanto a series de acción, la plataforma tiene a Tulsa King como su segundo gran hit. Es protagonizada por otra estrella consentida de los espectadores y el entretenimiento, Sylvester Stallone. Ahora interpreta a un capo de la mafia que decide construir un nuevo imperio luego de ser exiliado a Oklahoma.

El reality Acapulco Shore es la sensación de la audiencia juvenil. Con su décima temporada se posicionó como el cuarto contenido más visto en Paramount Plus. Superó a Halo, serie que en su primera temporada fue bien recibida por el público, lo que dio pauta para ser renovada con una segunda.

La película mexicana Corazonada también es un lanzamiento destacado de este año. Está basada en hechos reales de un suceso inédito y surrealista en la historia contemporánea de México. Cuenta la historia del fraude llevado a cabo por funcionarios del Melate en 2012 para hacerse de una suma de 160 millones de pesos.

Yellowstone, la serie número uno en Estados Unidos, está en el puesto número siete de las preferencias para los suscriptores de la plataforma. El éxito que ha tenido motivó a que haya una quinta temporada. La serie The Handmaid’s Tale ocupa el octavo sitio de lo más destacado. iCARLY y Rupaul’s Drag Race se posicionan en el noveno y décimo sitio respectivamente.

Los contenidos que van del puesto 11 al 20 son: Spongebob, Defex Caribe, Resistiré, Killing Eve, la franquicia Star Trek, Paw Patrol la película, Se rentan cuartos, Super Pumped, The First Lady, The Offer, South Park.

Las películas que aparecen en la lista de Spoiler ofrecieron también la oportunidad de ser conversadas. Y eso, la charla, es algo que se extrañó luego de los distanciamientos obligados por la pandemia. De los filmes que abonaron a las pláticas están los que nosotros consideramos relevantes por diferentes razones. Hubo títulos que se quedaron fuera, pero no quiere decir que sean malos. Simplemente elegir es renunciar, ¡y no se pueden elegir todas!

Huesera, de Michelle Garza Cervera

A través del género de terror, respaldada en un extraordinario trabajo de fotografía por parte de Nur Rubio Sherwell, la directora nos narra cómo vive su embarazo Valeria (Natalia Solián), una mujer que se ve amenazada por un ente esquelético mientras que todo truena a su alrededor. Los huesos del pollo, por ejemplo, truenan. Pero eso es el horror aparente de lo que en verdad asusta: la opresión tribal de la familia para tomar decisiones sobre su vida y la imposición de una maternidad tradicional, misma que cuestiona la realizadora con un gran trabajo cinematográfico.

Aquí la crítica

El norte sobre el vacío, de Alejandra Márquez Abella

Con inteligencia, mención aparte a los extraordinarios diálogos, el guion escrito por la directora en conjunto con Gabriel Nuncio recorre caminos arriesgados que obligan al espectador a jugar con la intriga y el asombro. En primera instancia parece que veremos un thriller sobre quién de la familia puede quedarse con la hacienda del señor Reynaldo (Gerardo Trejoluna), sin embargo después vemos que la trama apunta hacia otro lado con la aparición de hombres violentos que le exigen dinero a cambio de protección. Tampoco se puede dejar pasar la actuación de Paloma Petra.

Malintzin 17, de Mara y Eugenio Polgovsky

Este trabajo póstumo de Eugenio Polgovsky recorrió festivales a lo largo del año con buenos comentarios por parte de la crítica. No es para menos. Su sensibilidad para retratar y narrar la vida es perfectamente absorbida por su hermana Mara. Con una profunda sincronía emocional, ella viva y él fallecido, ambos crearon este documental que muestra el lado íntimo de la conexión amistosa entre el director y su pequeña hija al interior de su hogar, así como los días de una paloma cuyo nido construyó en el cableado eléctrico al exterior del departamento que habitaron.

Aquí la crítica

Las hostilidades, de Sebastián Molina

Mientras que la sociedad polariza sus posturas respecto al funcionamiento del Aeropuerto Internacional Felipe Ángeles, el director centra su atención en los habitantes de Santa Lucía, territorio donde se asienta la terminal aérea. Sin ser invasivo ni distante, Molina muestra a la población local siendo víctima de la violenta hostilidad que envuelve a esta región mexiquense olvidada por las autoridades. Más allá de pensar en aviones, se ocupan y preocupan de su supervivencia, mayor aún cuando son invisibles para el resto de la nación.

Aquí la crítica

Temporada de campo, de Isabel Vaca

La vida de campo es sinónimo de libertad, entusiasmo e ilusión para Bryan, un niño que crece entre la tradición vaquera de una ranchería mexicana. Sueña con ser el mejor vaquero y para ello aprende día tras día los trabajos que llevan a cabo sus mayores, a quienes contempla y respeta con admiración. Mediante la infancia de este pequeño, la directora nos aproxima a la niñez rural que se siente orgullosa de sus raíces y de los oficios que desempeña su gente cercana.

Aquí la crítica

Observar las aves, de Andrea Martínez Crowther

La directora recurre al falso documental para contar la historia de Lena (Bea Aaronson), una mujer que es diagnosticada con Alzheimer y pide la ayuda de Andrea (interpretada por la propia Martínez Crowther), directora de cine, para testimoniar la evolución de la enfermedad y su deterioro hasta perder la memoria. Esta obra puede apreciarse también como un ejercicio autobiográfico de la realizadora debido a que en la vida real afrontó y sobrellevó el Alzheimer junto a su madre.

Aquí la crítica

Un lugar llamado música, de Enrique M. Rizo

El reconocido compositor Philip Glass se siente atraído por escuchar y conocer a detalle la música de la comunidad Wixárika. Su deseo de acercarse a esos sonidos es cumplido cuando conoce a Daniel Medina, violinista de dicha población indígena. Ambos entablan una colaboración musical con recitales que comparten con público en Nueva York. Detrás de ese intercambio cultural a partir de instrumentos como el piano y el violín, se asoma una comprensión mutua por el valor espiritual y emocional que cada uno le da a la música en su relación con la vida.

Aquí la crítica

Zapatos rojos, de Carlos Eichelmann Kaiser

Tacho (Eustacio Ascacio) es un anciano hombre de campo, del campo más ignorado y menospreciado por los gobiernos. Un día recibe la noticia de que su hija fue asesinada y tiene que recoger el cadáver en Ciudad de México. Con ese dolor a cuestas emprende una travesía de burocracia e indolencia en una urbe que parece despreciar a una persona de la tercera edad y del ámbito rural. Damiana, una joven prostituta, es una mujer que lo trata con humanidad, y viceversa, en los instantes más lacerantes.

Aquí la crítica

Mal de ojo, de Isaac Ezban

Siendo un género tan menospreciado y poco agraciado por los productores para explotarlo, el terror se asomó con la propuesta de alguien que le sabe al asunto, tal es el caso de Ezban. Una cualidad de esta película, por la cual aparece en este listado, es el rescate de la tradición oral de aquellas historias que forman parte de nuestra sugestión respecto al horror. En este caso es llevada a un plano que además pone sobre la mesa el tema de los matriarcados tóxicos entre las propias mujeres.

Aquí la crítica

Pinocho, de Guillermo del Toro

La obra literaria de Carlo Collodi se la apropia el director mexicano para poner el sello de su autoría con esta versión a la que dota de cine clásico (como Frankenstein, de James Whale). Siendo una coproducción mexicoestadounidense, el talento nacional es de mencionarse por la calidad técnica de la animación desarrollada por el proyecto de El Taller de Chucho. De la mano y sensibilidad del realizador, las marionetas cobran vida para contar una historia que, entre varias reflexiones, comprende a la pérdida como un principio para vivir.

Aquí la crítica

50 (o dos ballenas se encuentran en la playa), de Jorge Cuchí

Tuvo su estreno comercial en este 2022. La ópera prima del director se concentra en el riesgo y peligro de los juegos virales entre la población juvenil. Bajo ese contexto apunta hacia los problemas que viven Elisa (Karla Coronado) y Félix (José Antonio Toledano), dos jóvenes decididos a cumplir el reto de suicidarse. Cada uno enfrenta conflictos internos y en sus hogares que los motivan a tomar con seriedad un juego nada divertido al mismo tiempo que el amor aparece en su camino.

Aquí la crítica

Dicho documental fue dirigido por Alberto Arnaut, quien en este 2022 vuelve con un nuevo trabajo que revela y denuncia la incapacidad, complicidad e inoperancia de las autoridades para investigar un caso, en esta ocasión el multihomicidio de Narvarte. Se trata de A plena luz, lanzado en Netflix. Este contenido muestra cómo los encargados de procurar e impartir justicia ocultaron información, perdieron pistas, actuaron con dolo e interfirieron para que no se supiera la verdad detrás de los crímenes de Nadia Vera, Yesenia Quiroz, Alejandra Negrete, Mile Martín y Rubén Espinosa.

En Spoiler platicamos con Alberto Arnaut sobre sus motivos para investigar de manera profunda la negligencia de las autoridades y su mal desempeño con intención de cerrar un caso que, de acuerdo a familiares de las víctimas y representantes legales, sigue abierto.

Entrevista con Alberto Arnaut, director de A plena luz

Alberto, ¿cómo surge la idea de poner el dedo en la llaga con el caso Narvarte? ¿Qué te motivó a prestar atención en esta herida?

En el momento en que ocurren los feminicidios y el homicidio de la Narvarte, yo vivía muy cerca del departamento. Por otra parte, me sentía muy identificado con Rubén Espinosa y Nadia Vera, un fotoperiodista y una activista que venían huyendo de la represión política de Javier Duarte en Veracruz. Me sentía cercano a ellos porque estábamos en las mismas luchas, tales como la exigencia de aparición con vida de los 43 normalistas de Ayotzinapa y la postura contra la reforma educativa de Enrique Peña Nieto. Sin embargo, de manera muy puntual, las luchas que nos unían eran las protestas contra el asesinato de periodistas y desapariciones forzadas.

Cuando sucedieron los crímenes sentí como si la muerte me tocara a la puerta, como si se acabara el mito de que la Ciudad de México era un lugar seguro para quienes huían de la violencia política y la violencia perpetrada por el narcotráfico. Teníamos la idea de que en la capital a lo mucho nos podían golpear o detener de manera arbitraria, pero no corríamos el riesgo de ser desaparecidos o asesinados.

Después de lo sucedido, activistas y periodistas que vivíamos en la ciudad comenzamos a tener mucho miedo. Nos reuníamos y llorábamos porque, tras ver lo que pasó con Nadia y Rubén, nos sentíamos vulnerables. Teníamos demasiado miedo. Eso fue lo que provocó que pusiera en mi mente la idea de hacer una película sobre lo que pasó en Narvarte, especialmente porque luego de haber hecho Hasta los dientes quería continuar indagando en heridas que nos competen como sociedad y las cuales no pueden quedar en el olvido.

¿Cómo venciste o enfrentaste ese miedo para iniciar la investigación? Te pregunto porque dado el contexto resulta difícil lanzarte a lo desconocido en aras de saber qué pasó.

Cuando iniciamos el proyecto no sabíamos bien a bien con qué nos íbamos a encontrar. Nosotros estábamos muy clavados con la premisa de que el asesinato de las cinco personas tenía que ver únicamente con el tema de la represión política en Veracruz. Sin embargo, en cuanto iniciamos a introducirnos en la investigación, notamos que habían otras aristas que tenían que ver con grupos criminales de la Ciudad de México, e incluso dentro de la Procuraduría.

Antes que cualquier otra cosa, lo primero que hicimos fue hablar con los representantes de las víctimas y posteriormente con los familiares de las víctimas. Para nosotros era muy importante que participaran las familias de las cinco personas asesinadas, que ninguna se quedara fuera. Para nuestra sorpresa, todo fluyó rápido y las cinco familias aceptaron de inmediato. Para que así fuera, se les preguntó si estaban de acuerdo en que se hiciera una película sobre el caso y si lo creían necesario. Consideraron que sí. Digamos que ese respaldo y decisión de las familias es lo que ayudó a vencer el miedo. Teníamos una causa para comprometernos.

Entonces solicitamos permiso para acceder a la averiguación previa que ni las propias familias ni los abogados conocían a profundidad. Acto seguido pedimos acceso a una serie de videos que poco a poco la fiscalía fue proporcionando a las familias y a los representantes legales. Conforme fuimos viendo lo que teníamos al alcance, nos dimos cuenta que no íbamos a poder acceder a la verdad porque la averiguación estaba mal hecha y muchos datos relevantes se extraviaron sin posibilidad de recuperarse. El trabajo hecho por las autoridades para la investigación del caso estaba dejándonos en claro que era imposible llegar a la verdad.

Por eso fue que decidimos contar los hechos del porqué no podemos saber hasta el momento qué fue lo que sucedió en la Narvarte y quiénes son las personas involucradas. La mala investigación que hizo la procuraduría no fue por incapacidad, sino por complicidad o encubrimiento de las autoridades respecto a los autores intelectuales del multihomicidio. Ya no solamente era un compromiso con las familias y la búsqueda de la verdad, sino con las propias víctimas y su memoria.

¿Cómo fue el trabajo de sensibilidad con las familias? Escarbar en su dolor no es fácil. ¿Cómo se logró ese proceso de generar una sensibilidad manifiesta y generosa entre familiares, abogados, peritos, equipo de investigación y tú?

Poco a poco fuimos agarrando confianza. Era un momento en el cual parecía que el caso estaba olvidado. Nos acercamos con suma honestidad y sinceridad a las familias. Fuimos claros desde el principio y lo percibieron. Eso ayudó a que fueran abriéndose y a ser partícipes.

Cuando empezamos a revisar la averiguación previa fuimos aportando elementos de interés a las familias, lo que detonó mayor participación e interés de su parte en contribuir con el documental. Esta conjunción nos solidarizó. También fuimos comulgando en parejo con la indignación de saber que las autoridades hicieron mal su trabajo, por lo que la exigencia de justicia se incrementó entre todos por igual. Pasamos del dolor al coraje, a la rabia.

Hay organizaciones y autoridades que menosprecian el dolor de las víctimas. Lo que no saben es que las víctimas tienen mayor claridad y mayor fortaleza emocional de lo que podemos creer. Pueden llegar a sorprender sus actitudes fuertes, valientes y decisivas. Eso lo descubrimos en cuanto fuimos aportándoles datos de nuestra investigación; las familias se empoderaron con la información brindada. Se volvieron más fuertes en sus reclamos de justicia.

Recientemente vimos el impacto y la trascendencia que puede tener un documental con Duda razonable, cuyo caso que plantea fue atraído por la Suprema Corte de Justicia. Con A plena luz vemos otro documental más que trasciende no solamente como un contenido, sino también como un manual sobre cómo actuar y proceder para buscar la verdad ante una investigación fallida por parte de las autoridades. ¿Puede ser el streaming, mediante la realización de documentales, un nuevo objeto de estudio para la búsqueda e impartición de justicia?

Presentimos que podíamos ayudar a poner más alto el nivel de investigación con este tipo de casos. Este documental en sí, no debió haber existido. ¿Por qué? Porque toda la investigación que hicimos a lo largo de cuatro años no era nuestra responsabilidad. Es algo que debieron haber hecho las autoridades desde un principio. Si las autoridades hubieran trabajado, los documentalistas y los periodistas no tendríamos que ser quienes demos confianza, respuestas y seguridad a las víctimas.

Con la llegada del streaming y sus plataformas, se abrió un recurso para dedicarle más tiempo a una investigación con mayor profundidad. Implica poner mayor esfuerzo a nuestras emociones, poner tiempo de nuestras vidas y concentrarnos de lleno en el caso a abordar para poner la vara más alta a las autoridades.

Si las autoridades fueran capaces de trabajar, los documentales no tendrían que ocupar su lugar. Pero ellos así lo han querido. Existe una pereza institucional que plantea que los casos no se tienen que resolver bien, sino rápido. Eso a la larga termina siendo más lento. Como lo hacen mal desde el comienzo, acumulan error tras error que al final les impide llegar siquiera a conclusiones.

Ante el documental que mencionas, Duda razonable, y este de A plena luz, una reflexión inmediata que hago es la invitación para que estudiantes universitarios y adolescentes con intenciones de estudiar una carrera profesional opten por meterse al análisis forense, que se dediquen a este tipo de materias olvidadas en nuestro país pero que son vitales para la búsqueda de justicia. En este sentido, este tipo de contenidos bien pueden funcionar para replantear planes de estudios en ciertas carreras allegadas a investigar y esclarecer crímenes.

En sus testimonios, la madre de Yesenia Quiroz hace hincapié en un aspecto fundamental. Me refiero a cuando menciona que no le importa si su hija eligió o no el trabajo del servicio sexual y que haya ejercido o no la prostitución nadie tenía derecho de asesinarla. Y tiene razón. A la figura de la prostituta en este país se le considera nada, poca cosa, y las autoridades tienden a estigmatizarla como provocadora de un crimen. ¿Por qué decidiste incluir o dejar en edición esa observación que es muy puntual?

Las autoridades a eso apelan. Cuando estigmatizan o criminalizan a una víctima, lo primero que quieren quitarles es el apoyo social a la causa. Construyen la narrativa de que son malas, o que en algo malo andaban, y son personas moralmente reprobables que merecen morir. Desgraciadamente un sector de la sociedad cae en esa trampa, se compra la idea de lo negativo antes de cuestionar otras cosas. Somos una sociedad conservadora y, por ende, todo aquello que no encaja con lo moralmente aceptado es descalificado de inmediato.

También existe la falsa idea o creencia de que al no pertenecer a un rubro estigmatizado por las autoridades nada nos va a pasar. Y no hay nada más falso que eso. Puedes ser una persona que moralmente cumpla con el perfil y se comporte como un ejemplo, pero de igual manera eres propensa a que el día menos pensado alguien acabe tu vida porque sí, ya sea por un asalto, un ataque de furia o una bala perdida.

Este tema del trabajo sexual se tocaba con pinzas, casi no se comentaba. Fue tratado con mucho recelo porque era muy delicado. No se nombraba explícitamente incluso por las propias autoridades que construyeron los estigmas. Sin embargo, la mamá de Yesenia dio un fuerte golpe y pidió dignidad hacia su hija al comentar que aunque fuera cierto que se prostituyera, no merecía ser asesinada. Consideramos pertinente respetar su voz, su sentimiento, porque no se nos olvide que también hablamos de un feminicidio. No podíamos ni debíamos dejar de matizar eso en un país donde día tras día se asesinan mujeres.

Alberto, finalmente te quiero preguntar sobre el tiempo. Los hechos ocurrieron en 2015 y este documental llega en 2022. ¿Qué cambios sientes en la sociedad en estos siete años respecto a su interés o empatía con este caso y con la búsqueda de justicia en general?

Ha habido cambios políticos, pero la sociedad sigue siendo la misma. Tenemos los mismos problemas, los mismos prejuicios, las mismas autoridades y las mismas instituciones que son cómplices de los victimarios. Lo ocurrido en el caso Narvarte pudo haber pasado ayer mismo, no ha cambiado nada. Es imposible dejar de pensar en que algo así vuelva a suceder.

La estructura social de sociedad-autoridades-crímenes continúa estando igual. Seguimos viviendo situaciones de vulnerabilidad por ser mujeres, por ser jóvenes, por ser homosexuales, por ser estudiantes, por ser periodistas, activistas, trabajadores sexuales, gente humilde. Cualquier característica que tengamos es sinónimo de vulnerabilidad para ser asesinados en este país. Triste pero cierto: no hemos avanzado nada.

Esta serie se basa en su vida, o mejor dicho en su adolescencia como una chica originaria de Xochimilco, una de las alcaldías de Ciudad de México. El título del contenido hace alusión a un tradicional concurso juvenil femenil de la demarcación que representa, pero la serie no se enfoca únicamente en ese tema.

Si bien aborda un pasado basado en la etapa adolescente de Michelle Rodríguez, la serie plantea temáticas concernientes a la juventud actual. Y eso es algo de sumo valor para la creación de esta historia. Que sean los jóvenes sus protagonistas, teniendo como sitio de la trama a una demarcación pocas veces retratada en producciones audiovisuales, esa vital para la propia Michelle.

En Spoiler platicamos con ella acerca de las motivaciones que hubo detrás de La flor más bella, así como de la identidad y el sentido de pertenencia que tiene con Xochimilco como un lugar que denomina “mágico”.

Entrevista con Michelle Rodríguez, creadora de La flor más bella

En esta serie de corte autobiográfico para ti, un elemento indispensable es Xochimilco. En este sentido, Ciudad de México también nos ofrece historias así surgidas de su propia realidad.

Cuando me hicieron la propuesta para contar la historia de mi vida, lo primero que hice fue platicar dónde y cómo crecí. Eso les maravilló. A partir de ahí decidimos hacer de Xochimilco un personaje más de esta serie.

Creo que mostrar a una joven que desea comerse al mundo y proviene de una realidad distinta a la vorágine de la ciudad, me parece brutalmente hermoso para mostrar al mundo. Si algo nos identifica a los mexicanos hacia el exterior es nuestra cultura, nuestras tradiciones. Que la protagonista quiera ser quien es presumiendo su lugar de origen, me resultaba algo importante de transmitir.

Es un Xochimilco de colores, un Xochimilco que va más allá de la borrachera y el cotorreo en las trajineras. Gran parte de lo que soy actualmente tiene que ver con el Xochimilco en que crecí, justo el Xochimilco que mostramos.

Xochimilco es un lugar que tiene su propia cosmogonía, una identidad. Como dices, va más allá de las trajineras.

En la serie, por ejemplo, aparecen dos ajolotes, que son especies endémicas. A veces se nos olvida lo maravilloso que puede ser nuestra alcaldía. nuestra ciudad, o nuestra colonia. En la medida que aprendamos a valorar nuestros entornos también reconoceremos quiénes somos.

Respecto a La flor más bella, el origen del nombre tiene que ver con el concurso típico de Xochimilco que se lleva a cabo desde hace 200 años, el de la flor más bella del ejido. Este concurso actualmente se ha convertido en un foro de expresión para las mujeres jóvenes de la comunidad. Por eso creo que si esta serie funciona para que una joven agarre un micrófono y se exprese ante su pueblo, o ante su comunidad, sea o no Xochimilco, es una buena oportunidad de escuchar a nuestras mujeres.

Además Xochimilco tiene la particularidad de ser todavía pueblo, es decir, conserva y preserva espacios no urbanizados. Eso también forma parte de la identidad que caracteriza al universo de Michelle (Esmeralda Soto).

¡Sí! ¡Un pueblo tradicional! Hay una identidad especial incluso con la lengua porque actualmente hay muchas niñas que todavía hablan náhuatl. Estas niñas se sienten comprometidas con la tradición oral. También hay niñas que aprenden a bordar sus trajes y ataderas porque desde pequeñas absorben una educación social que les muestra la importancia de un evento como la flor más bella del ejido. No se trata de un concurso para mostrar la belleza física de una mujer joven, sino su compromiso con una comunidad.

Al tomar un micrófono y dar un discurso, la ganadora manifiesta cuál es su visión de vida y eso permite saber cómo está la juventud femenina. Pronunciar esas palabras con un atuendo representativo y originario significa una comunión con la identidad, con el origen y la tradición de miles de mujeres que le han dado valor al arte del bordado desde mucho tiempo atrás.

No estamos acostumbrados a reconocer quiénes somos. Se nos dice quiénes debemos ser, pero en cuanto empezamos a identificar cómo somos, quiénes vienen detrás de nosotros y cuál es nuestra cultura, nos hacemos infinitamente ricos. Las diferencias son las que nos hacen ricos. Me pone feliz mostrar que en la ciudad tenemos esas tradiciones.

Con La flor más bella llega un contenido que altera el orden de lo establecido para bien. Me refiero a la ruptura de esquemas sobre estereotipos femeninos, en este caso con una trama de corte juvenil.

De entrada, no debería existir ese esquema, esos estereotipos. Soy una mujer que como niña creció en Xochimilco y vio la televisión de los noventa. Nunca me vi representada en esa televisión noventera, nunca vi una mujer como yo. Eso me hizo creer que yo no podía ser parte de esta industria.

Me siento contenta de que me toque abrir esas puertas, de ser inspiración para niñas y poder contar una narrativa que se enfoca en el hecho de ser, de existir, no del cómo te ves. No estamos cuestionando a nadie en su apariencia y sí estamos proponiendo a una protagonista que puede ser cualquiera de nosotros en función de su naturaleza, de su personalidad, no de su imagen. Michelle nos invita a ser quienes somos y comernos el mundo.

Desde siempre a los jóvenes se les ve y se les trata como estorbos. Se les maltrata en todos los sentidos, desde menospreciarlo por sus gustos musicales hasta por la elección de carrera. En la actualidad es más visible esa situación. La serie ofrece una visión distinta que dignifica a esa edad adolescente y juvenil.

Es la serie que a mí me hubiera gustado ver cuando era chiquita. En La flor más bella vemos a jóvenes con poder de decisión. Eso es algo que muchos no nos lo enseñaron. Nadie nos enseñó a confiar en nosotros y decir “sí puedo”, “lo voy a intentar”. Por el contrario, pertenecemos a una cultura que nos ha inculcado a agachar la cabeza y a no reconocer nuestros logros, como si estuviera mal validar los buenos resultados de nuestros esfuerzos. Y si alguien lo hace, lo tratamos mal.

¿Qué pasa cuando somos capaces de reconocer nuestros logros? Ganamos confianza, nos sentimos mejor y se genera amor propio. Durante el rodaje descubrí que los actores jóvenes no solamente están ávidos de ver este tipo de historias, sino también de contarlas. La sensibilidad que poseen las actrices y los actores del reparto es maravillosa, admirable. Fueron ellos quienes desde un principio propusieron que sus personajes fueran vulnerables, no estereotípicos. Que estos jóvenes hayan puesto sobre la mesa reflexiones acerca de lo que sufren, se cuestionan y confunde a gente de su edad, me motiva a pensar que tendremos un futuro más empático. Y es la empatía lo que mucho nos hace falta.

Michelle, no solamente eres la base de este proyecto, sino que también eres una actriz con una profunda sensibilidad para entender a la sociedad. Y eso se nota en tu trabajo actoral. En Te llevo conmigo das muestra de ello con un pequeño gran detalle: Tu personaje abandona su intento por cruzar al otro lado debido a cansancio y agotamiento. Nos mostraste un factor que sufren o pueden padecer las mujeres migrantes por su físico, su salud o su organismo. Lees muy bien las complejidades de las historias en que participas.

Eso va haciendo que la vida sea tan maravillosa. Hubo una época en que descubrí que me fascinaba vivir, en que me maravillaba la vida. Pero después me di cuenta que las oportunidades no eran las mismas para todos, sin embargo yo quería caber. Fue así que comencé a fijarme en las pequeñas cosas, en cuestionarme cómo ser un eje de cambio. Lo hice para sobrevivir, para sentirme bien conmigo misma. Esas oportunidades había que buscarlas.

Empecé a hacerlo desde donde sé, el amor. Eso fue lo que me enseñaron en casa. Si eso implicaba tener más trabajo, adelante. Si eso lograba abrir una puerta, adelante. Ahora veo que esa labor y ese esfuerzo han valido la pena. Sigo sin creer que una serie basada en mi vida sea del interés del público. Ahora bien, si La flor más bella genera que una chica o un chico se sienta bien y se anime a intentar algo que le entusiasme, me vuelvo loca de la felicidad.

Si nos tomamos tiempo de observar y escuchar otras realidades, notaremos que hay situaciones complejas con las cuales nos sentimos identificados. Lo importante no es quedarse inmóvil o ser indiferente, sino pensar una manera de contribuir a un cambio.

La flor más bella además muestra que en la Ciudad de México existen otras zonas para contar historias, no las mismas de siempre.

Donde aparte pueden existir historias así con gente así. Nos compramos tanto la idea del deber ser y olvidamos lo que somos. Crecí en una época en la cual la televisión nos dictó cómo tenía que ser la mujer y cuáles eran las historias que debían contarse con ese perfil. Por suerte, la vida me enseñó que no es así y que personas como yo también podemos contar historias, que también somos historias.

Por otra parte, Xochimilco es una de las alcaldías en Ciudad de México que se sostienen en sus tradiciones y en el trabajo con la tierra. Pero pasa que se les concibe o trata como si estuvieran marginadas, como si tuvieran una especie de atraso. No se les da el valor que merecen. Xochimilco, por ejemplo, durante la pandemia abasteció a muchos restaurantes gracias a que la chinampa sacó todo el producto de hortalizas y se continuó trabajando la tierra. Es cuestión de detenerse a apreciar los pequeños detalles para darse cuenta de lo maravillosa que puede ser una zona de la ciudad que quizá no es percibida como estrechamente urbana.

Con Terminator (1984), Aliens: El regreso (1986) y El abismo (1989) se dio a conocer como un propositivo cineasta dentro del sci-fi. Posteriormente incursionó en la acción con Mentiras verdaderas (1994) y el melodrama romántico con Titanic (1997). Esa exploración por distintos géneros le dio confianza para retornar a la ciencia ficción mediante la animación con un proyecto sumamente ambicioso, Avatar (2009).

Avatar se convirtió en un éxito taquillero con 2,922 millones de dólares recaudados. Durante su exhibición en México tuvo una gran aceptación, consolidándose incluso como una obra que marcó a una nueva generación del siglo XXI. Como cualquier película, porque así es el cine, también tuvo sus detractores. De hecho, críticos consideran que es muchísimo mejor Avatar: The Way of Water.

Con esta nueva entrega, reflexiones de la prensa cinematográfica indican que James Cameron hace una llamada de atención sobre la manera en que el hombre destruye a la naturaleza y sus especies para transformar la convivencia entre las partes en una relación perjudicial. En este sentido, los Na’Vi son interpretados como un modelo a seguir por la protección y respeto que tienen de Pandora, un sitio habitable amenazado por corporaciones del exterior.

Avatar: The Way of Water es protagonizada por Sam Worthington, Zoe Saldaña, Stephen Lang, Sigourney Weaver, Kate Winslet, CCH Pounder y Edie Falco, entre otros. La película llegará a los cines de México este 14 de diciembre en preestreno y 15 de diciembre como estreno.

¿Dónde ver Avatar: The Way of Water?

Cinépolis y Cinemex, las dos grandes cadenas exhibirán la película en sus diferentes complejos y tipo de salas. Otra de las cadenas que la tendrá en exhibición es Cinedot, este nuevo modelo de cine a precios populares que tiene cuatro complejos: Azcapotzalco, Coacalco, Los Reyes y IMAX Toluca.

Fue el 31 de julio de 2015 cuando se informó que en un departamento de la calle Luz Saviñón, colonia Narvarte, fueron asesinadas cinco personas: Nadia Vera, Yesenia Quiroz, Alejandra Negrete, Mile Martín y Rubén Espinosa. A partir de ese momento, la tragedia comenzó a nombrarse como “el multihomicidio de Narvarte” en el plano mediático. De igual forma fue el inicio de una cobertura muy amarillista por parte de la prensa. No de toda, pero sí de una mayoría, principalmente de los grandes medios de comunicación.

Dicho amarillismo tuvo su detonante en la construcción de líneas de investigación irreales, confusas y presurosas por parte de las autoridades para apaciguar el ánimo social ante la exigencia del esclarecimiento de los crímenes. Se manejó la indolente información de que los homicidios se derivaron por vínculos con el crimen organizado y se estigmatizó a las víctimas con el eterno recurso policiaco de culpar a quienes ya no pueden defenderse, es decir, adjudicarles nexos con drogas, alcohol y sexo.

En el documental, Indira Alfaro, madre de Yesenia Quiroz, agradece que el fotoperiodista Rubén Espinosa haya estado en el departamento porque es una pieza clave para entender que las autoridades mintieron desde un principio y porque es el eje para desmenuzar aquello que han hecho mal los encargados de procurar e impartir justicia. ¡Y que no es poca cosa! Destruyeron evidencia, ignoraron pistas, fabricaron narrativas, cometieron negligencia en la investigación e intentaron dar por cerrado el caso sin siquiera haber investigado a fondo lo sucedido. Peor todavía, ocultaron la verdad.

Esa verdad oculta es el punto de partida para que Alberto Arnaut y un extraordinario equipo de investigación pusieran manos a la obra para hacer lo que se supone debieron haber hecho las autoridades capitalinas encabezadas por Miguel Ángel Mancera en su calidad de Jefe de Gobierno de CDMX y Rodolfo Ríos como procurador. ¿Qué? Indagar qué motivó los homicidios.

“Este documental no debería existir. Si lo hicimos es porque las autoridades, quienes son las obligadas para esclarecer los hechos, no hicieron nada. No solamente no hicieron nada, sino que además trataron mal a las víctimas y a sus familias ocultando información valiosa e ignorando elementos fundamentales para crear líneas de investigación serias, profundas y comprometidas”, comentó el director Alberto Arnaut en entrevista con Spoiler.

De la mano de abogados especialistas, defensores de derechos humanos, peritos y forenses, Arnaut y su equipo ahondan en el enorme vacío de procuración de justicia para dotar de dignidad a las víctimas, confrontar la versión oficial de las autoridades a partir de indagatorias responsables, evidenciar la incapacidad y dolo de funcionarios públicos en el caso, así como ponerle rostro y nombre a involucrados directos en el macabro entramado, tales como Javier Duarte de Ochoa, exgobernador de Veracruz, y Arturo Bermúdez Zurita, exsecretario de Seguridad Pública durante la gestión de Duarte.

A diferencia de otros documentales que abordan casos criminales, A plena luz procura respeto a Nadia Vera, Yesenia Quiroz, Alejandra Negrete, Mile Martín y Rubén Espinosa al no mostrar imágenes de sus cadáveres, ni postales reales cargadas de violencia sobre los homicidios. Sostenido en una propuesta de performance, la recreación de hechos se inclina por dar al público una interpretación pericial de lo que aconteció en el departamento de la Narvarte.

“Las autoridades pensaron que al tener tres detenidos esto se había acabado. No nos convencieron y estamos demostrando que nos mintieron siempre y le mintieron a la sociedad. Y la sociedad pensó que ellos cinco eran desechables, y no son desechables. Tenían una vida y no hacían ningún daño a nadie”, dijo Indira Alfaro durante la proyección del documental en la Cineteca Nacional.

A plena luz, tal como han manifestado familiares de las víctimas, es una invitación a la indignación y a no olvidar. Asimismo es un recordatorio de empatía desde detalles como dejar de llamarle “la empleada doméstica” a Alejandra Negrete hasta reflexionar sobre lo expuestos e ignorados que estamos como sociedad para las autoridades. Se trata de un trabajo que, en efecto, despierta indignación.

Chicos y grandes acudieron a las salas con muchas expectativas sobre esta versión del realizador mexicano. Les llamó la atención el tráiler, la información que se publicó sobre su paso por festivales, así como el simple hecho de ser una obra de Guillermo del Toro, un director querido y admirado por la gente. Sus ilusiones fueron recompensadas con creces, incluso con situaciones inesperadas.

En la Cineteca Nacional, el público aplaudió. Varios espectadores abandonaron la sala frotándose los ojos y moqueando. Hubo quienes de inmediato comenzaron a expresar su sentir con sus acompañantes. “Márcale, aquí estoy contigo”, le dijo un joven a su novia, una chica que terminó de ver la película con un fuerte deseo de llamar a su papá y decirle únicamente que lo amaba. Y eso hizo. La llamada se extendió mientras caminó hacia la zona de taquillas. Su pareja, en tanto, atestiguó a la distancia esa escena, respetando ese instante.

¿Qué tiene Pinocho para causar eso? ¿Por qué hay personas que se quiebran para bien? Distintas respuestas.“No se trata nada más de una historia bonita y bien contada. Me parece que nos habla a muchos adultos sobre cosas que no tenemos solucionadas con nuestros padres o con nuestros hijos. En lo particular, creo que me llegó más porque en la pandemia aprendí a valorar precisamente a los míos, sobre todo a los que se fueron”, compartió para Spoiler un espectador que acudió a la Cineteca Nacional junto a su esposa y no pudieron ocultar su lagrimeo.

Al finalizar una de las funciones en Cinemanía, un padre que iba acompañado de su hijo adolescente rompió en llanto. Tardó en incorporarse de su asiento porque se enjugó sus lágrimas. Ese momento fue aprovechado por el chico para preguntarle qué pasaba. Poniéndose en cuclillas, el joven escuchó a su padre contándole algo al oído y segundos después se abrazaron fuertemente. El señor era el vivo retrato de una persona sacudida a la que al parecer le hacía falta llorar, postal así percibida por el asombro y reacción de sorpresa que tuvo el hijo al cuestionar “Papá, ¿por qué lloras?” tras verlo conmovido.

Pero ese hombre no fue el único en llorar. En esa misma función, una madre llevó a sus dos hijos. En cuanto aparecieron los créditos finales, la mujer se rompió en un lloriqueo contenido. Al ser cuestionada por el más pequeño acerca de su sentimiento, ella respondió que no sabía el motivo para ponerse así, pero que Pinocho le pareció hermosa. Dicho motivo es probable que continúe procesándolo y, sin proponérselo, esa mamá le obsequió a sus hijos la imagen materializada de lo que es el cine.

¿Generará ese mismo fenómeno viéndose desde la sala del hogar? Quién sabe. Lo cierto es que algo o bastante tienen la pantalla grande y la sala oscura para provocar eso. Una posibilidad que cobra mayor relevancia cuando se tiene como cómplices a una película que como obra exige atender nuestro interior y a la propia experiencia de vida que el público anida en lo profundo de su ser. De esta manera, además de impulsar la animación mexicana, Guillermo del Toro le regaló a los espectadores la opción de llorar.

Pero el camino del joven Máximo no es tan sencillo ante las vicisitudes que se le presentan en el ámbito laboral dentro de Las Colinas, en el plano amoroso con Isabel (Gabriela Milla) y principalmente en el rubro familiar con su madre Nora (Vanessa Bauche) y su hermana Sara (Regina Reynoso).

En el marco de ese camino del personaje pueden apreciarse temáticas como la atención en el núcleo familiar y la amistad. Para hablar de eso, así como de la decisión de hacer capítulos de breve duración, el director Austin Winsberg aceptó la entrevista con Spoiler.

Entrevista con Austin Winsberg, director de Acapulco

Uno de los temas que aborda la segunda temporada es la familia, sobre todo con la figura de Máximo, tanto en su juventud como en su vida adulta. ¿Cuál fue el valor que se le quiso dar en el guion?

En el caso concreto de Máximo, la familia es fundamental para él. Hay un valor especial con su personaje porque él ama a los suyos y especialmente porque él asume la responsabilidad de su mamá y su hermana. Tras la ausencia del padre, él se adjudica ese compromiso con ellas para sacarlas adelante y debe lidiar con los problemas que cada una enfrenta (el rechazo de una mamá religiosa hacia la homosexualidad de su hija). Máximo también siente culpa y tiene sentimientos encontrados porque no quiere fallarles mientras desea hacer su propia vida.

En contraste vemos a la familia de Isabel, que es una familia grande, unida, y que tienen amor por su restaurante. Pero es un formato familiar que le agrada a Máximo y lo recibe bien. Estos contrastes que él tiene definen en cierta medida la visión de familia que tendrá a futuro.

Otro aspecto que maneja con claridad Acapulco en su segunda temporada es la amistad. ¿Por qué dársele peso a este detalle?

Creo que la amistad es muy importante en todo momento y en una infinidad de veces. Los amigos son la familia que uno elige, que uno crea, y está contigo tanto en las buenas como en las malas. Máximo y Memo, por ejemplo, son grandes amigos que han de trascender este vínculo por el resto de sus días.

Era interesante para esta serie incluir el tema de la amistad porque la propia historia y sus personajes lo demandan. No todo tiene que mostrar una enemistad o apatía entre algunos integrantes de la trama. Por el contrario, Chad o Héctor también son personajes que se prestan a ser amistosos. Más bien, los conflictos pueden ser de otra naturaleza. Estos conflictos pueden propiciar la construcción de lazos o intervenciones como las que pueden darse en la vida real.

En mi opinión, una de las cualidades que posee la serie es la duración que tienen los episodios. Son capítulos breves no mayores de 30 minutos. ¿Qué tan fácil o difícil es trabajar para esa duración?

Es un formato que me agrada porque trabajas con ideas específicas, muy concretas. Claro, eso implica ser más riguroso y perfeccionista con el contenido. Pero eso genera la ventaja de que entregas un producto y un show de gran nivel. Por otra parte, al público le ofreces un entretenimiento digerible, ameno y breve que le resulta una grata experiencia.

¿Qué fue para ti como director trabajar con talento mexicano como Damián Alcázar, Vanessa Bauche, Eugenio Derbez?

Estoy fascinado, fascinado. Me siento afortunado de haber encontrado al reparto mexicano de Acapulco porque era indispensable que hablaran español e inglés y además tuvieran experiencia con la comedia y el drama. Cada uno de ellos fue maravilloso y me hizo conectar de inmediato con su trabajo. Fue gratificante que se acoplaran bastante bien con otros miembros del elenco que provienen de distintos países y son más jóvenes. Realmente estoy encantado con el profesionalismo en todo momento.

No se trata del típico Papá Noel envejecido, enternecedor y bonachón que puede asociarse a Tim Allen en The Santa Clause (1994), Richard Attenborough en Miracle on 34th Street (1994) o John Goodman en The Year Without a Santa Claus (2006). Por el contrario, dado que así se lo demanda el guion, Harbour construye un Santa Claus violento pero simpático que fusiona la mitología nórdica, el desparpajo etílico de Homero Simpson, la acción de Bruce Willis y el aparente desencanto de los policías corruptos que interpretó en el pasado.

La violencia que toma posesión de su persona no nace de la nada. Se ve forzado a hacer uso de ella para salvar la navidad y a una familia en peligro de muerte a manos de un Scrooge sin escrúpulos, fuera de sus cabales y capaz de matar a quien sea. Este enemigo del espíritu navideño y amante de la ambición es interpretado por John Leguizamo, quien se desenvuelve más como el líder de una pandilla del Bronx que como el clásico anciano egoísta escrito por Charles Dickens.

Sin embargo, aunque se vea obligado a emplearla, Santa Claus tiene cierta fascinación por la violencia. Para ello se justifica en sus memorias, mismas que son mostradas de manera esporádica, aunque muy presentes con la aparición de un enorme mazo o martillo que se liga al origen vikingo que se le adjudica en la historia.

Para quienes poseen personalidad grinch o no son tan afectos a la parafernalia y emotividad que envuelve a la época navideña, Noche sin paz es una opción de entretenimiento que se agradece por irrumpir en la cursilería que distingue a muchas películas sobre esta temática. No obstante, el discurso final se mantiene en esa tradición cinematográfica estadounidense de brindar un mensaje esperanzador con filmes de historias decembrinas.

Los huecos e infortunios que puede tener la película por algunos lapsos, mismos que parecen forzados para introducir humor, pasan de largo gracias a David Harbour. Con su simpatía e irreverencia hacia ese disfraz inmaculado de Santa Claus, sobre todo en la secuencia que en la cual muestra su lado asesino contra un comando, hace ameno el contenido. Vaya, es una buena alternativa dominguera para disfrutar las palomitas.

Esa misma oportunidad se la otorga a los adultos que quizá se han detenido poco para explorar su propio interior con temas como la figura paterna, inquietud abordada por el director en títulos como El espinazo del diablo (ausencia), El laberinto del fauno (sustitución con un padrastro) y El callejón de las almas perdidas (vicios hereditarios). En esta ocasión, el realizador concentra su interés por el padre autoritario y egoísta, perfil que se puede apreciar tanto en Gepetto como en el comisario Podesta pese a que son hombres muy distintos.

Asimismo centra su atención en la pérdida, ese instante crucial en todo individuo ya sea esperado o repentino, pero igual de temido. Es natural que el ser humano tenga miedo a que algo se termine, principalmente la vida. Se le teme a la muerte, a que muera alguien que amamos. También se le teme a no cumplir expectativas impuestas por alguien más y eso orille a que el amor que siente esa persona por nosotros desaparezca para siempre. Pero, ¿qué sucede cuando se pierde algo? Surge un comienzo, una obligada reinvención que se presenta como alternativa para volver a empezar con o sin el dolor de lo que implica la pérdida. No es fácil. Sin embargo, tal como se lo dice Gepetto a su hijo Carlo, la paciencia trae consigo resultados favorables.

Y para aprender a ser paciente hay que perder, se quiera o no. Dicho aprendizaje no es de un día a otro. Conlleva un recorrido de buenos y malos momentos trazados por el impulso y la acción reaccionaria, tal como lo hace Pinocho, un muñeco de madera que se humaniza desde la construcción de vínculos, pasando por la desobediencia, hasta su temeraria decisión de exigir la mortalidad a sabiendas de lo que implica la fatalidad irreparable de la condición humana.

La humanización de Pinocho demanda confrontación con la autoridad, que en este caso es representada por Gepetto (el padre al que le hace saber que no hay un porqué para imponer un destino que no le corresponde, es decir, el de ser una extensión de Carlo), por Podesta (un representante del fascismo empeñado en adoctrinar a los menores con disciplina militar como si fueran seres insensibles, lo que puede traducirse actualmente en ideologías religiosas o políticas) y el conde Volpe (el dueño malvado del show de variedades al que enfrenta por explotación laboral y maltrato animal). En este sentido, el Pinocho de Guillermo Del Toro es distinto al que se nos mostró de niños, incluso al de Robert Zemeckis, porque no se dedica solamente a obedecer y ser atormentado por decir mentiras. Es también un chico inquieto y que inquieta con base en la inherente experimentación que trae consigo la búsqueda de uno mismo ante la ausencia o distancia con un origen.

El relato de Guillermo del Toro encuentra en un extraordinario trabajo técnico y artístico al gran aliado para tocar fibras sensibles del público. Por tal motivo es meritorio reconocer a El taller de Chucho, proyecto nacional que visibiliza y pone en el mapa internacional la calidad de la animación mexicana.

Pinocho es mucho más que el muñeco de madera que suple al hijo de un anciano aferrado en mantener con vida al hijo fallecido. Tampoco es ese ente que requiera de ser supervisado por un grillo racional para limitar sus conductas. Pinocho es inocencia y madurez, un suave y duro golpe para comprender que la pérdida es el principio de la vida. Para confirmarlo es destacable la forma con que Guillermo del Toro introduce y conduce al espectador en ese trayecto. Por ejemplo, con los acordes musicales que se escuchan hacia la parte final, haciéndonos recordar y sentir la música de El laberinto del fauno; la transición de la sustitución paterna al consciente desprendimiento del padre. El camino de este muñeco de madera es probablemente el camino del director para hallarse a sí mismo entre la pérdida, el amor y el dolor para hacer lo que le gusta y sabe hacer en el cine. O en otras palabras, vivir.

Trinidad es un poeta que nació el día que hizo erupción el volcán Chichonal en 1982 y tiene visiones de corte onírico sobre ese fenómeno que sepultó al antiguo poblado de Esquipulas Guayabal. Tras escucharlo, pobladores del lugar se motivan a emprender la búsqueda de las ruinas sepultadas.

Remover la tierra para hurgar en sus entrañas es un acto emocional ligado con la raíz, el origen y el pasado. Sin embargo, tan inherente al ser humano cuando emprende la marcha hacia la posibilidad de hallar riqueza u objetos de valor, la ambición también se asoma. Y se manifiesta a veces con sutileza a través de una mirada. La película tiene una escena hermosa en la cual dialogan dos hombres: uno cuenta de forma ingenua la existencia de una campana enterrada y el otro se entusiasma con imaginar ese tesoro mientras platica lo que aprendió con “maleantes” en prisión.

En esa pequeña conversación, que ocurre en un territorio donde el agua de la lluvia o un río armoniza con el fuego de una fogata o un cerillo para encender un cigarro, ambos sujetos dialogan con calma. En sus diferentes puntos de vista y expresiones ofrecen la visibilización de la contradicción que tenemos como individuos frente a circunstancias o situaciones que revelan nuestros impulsos y ponen a prueba nuestros pensamientos morales.

Previo a la expedición que habrá de ponerse en marcha, que conlleva la realización de rituales entrañables hacia el sitio que se habita encima de una población sepultada por un volcán, esos dos hombres fungen como metáfora de lo que son el agua y el fuego para los ejidatarios del Nuevo Guayabal, así como para el entorno natural de ese territorio en sí. El agua y el fuego son dos narradores silentes pero visibles de un descubrimiento del que además es partícipe el espectador.

Es un trabajo que remonta a la acción de sentarse frente al televisor un domingo por la mañana para ver alguno de los primeros títulos que transmitía la función de permanencia voluntaria de Canal 5. No se trata de un comentario despectivo. De hecho, todo lo contrario. Si algo debemos agradecerle a aquellas jornadas matutinas dominicales fue su contribución en formarnos como cinéfilos. Y eso se siente con esta película mexicana, es decir, respira creatividad y manufactura de un cinéfilo detrás.

El poderoso Victoria es una película de época situada en 1936. Se trata de una historia de aventuras cuya trama se centra en la cancelación de la ruta del ferrocarril que conecta al pueblo de La Esperanza con la civilización. Los pobladores no piensan quedarse de brazos cruzados ante la situación y se proponen crear su propio tren de vapor. Obvio, no será tan sencillo poner en práctica su plan porque hay situaciones y villanos que se interponen en el camino.

Con una extraordinaria calidad visual, la película tiene un solo objetivo: brindarle al espectador un buen rato. No busca más. Ni lo necesita. Posee un espíritu de entretenimiento puro pero de excelente hechura. En ese sentido, se olfatea una admiración particular del director y guionista Raúl Ramón por cineastas como Steven Spielberg y Richard Donner, dos realizadores que supieron entretener a las generaciones infantiles, adolescentes y adultas de distintas décadas con títulos catalogados y denostados incluso como “cine comercial”. Sin embargo, dicha etiqueta no sirve de nada en realidad, menos aún cuando filmes como Tiburón (1975), E.T. El extraterrestre (1982), Los Goonies (1985), El hechizo de Aquila (1985) y Arma mortal (1987) introdujeron a miles de personas en el gusto por aproximarse al cine y querer ver más películas de todo tipo. Ni qué decir si a eso sumamos que contribuyeron a que la gente se olvidara por dos horas de la realidad para dejarse llevar por amenas ficciones en pantalla.

Ese toque de aproximarnos a la experiencia de fantasear y entretenerse, y no tanto por la nostalgia en sí, es una de las grandes cualidades de El poderoso Victoria, si no es que la más importante. Raúl Ramón no quiere imponer un discurso, ni motivar hacia una reflexión. Simplemente ofrece la oportunidad de sentarse a comer palomitas, relajarse con la historia que se cuenta y volver a la cotidianidad de nuestros días con el alma más relajada.

Hay una secuencia en la que se narra una explosión trascendente. Si nos atenemos al “cine comercial” actual, dado el valor de producción que tiene la película, cualquier director habría recurrido a utilizar más de 10 cámaras para capturar diferentes tomas de un estallido que resalte y confirme que en efecto algo arde y vuela en mil pedazos. Pero Raúl Ramón evita eso para optar por la sencillez que ofrece el lenguaje cinematográfico a través de la edición.

Dicha sencillez es un rasgo más para apreciar este contenido. Desde detalles que redirigen al espectador hacia el humor de Buster Keaton canalizándolo en Don Edgar (Edgar Vivar) hasta el repaso de objetos relevantes como un lápiz o un telégrafo, tal como lo hizo Donner con artículos en Mi juguete preferido (1982), lo sencillo habla más de lo que se percibe.

Distante de las comedias románticas que llegan a cartelera con la presunción de entretener pero cuyas narrativas tratan de idiota al público, El poderoso Victoria irrumpe en la oferta de títulos de entretenimiento con sumo respeto a quien paga un boleto, quizá porque el director comprende que quien se sienta en una butaca es un cinéfilo hecho, o está por convertirse en uno.

Puede temérsele a las fuerzas ajenas inexplicables por algo tan elemental como el pánico a verlas o escucharlas como si fueran entes deformes, macabros o tétricos. Pero también pueden ser la pauta para comprender que el miedo no es hacia espíritus o espectros, sino hacia nuestros monstruos internos.

Traducida, adaptada y dirigida por Miguel Santa Rita, Historias de fantasmas es una obra que se apropia de la sugestión del espectador a través de sus actores, diálogos y elementos escénicos para conducirlo con calma y fluidez por un camino de miedo cuyo objetivo final no es el susto por el susto. El estremecimiento implica silencios, reflexiones e incluso carcajadas, y es que reír es una manera de respirar ante lo incierto, o frente a lo perfectamente descifrado pero nunca confrontado.

Esta puesta en escena es una entretenida invitación a creer en ese otro universo que pone a prueba creencias y pensamientos de nosotros los vivos respecto a los muertos, así como en cuanto a energías o entidades que motivan a cuestionarnos la lógica de nuestros pensamientos, por no decir que a nuestros propios pensamientos, remordimientos y sentimientos.

Alfonso Borbolla, Alfredo Gatica, José Sefami y Miguel Tercero integran el elenco que participa en la disección de tres historias que se entrelazan por un narrador cuyo propósito es evidenciar que los fantasmas no existen, sin embargo oculta un secreto por el cual es confrontado hacia la parte final. Cada anécdota tiene su particularidad para incitar al público a indagar en sus entrañas sobre ciertos temas o situaciones que cualquier individuo puede experimentar en la vida real.

Historias de fantasmas es en sí una experiencia que vale la pena experimentar antes de despedir el año y llevarse así un temor para conversar en la cena navideña. Se presenta en el Teatro Libanés por una breve temporada consistente en 20 funciones alternas a partir del 18 de noviembre los días viernes, sábado y domingo.

De hecho, sus seres más amados son quienes dan la pauta para abrir y desglosar como individuo a quien es concebido como el mejor futbolista mexicano de todos los tiempos. Su esposa e hijas son fundamentales para convertir Hugo, el gol y la gloria en una puerta abierta para conocer las entrañas de ‘el Pentapichichi’, quien a su vez acepta esa apertura mostrándose en una faceta impensable para muchos: un sujeto sensible capaz de derramar lágrimas sin importarle que lo vean. Motivos tiene para llorar. Por ejemplo, la muerte de su hijo Hugo, fallecido en 2014.

También derramó lágrimas de adolescente por la frustración de anotar un gol en un partido irrelevante para cualquiera pero no para él, tal como lo ventila Mario Carrillo. Ese llanto es indicativo de su perfil emocional pocas veces explorado o comentado. Se trata de manifestaciones sentimentales que el propio Hugo Sánchez debió reprimir u ocultar para forjarse un carácter que lo llevó a tener el mundo a sus pies -ser delantero del Real Madrid y marcar 38 goles al primer toque deriva en posicionarse como el centro del planeta-, una forma de ser ante el público que ha causado animadversión e irritación en los demás. Sin embargo, como lo reflexiona el escritor Juan Villoro, falta comprender que ‘Hugol’ tuvo que ser así después de las circunstancias en contra que enfrentó para triunfar en el futbol europeo.

Ser Hugo Sánchez no es fácil. Así como Tomás Boy, Luis Flores y otros integrantes de la Selección Mexicana en 1986 debieron sostener una compleja relación con él para interactuar, su familia también. La obsesión que tiene por la excelencia en todo es incluso cuestionada por una de sus hijas, una chica que al mismo tiempo es confrontación y reflexión para ‘el Niño de oro’ a estas alturas de la vida, periodo en que no le tiene que demostrar nada a nadie sobre su legado en las canchas.

Dirigido por Francisco Javier Padilla y producido por Mónica Lozano, el documental llega a Prime Video para contar a través de sí mismo y otras voces a un Hugo Sánchez que también es humano con o sin la pelota de por medio.

Entrevista con Hugo Sánchez sobre Hugo, el gol y la gloria, de Prime Video

Una de tus hijas comenta en Hugo, gol y gloria que como persona te guardas todo con tal de no dañar a los demás. ¿Te guardas todo? ¿Por qué?

Realmente no me guardo todo. Hay cosas con las cuales tengo capacidad de resolver. Lo que pasa es que en momentos difíciles y complicados soy muy frío. Para eso me ayudó mucho el futbol porque ha habido instantes de mucha presión y mucha responsabilidad. Me he ido preparando mentalmente para sacar adelante esas situaciones sin tener que preocupar a los demás. Y si son seres queridos, pues menos.

Para eso tengo a compañeros, maestros o amigos que puedan apoyarme. Como el futbol es lo que más me ha gustado en mi vida, desde niño tracé metas y objetivos para llegar lejos en este deporte. Desde que era menor fui tomando conciencia sobre lo que debía hacer, o qué metodología podría desarrollar para cumplir con mis propósitos. Me ha ido bien tal como lo planifiqué desde niño y lo sigo practicando (ser frío). Hasta la fecha mantengo esa ideología de vida.

En el documental mencionas que le diste prioridad al futbol por encima de tu familia cuando fuiste a Europa. ¿Cómo ha sido la transición para ponderar a tu familia por encima del futbol?

Para mí la familia ha sido mi motor, la motivación de mi vida. Tras conocerme a mí mismo a partir de mis cualidades y defectos, estando en mi familia inicial (padres, hermanos) en un ambiente de cordialidad y apoyo, me fui formando de tal manera que se me quedó en la cabeza mi padre presumiendo a sus amigos que yo iba a ser el mejor futbolista en la historia de México.

Se me metió tanto en la cabeza que se me quedó y no lo saqué de ahí para no hacer quedar mal a mi padre con sus amigos. Luego mi madre me dijo que tenía que ser el mejor en todo: mejor hijo, mejor novio, mejor esposo, etcétera. Crecí con esa educación, con esa mentalidad. Como fue algo que me funcionó, se los he querido transmitir a mis hijas y a mi hijo Hugo, que en paz descanse. Lo que yo viví y me ayudó quise comunicárselos. En algunos casos lo captaron y en otras les parece una exigencia diferente a la que están acostumbrados.

Después del periodo de Pumas, Selección Nacional y haber terminado mi carrera de dentista, me fui a España para jugar en Atlético de Madrid. Me fui porque quería ser el mejor de México y el mejor de Concacaf. Para ser el mejor tenía que irme a Europa. Entonces me fui asesorado con el pensamiento de que si quería cumplir mis metas y objetivos tenía que estar concentrado en ello.

Como me dijeron que en España había mujeres muy guapas y eso podía desconcentrarme, me sugirieron irme casado. Así que me casé. Tuve a mis hijos Hugo y Hemma. Si bien me daba ilusión tener familia, ese primer matrimonio ocurrió por el futbol. Por eso digo que me casé con el futbol. Y sí, primero fue el futbol y después la familia.

Pasaron los años para que tuviera experiencia y madurez en la toma de decisiones. Toda vez que transcurrió mi etapa grande como futbolista, después de tener más de 30 años, mi forma de ver las cosas cambió. Pude concentrarme en lo que es mi familia.

Ver llorar a Hugo Sánchez no es algo común. En pantalla lo haces hablando de Hugo, tu hijo. ¿Por qué decidiste abrirte de esa manera?

Si la película documental es para que me conozcan como persona y como ser humano, pues tengo que ser auténtico. Como se dio la oportunidad de que fuera así, quise hacerlo con mucho gusto. La gente me ubica como futbolista y director técnico, y no todo el mundo. Como persona solamente me conocen mi familia y los amigos cercanos.

Este trabajo me permitió abrirme, abrir el corazón en determinados pasajes y ser como soy. Esos momentos difíciles (como la muerte de Hugo) son para aprender a vivir con ese dolor. No solamente perdí a mi hijo Hugo, sino también a mi padre y a una de mis hermanas.

Son dolores complicados. Lo normal es que se vayan primero los abuelos, después los padres y luego uno, pero cuando se va primero un hijo como que no te cuadra. Eso sirve para aprender a vivir con ese dolor. Es lo mismo como aprender a vivir con gente que no piensa como tú y no comulga con tus ideas. Se trata de aprender a lidiar y vivir con esas situaciones.

El periodismo se encarga de no olvidarlos. Por el contrario, insiste en mantener vigentes sus nombres para honrar su memoria, así como para demandar la verdad detrás de los crímenes. En ese sentido, el director Alberto Arnaut, conocido por el rigor de investigación plasmado en el documental Hasta los dientes (2018), se apoya en Cristina Soto, Salma Abo Harp y Pedro G. García para el guion de su nuevo trabajo, A plena luz.

Este documental explora las inconsistencias del caso, mismas que van desde pistas ignoradas hasta acciones de negligencia por parte de la Fiscalía General de Justicia de la Ciudad de México. El recorrido llevado a cabo en el proceso de investigar dirige a Arnaut y su equipo a lo que apunta a ser un crimen de Estado envuelto por criminalización de las víctimas, filtraciones a la prensa, evidencia manipulada y la burocracia rapaz.

También se recurre a testimonios de abogados de las víctimas, una psicóloga forense y un antropólogo social, además del análisis de un perito criminalista. “Investigamos por tresaños todas las evidencias y declaraciones asentadas y a la par las confrontamos con las distintas versiones dándonos cuenta de que era una investigación desaseada y manipulada para asentar una versión de los hechos que no escalara a los verdaderos culpables”, refiere el director previo al lanzamiento de A plena luz.

Una de las revelaciones radica en la confrontación de versiones dadas a conocer por cercanos a las víctimas con las posturas de Javier Duarte, ex Gobernador de Veracruz (2010-2016) y Miguel Angel Mancera, ex Jefe de Gobierno de la Ciudad de México (2012 – 2018). El 8 de diciembre será cuando el documental llegue a Netflix.

Son estas mujeres las encargadas de transitar en un microcosmos donde abundan preguntas e incertidumbres y pocas respuestas. Recorren también los caminos que la violencia ha impuesto: desapariciones, secuestro, muerte, impunidad, miedo. Las tres poseen rostros pétreos, inanimados. Parecen muertas en vida. A Isabel la consume la desidia; a María la angustia permanente; a Roberta la desesperanza.

La directora Natalia López Gallardo pone atención en la violencia y sus efectos para contar una historia desde el borde. La fatalidad del fenómeno violento en México lo narra en el contorno apoyándose en un gran trabajo de cámara para colocar al espectador en una posición de dilemas a partir de sus propias posturas respecto a los estragos del crimen en contextos que parecen lejanos pero no lo son.

Platicamos con ella en Spoiler acerca de la forma con que confeccionó Manto de gemas y su interés por este tema en particular.

Entrevista con Natalia López Gallardo, directora de Manto de gemas

A diferencia de otras películas que plantean su historia de manera directa y frontal mostrando la violencia que ejerce el crimen organizado, tú abordas ese horror de manera más introspectiva en función de las víctimas. ¿Por qué elegiste esa forma?

No fue una decisión que tomara de forma consciente. Se trató de una decisión tomada a partir de pequeñas decisiones que iban tomándose en los procesos que comprenden una película. Pero todo surge a partir de un deseo particular por contar una historia que tenía visualizada en el plano emocional.

La tragedia que vive México desde hace muchos años comencé a sentirla en el proceso de investigación como una gotera, como el espacio de humedad que está detrás de una casa, es decir, que es invisible pero ha dañado muros y estructuras. Quería transmitir esa violencia que no se ve y se siente, que sabemos que está ahí. También quería generar la sensación de miedo por vivir en un lugar que no tenía un proyecto común.

Me era necesario mostrar la complejidad de la realidad mexicana: nada es lo que parece. México es un país al que siempre hay que mirar dos veces, darle muchas lecturas, atravesar sus capas. Al investigar y hablar con la gente, me di cuenta que la violencia no siempre es un fenómeno al que puedes ver frente a frente o puedas enfrentar cara a cara, por lo que una opción es verla desde el contorno, abordarla de lado sin dejar de prestarle atención.

Para contar la película desde ese ángulo, me basé estrictamente en el lenguaje cinematográfico. La cámara y sus movimientos, el sonido y los diálogos fueron lo primordial. La narrativa es un elemento más. Sin embargo, los actores y el territorio son la base de Manto de gemas. Quería que el espacio se fundiera con las personas, que todo ocurriera específicamente en ese lugar y no en ningún otro. Por eso trabajamos demasiado en la construcción de atmósferas y así transmitir ideas abstractas que se acercaran a la herida mexicana que corre por debajo de la superficie como lo es la violencia.

Más allá de pensar en una historia sobre narcos, desaparecidos y la violencia en sí, la intención apuntó hacia esa herida punzante y abierta que tiene una sociedad que vive estragos todos los días. Como para mí lo más importante en el cine es la forma, quise construir la película con esa convicción.

Un aspecto que me llamó la atención es la conexión que tiene la cámara con las ventanas en los interiores. De primera lectura pienso en lo que sucede al exterior. Pero una segunda lectura motiva a preguntarme para qué salir si ya intuyo o sé qué es lo que pasa. ¿Qué nos quieren decir la cámara y tú con las ventanas?

Lo interesante de una película es la subjetividad que arroja en quien la ve. Cada persona le da una interpretación distinta a las cosas y eso es enriquecedor para una obra. En este caso, yo no no había visto eso que me dices. Que las ventanas puedan ser un límite entre ser víctima o victimario, entre emprender una acción para enfrentar lo que acontece o quedarse inactivo por miedo o indiferencia, son lecturas que están ahí y propician la reflexión.

Esas ventanas también pueden sugerirnos la idea de qué postura tomamos ante lo que sucede. Dentro de la ficción, se trata de una realidad que el espectador puede sentir cercana o distante y en función de eso decidir su participación.

Respecto a los diálogos, algunos son muy fuertes y de paso nos contextualizan en un entorno machista e indolente. ¿Cómo trabajaste ese elemento desgarrador que es la palabra oral?

Gran parte de los diálogos tienen que ver con la banalidad del mal. El hecho de convivir con esto y se haya vuelto una realidad propicia que no dimensionemos lo que pasa. Por el contrario, se normaliza. Hablar de un hueso humano en un terreno baldío es aterrador con simplemente mencionarlo. Ese terror hablado impacta más a quien no se siente cerca de ese contexto.

Ese dolor tan brutal que es inconmensurable y tan grande que sufren muchísimas personas es también nuestro como mexicanas y mexicanos. La violencia ha penetrado con tanta fuerza en la realidad nacional que la herida que provoca es de todos. Es una película sobre algo que compartimos, tal como es el tejido. Manto de gemas no es sobre alguien en sí, o acerca de una anécdota, sino de una situación colectiva que compartimos. Nadie estamos exentos de que nos alcance el fenómeno violento. Se trata de una identificación con el prójimo, o por lo menos un acercamiento a él. Y la palabra oral es una forma de aproximarnos.

Hay una escena que estruja. Vemos a las tres mujeres de tu historia en una comisaría junto a otras personas que piden ayuda para buscar a sus familiares desaparecidos. Allí convergen el dolor, la angustia, la impotencia, el desasosiego. ¿Es la invitación más clara a identificarnos con el prójimo?

A esa escena sumaría la escena final. ¿Te quedas quieto y lo miras? ¿Qué posición tomar ante eso que está pasando? Hay que preguntarnos si nuestra forma de actuar es pasiva o nos vemos decididos a actuar. Aunque no estemos involucrados en las redes que perpetúan la violencia, somos parte de ese tejido.

Hay que cuestionarnos hasta dónde vamos a dejar que cale. Debemos empezar a analizar qué está a nuestro alcance para contribuir a que las generaciones venideras no hereden más dolor. Para ello es importante dejar el pensamiento de que “mientras no me pase a mí, todo está bien”. Tenemos que ser empáticos, no olvidarnos que somos parte de la herida.

Otra escena tiene que ver con Nailea Norvind desnuda siendo víctima de una tortura y posteriormente solicita auxilio. La cámara nos muestra a una camioneta que se para a ayudarla. Más que un respiro, esa camioneta genera miedo por los peligros que sabemos corre una mujer en México.

Estamos acostumbrados a vivir en alerta, a vivir con miedo, a vivir a las vivas. Eso no es pacífico, no es agradable. La capacidad de los mexicanos para lidiar con esta realidad me lleva a cuestionarme cómo es posible que una sociedad con tanta nobleza y solidaridad haya permitido el nacimiento de tanto horror. ¿Cómo puede ser que una nación tan cálida y amable se haya transformado en un lugar donde se desmembran cuerpos? ¿Qué se perdió en el camino?

La realidad no da un significado claro. El miedo a saber si alguien es capaz de ayudarte o no ante un peligro es terrible porque también nos han acostumbrado a desconfiar de unos y otros. Es triste y preocupante que el miedo nos acompañe en la cotidianidad a todos lados. En el caso de las mujeres, más.

Es precisamente Lucha Villa una mujer que le atrajo a Sofía para querer trasladarla al cine con una película que viene en camino. La figura musical y cinematográfica de ‘la Ronca de Chihuahua’ quiso ser rescatada por Garza en la actualidad, especialmente porque con el resurgimiento de la música ranchera considera necesario ubicar a la generación actual con la imagen de una artista fundamental para la cultura mexicana.

“Lucha Villa es un personaje al que he analizado, estudiado, observado y admirado durante muchos años. En la serie de El rey se aborda como una artista que ayuda a Vicente Fernández para sobresalir, pero me parece que es una mujer que por sí misma merece su propia historia. Por eso preparamos una biopic para hablar de esta señorona que fue la máxima exponente de la música mexicana en su momento y que el público perdió de vista por el desafortunado accidente que sufrió”, comenta Sofía a Spoiler.

En 1997, como consecuencia de una cirugía estética, Lucha Villa sufrió un daño cerebral irreversible que la obligó a retirarse de los escenarios. Uno de sus últimos trabajos fue la saga de El fiscal de hierro. Se trata de cuatro películas que protagonizó junto a Mario Almada y en las cuales representó a una poderosa matriarca de narcotraficantes que se distinguía por ser vengativa y hablar con lenguaje altisonante. Previamente participó en filmes emblemáticos de la cinematografía nacional como El lugar sin límites (1978) y Lagunilla, mi barrio (1981).

“Desde hace siete años mantenemos acercamiento con su familia para hacer este largometraje. Creo que es el momento idóneo para traer su nombre a la generación actual y así conozcan a una mujer que nos abrió camino a muchas para incursionar tanto en la música como en el cine con gran nivel. También me interesa descubrirla como ser humano, sus motivaciones y dolores”, enfatiza.

Sofía subraya que es importante no quedarse con el accidente en la memoria colectiva, sino con sus aportes artísticos. Por ello, según sus palabras, una película es buen vehículo para rescatar el valor de Lucha Villa en su periodo de esplendor.

La actriz Fernanda Borches interpreta a Irene, madre de una de las víctimas de abuso por parte de un entrenador. Ella integra el universo de personas que quedan en medio entre víctima y victimario, es decir, la gente que decide creerle o no a las mujeres violentadas, ayudarles o abandonarlas en un proceso que comienza desde la aceptación de que fueron agredidas sexualmente.

En Spoiler platicamos con ella acerca de esa complejidad, además de tocar el tema de la maternidad en casos de abuso. De igual manera, Fernanda comparte qué reflexiones le ha dejado La caída como espectadora y como mujer con una historia basada en hechos reales que pone el dedo en la llaga de varias heridas nacionales.

Entrevista con Fernanda Borches, actriz de La caída

En un punto tenemos a las víctimas. En el otro al victimario. Alrededor y dentro de esos extremos hay personas que juegan un papel importante con las víctimas. ¿Qué tan complejo es creer o desestimar la denuncia de abuso desde el hogar?

En esta película se muestran dos maternidades distintas. Una de ellas es mi personaje de Irene, una madre que intuye que algo malo le está pasando a su hija y decide actuar creyéndole por completo que es víctima de abuso. No lo pone en duda, lo entiende, pelea por eso y la protege.

Por otro lado vemos a una madre que ignora cualquier situación que lleve a considerar que su hija haya sido abusada. Es una mujer que prioriza la carrera deportiva de su hija. Entonces vemos a una mamá que procura la salud de su hija y a otra que procura el porvenir de la chica por encima de su integridad.

Creerle o no a las víctimas es un discurso que… Hay algo en esta sociedad que poco a poco se fragmenta y se reconstruye. Me refiero a que siempre las víctimas fueron puestas en duda. Creo que el proceso natural es que cada vez más las víctimas se sientan apoyadas y libres de poder alzar la voz. Obviamente eso implica una gran responsabilidad, pero sí hay que creerle a una víctima. Durante mucho tiempo la sociedad estuvo creyéndole al victimario o depredador. Eso debe de cambiar. También es momento de dejar de culpar a las víctimas por la violencia que recibieron.

Fernanda, hemos crecido en una sociedad con generaciones de familias que ponen en duda la denuncia de sus seres queridos víctimas de abuso. Por el contrario, se ha culpado a la víctima e incluso se ha normalizado responsabilizar a la víctima por el abuso sufrido. ¿Cómo fue para ti construir una maternidad que elige creer y apoyar?

Con esta tradición matriarcal y patriarcal en la que estamos sumergidos, la película puede contribuir en abrirle los ojos a maternidades y paternidades la posibilidad de construir un diálogo entre padres e hijos para que los hijos tengan la confianza de decirle a sus papás o mamás los que les está pasando y su voz no sea puesta en duda.

El apoyo de la familia y de sus núcleos íntimos son fundamentales para denunciar un caso de abuso. Es absolutamente necesario. Algo que aprendí con esta película es lo que tiene que ver con el proceso interno de la víctima, entiéndase el viaje de Mariel que parte de la negación con un “esto no me pasó a mí”, pasando por la catarsis de la aceptación, hasta llegar a encontrar su propia voz para denunciar un hecho así.

Cuando uno se espejea con alguien dándose cuenta de que lo que le está pasando no está bien, tiene que ser dicho o denunciado para que no siga ocurriendo. En ese sentido, La caída lo acentúa muy bien a través del camino de Mariel, así como de los personajes involucrados, como en este caso el de la madre que represento. Para iniciar a construir mi papel, lo primero que hice fue generar empatía con las víctimas.

En el marco de una víctima de abuso cuya madre ha decidido creer en ella, la propia mamá también sufre. ¿Cómo se trabaja ese recorrido interno?

Durante el proceso de la construcción del personaje, luego de leer el guion en repetidas ocasiones, me di cuenta que en Irene convivían dos fuerzas muy poderosas: el instinto por proteger a su hija y la angustia de no arruinarle su carrera deportiva. Se trata de dos fuerzas que demandan un balance constante. Esa confrontación se ve en las escenas y en el personaje.

Fue un trabajo muy sutil para contar la historia de Irene desde un lugar donde ella no juzga. Vaya, ni siquiera juzga al personaje que defiende al entrenador abusador. Comprende y siente que algo no está bien para que exista esa defensa. Sin duda fue un trabajo de mucha sutileza tomando en cuenta los matices que tiene mi personaje. Ahí le debo demasiado a Lucía Puenzo porque fue una directora que me supo guiar para no salirme del tono confrontativo que Irene tenía en su interior. Es complejo estar en una situación así.

La película está confeccionada por un equipo de mujeres que alza la voz para denunciar, en este caso mediante la vía cinematográfica. Productoras, guionistas, actrices y un respaldo en el trabajo periodístico de Beatriz Pereyra.

Me siento orgullosa de ser parte de esta historia. Cuando vi la película como espectadora quedé en shock de lo bien hecha que está. Noté que es una historia muy comprometida con un tema tan álgido y tan duro. En gran medida eso pudo ser posible debido a que está contada desde el punto de vista de la mujer. El brazo fuerte de la película para ser narrada de forma tan puntual es femenino; guion y dirección son mujeres.

Hubiera sido una película diferente en caso de haber sido escrita y dirigida por un hombre. Ojo, un hombre también puede hacerlo y sus intenciones pueden ser las mejores, pero posiblemente el resultado quede incompleto por una cuestión: la exposición y el riesgo que tenemos las mujeres de ser abusadas. Tiene que ver también con el tema de la sensibilidad y la profundidad que podemos darle a facetas como la maternidad.

¿Qué sensación o qué nueva lectura le diste a La caída después de haberla visto como espectadora?

Como actriz sucede que entras a un proyecto visualizándolo de una forma y cuando ves el resultado termina siendo algo completamente distinto a lo que imaginaste. En este caso en particular, el guion era poderosísimo desde que llegó a mis manos, pero verlo materializado en pantalla me pareció extremadamente bueno como la película que es. Sin embargo, asimilarlo como espectadora, te deja un nudo en la garganta por el tema tan difícil que retrata.

Verla tan bien hecha y compartiendo un mensaje que no pierde de vista la idea de que es una película, lo agradezco. Más allá de que el cine es una herramienta para denunciar, no nos olvidemos que la gente entra a la sala para olvidarse de su vida por un ratito y sumergirse en lo que le cuenta la ficción. Eso a mí me pasó. Salí de verla con la comprensión de que había reflexionado cosas nuevas sobre el abuso. Por ejemplo, el proceso marginal y solitario que vive una víctima es un dolor que yo no había contemplado o imaginado. Con la protección que genera la ficción pude vivirlo, sentirlo, y me puso a concientizar sobre la transición dolorosa de ser anulado como ser humano porque nadie te cree, o porque te cuestionan todo para ponerte en duda. Fue una lectura que me llevé a casa y sigo procesándola.

Tu participación en esta película te pone en el mapa de cierto público y a la vez ayuda a vencer prejuicios. ¿Como cuáles? Por ejemplo, la discusión de que una actriz de televisión no puede hacer cine.

Las plataformas de streaming trajeron algo buenísimo: la posibilidad de saltar de distintos ámbitos. A mi entender, ya no hay esa separación evidente que había sobre ser actor de teatro, actor de cine y actor de televisión. Afortunadamente esa división desaparece o se diluye. A final de cuentas una es actriz donde se pare, ya sea frente a un público o frente a una cámara. Esta apertura me está resultando divertida pero también de mucho compromiso porque te vuelves más versátil. Pasar de hacer una obra a hacer una película con historias distintas demanda una versatilidad que en lo personal me agrada, me exige más a mí misma para no verme igual entre un proyecto y otro.

Acosar a las mujeres sin importar sus edades parece estar en el ADN de los hombres capitalinos. Durante décadas se ha normalizado violentar a niñas, adolescentes, jóvenes y adultas en la vía pública o el transporte público. Esas agresiones, derivadas de una educación machista que actúa con impunidad, son el centro de atención del documental Ahora que estamos juntas, de Patricia Balderas Castro.

De ese tema se desprenden varios más que obligan a reflexionar sobre el papel violento que ha ejercido el hombre sintiéndose dueño de cuerpos y voluntades femeninas sin distinguir incluso si se trata de una menor. Por el contrario, y he ahí un punto clave de la película, el acoso y abuso se normaliza a partir de la infancia.

Junto a otras mujeres, a través de sus testimonios y sus acciones, Patricia Balderas Castro nos introduce al despertar de una generación actual que ha reconocido el acoso como un delito que no es normal y lo confronta de distintas maneras, principalmente con la sororidad y una participación activa para contrarrestar esa violencia.

Conversamos con ella para ampliar la conversación acerca de un tema que compete a hombres y mujeres prestarle atención con el objetivo de formularnos cuestionamientos y así propiciar diálogo que nos lleve a plantear soluciones.

Entrevista con Patricia Balderas Castro, directora de Ahora que estamos juntas

El documental traza y desmenuza la normalización del acoso callejero desde que las mujeres son niñas. ¿Cómo fue para ti descubrir testimonios que coinciden en referir que sufrieron esa violencia desde la etapa infantil?

Creo que una de las partes más tristes que se reflejan en el documental tiene que ver con el hecho de que las violencias se generan desde las infancias. No es solamente el acoso callejero, sino también el abuso sexual contra menores de edad y las consecuentes manifestaciones.

Es un tema duro. En Ahora que estamos juntas se ven niñas que contrastan esa realidad y puede llegar a ser incómodo para quien lo ve. Pero eso precisamente busca el documental. Se trata de poner sobre la mesa una violencia normalizada que ocurre a cualquier hora del día, frente a los ojos de muchísimas personas y que incluso puede suceder en un parque. Podemos comprarnos la idea de que las infancias están felices y protegidas, pero realmente no lo están.

Buscamos incidir en la manera que nos organizamos, sobre todo en la cuestión de la autodefensa, porque nos dimos cuenta que se requiere una reeducación social. Mientras eso sucede, no podemos poner nuestra vida en riesgo. Por eso es momento de comenzar a dejar de vernos como víctimas y empezar a construirnos como mujeres capaces de defendernos, de no dejarnos de nadie. Para ello hay que validar herramientas, compartirlas y cambiar la realidad de futuras generaciones. Tenemos que darle a las niñas herramientas para que aprendan y reconozcan que las violencias normalizadas no están bien, que nadie tiene derecho a violentarlas.

Entre esos testimonios, el tuyo. Quisiste compartirlo.

Tal como lo comparto en el documental, me tardé 25 años en darme cuenta de que fui víctima de esa violencia y otras. Desperté a través del enojo. Me dio coraje asimilarlo. Me cuestioné si era tonta como para no haberlo notado. Y no, no es que sea tonta, es que crecí con la idea de que eso era normal. La normalización que existe hacia estas agresiones y crímenes es de tal magnitud que tú como víctima te consideras culpable.

Pareciera que el acoso sexual callejero y el abuso sexual callejero no tienen ningún impacto después. ¡Por supuesto que lo tiene! Limita el espacio público, por ejemplo. Condiciona otros derechos como el acceso a la educación, al goce, a la recreación, al trabajo. Se ve afectada tu sexualidad porque después no sabes cómo relacionarte con otras personas. Psicológicamente te vulnera y repercute en tu manera de interactuar con los entornos en que te desenvuelves.

Uno de los temas que se desprenden de esos testimonios es la culpa hacia la madre por no defender a sus hijas. Hablamos de familias en las cuales no existe el padre, que es otra herida que se asoma en el documental: somos una nación de madres solas, de ausencias paternas.

Es increíble cómo este sistema opresor y patriarcal ha conseguido que entre nosotras las mujeres nos culpemos unas a otras sobre las violencias que se han ejercido en nuestra contra. Nos hemos convertido en personas muy duras con nosotras mismas por no saber defendernos, o por no poder actuar como quisiéramos. Es muy difícil romper eso. Es vergonzoso notar cómo solemos revictimizarnos en estos procesos. Se nos olvida que hay un agresor que es responsable. Se nos olvida que hay un Estado que no es responsable en brindar y poner en práctica las acciones necesarias para combatir y contrarrestar estas violencias. Por el contrario, creo que no tiene ningún interés en hacerlo.

¿Dónde están los hombres? Ya no digamos los padres, sino los hombres en general. ¿Se cuestionan acerca de estas violencias? ¿Cómo han sido educados para cuestionárselo o no? Con el documental mantuve retroalimentación con muchos hombres para saber qué reacción tenían. Varios se dieron cuenta que han sido acosadores en algún momento de su vida y lo reconocieron. Crecieron con el aprendizaje de que eso era normal, ya fuera porque lo hicieran en grupo o siendo adolescentes, es decir, actuaban en función de lo que aprendieron en un hogar, una escuela y una sociedad. Así les enseñaron que debía ser el trato hacia la mujer.

Urge transformar el comportamiento. Este documental, como otros más, tienen también la intención de que nos hagamos preguntas individuales, preguntas colectivas y entablar el diálogo. Es importante hacerlo porque vivimos en un país regido por una educación machista. Es evidente la diferenciación que existe entre la forma de educar a un hombre y la forma de educar a una mujer. Tenemos que cuestionarnos eso. No se trata de hacer una guerra, sino construir un diálogo para asumir realidades con el propósito de ayudar a las futuras generaciones.

Patricia, desde el inicio hasta el final de Ahora que estamos juntas, te entregaste a descubrir, a dejarte sorprender constantemente por todas las mujeres que aparecen en pantalla. ¿Qué aprendiste a lo largo de este proceso? Y eso implica la exhibición del documental en un festival como el de Morelia.

Uf, me cambió la vida por completo. Desde la parte del proceso creativo comprendí que no podía hacer cine sola. Es un proyecto independiente que se construyó con la voluntad de muchísimas mujeres que apoyaron sabiendo que no había recursos para retribuir su esfuerzo.

Aprendí que es importante generar vínculos con otras mujeres. Si bien en pantalla se ven bastantes, hubo muchas más en el camino de hacer la película. Y esos vínculos se establecen desde brindar tiempo sincero para escuchar sus historias. En algunos casos hubo que hacer acompañamiento. Ese acompañamiento fue posible gracias al respaldo de otras mujeres. Como consecuencia, en un efecto natural, surgió la retroalimentación para compartir experiencias, convivir, disentir y hallar unión.

Respecto al tema que abordo, he de decir que al principio había una distancia entre mi faceta de investigadora y el tema en sí. Comencé investigando, informándome. Recolecté datos, pero no pasaban de ser eso. En cuanto empecé a involucrarme en los testimonios, vidas y emociones de las mujeres que me permitieron explorar el acoso, me di cuenta que la historia me pedía enfocarme en ellas.

Habrá quien crea que es un documental de mujeres para mujeres. Me parece que es una película pensada también para los hombres. ¿Es así?

Sí, claro. Los hombres no pueden ni deben estar exentos o al margen. Tienen que incomodarse, reflexionar, pensar, dialogar y proponer. Hay una apuesta para que las próximas generaciones tengan una realidad muy distinta a la que nosotras tenemos. En eso tiene que ver la actuación del hombre, mayor aún si tomamos en cuenta que hay padres que no quieren eso para sus hijas. Los hombres tienen ante sí una oportunidad para romper con una educación machista y de violencias normalizadas. Un primer paso es asomarse y reconocer qué tipo de violencia ejerce, erradicarla y transformar su conducta. Eso es posible.

¿Podemos asumir que Ahora que estamos juntas es además un ofrecimiento de disculpas a las mujeres de generaciones anteriores que no supieron cómo defender a las que vinieron después?

Definitivamente sí, es una petición de perdón. Es pedir perdón a esas generaciones de mujeres que con lo que pudieron y tuvieron al alcance intentaron defendernos. De alguna u otra manera nos abrieron el camino para hacernos reaccionar y ver cómo fueron víctimas de una normalización más terrible de la que actualmente padecemos. Las herramientas que hoy tenemos, pocas o muchas, son por ellas.

Tenemos que valorar con empatía, si no es que hasta con amor, a esas mujeres que no tuvieron acceso a las posibilidades que en la actualidad poseemos para no dejarnos. Me parece que hemos sido duras en juzgarlas sin comprender los contextos tan hostiles que enfrentaron.

Una puesta en escena que se aproxima a esa sensación es Historias de fantasmas, traducida y dirigida por Miguel Santa Rita. Esta obra original de Jeremy Dyson y Andy Nyman es producida por Óscar Uriel para su estreno en México por una corta temporada. “El terror, muy en el fondo, es igual que el teatro. El teatro es muy antiguo, igual que los ritos humanos. Y el terror es una especie de rito humano”, comentó el primer actor José Sefami durante la presentación de esta propuesta escénica.

Será terror lo que enfrenten los espectadores a partir de sus propios miedos y temores, así como de las sugestiones que de ello emanen. Entre otros aspectos, el horror se distingue por generar incomodidad desde aquello que incluso no se ve, pero se siente, o se imagina. Y eso encontrará el público en esta obra cuyo reparto está integrado por Alfonso Borbolla, Alfredo Gatica, Daney Mendoza, Nacho Tahhan, Miguel Tercero y José Sefami.

Historias de fantasmas, ¿fenómenos paranormales?, es lo que brindará este elenco a partir del 18 de noviembre en el Teatro Libanés. Para llegar con piel chinita o pesadillas en Navidad, la puesta en escena tendrá una breve temporada de funciones alternas para que el terror en vivo sea prioritario entre sus pendientes de fin de año.

Además de explorar esa participación cinematográfica con Almodóvar, la intérprete conversó de más temas acerca de la relación entre la música y el cine durante su participación en SmartFilms México 2022, festival al que acudió como invitada para enriquecer la retroalimentación sobre el cine hecho con teléfono celular.

En Spoiler platicamos con ella sobre su vínculo musical con el séptimo arte.

Entrevista con Concha Buika en SmartFilms México 2022

La vemos muy contenta en SmartFilms 2022. ¿Qué le parece la idea de democratizar al cine mediante la creación de películas con el teléfono celular?

Me parece extraordinario. Darle un uso creativo y artístico al celular es una oportunidad para que el talento se asome y pueda apreciarse. Para quienes nos gustan las historias, ya sea vistas o cantadas, es también una forma de conectar con ideas, sentimientos y pensamientos que tienen en su móvil al recurso para explorarse. Y explorarnos entre nosotros los humanos es muy interesante. Si hay gente que no tiene acceso a cámaras para contar su historia, pero sí cuenta con un teléfono para hacerlo, bueno, prestemos atención a esos creadores. Allí puede estar alguna directora o algún director con quien pudiera colaborar con mi voz.

Concha, usted posee una voz que es sentimiento a flor de piel cuando canta. ¿Qué valor tiene la voz musical en una historia contada a través de la pantalla?

La voz es algo que nos representa a todos. Cuando tú oyes una voz, en este caso la tuya, te estás oyendo a ti mismo por dentro. Eso es algo muy mágico que pasa. Lo que hace el cine con la música es catapultarla hacia otra dimensión. Lo hemos confirmado con bandas sonoras que nos han hecho sentir o entender las películas desde nuestros adentros, es decir, personalizando y haciendo nuestras las historias que vimos en pantalla.

Cuando se forman dos entidades tan grandes como la música y el cine surge un milagro. Es realmente milagroso. En ese momento de fusión o unión, las personas logran soñar de verdad. Sueñan despiertas. La unidad de cine y música lograademás calmar el alma de aquella gente que entra a la sala luego de lidiar con una realidad convulsa en un mundo cada vez más agresivo socialmente hablando. Una escena despierta emociones, pero si a eso le sumamos una voz o una melodía que remite a un sentimiento especial, al espectador se le cambia la vida en ese instante, aunque sea por un momento. Piensa que le cantas a él o a ella de forma exclusiva, lo cual hace más entrañable la experiencia.

¿Cuál es la sensación en Concha Buika después de saber que hay un público que conectó con usted en una sala de cine y no en un concierto, por ejemplo?

Es un regalo. Es obsequio que se lo brindo al señor. Todo eso se lo agradezco a Dios. Me parece sorprendente lo increíble y poderosos que somos como especie. Cuando veo que muchas personas se reúnen para disfrutar de algo tan grandioso como es el cine y que la música empleada en pantalla influya para cambiarles el ánimo, ¡wow!, me resulta fascinante. La gente ingresa a la sala sabiendo que verá una ficción, pero en cuanto empieza la película todo se modifica por completo y transforman en realidad lo que ven. Lloran, ríen, gritan, sueñan. Eso lo hacen por el tiempo que dura la película, pero se marchan a casa con una imagen, una canción o una voz que les permite prolongar ese momento.

Como espectadora, ¿qué película la ha hecho sentir a grados insospechados para su persona?

Uf, varias. He de ser sincera, son muchas las que me han hecho llorar. Pero si tuviera que elegir una, Cloud Atlas. Es una película que me llevó muy lejos. Las hermanas Wachowski me llevaron lejos con este trabajo. Es una obra cinematográfica que me hizo sentir que somos infinitos como especie, que podemos vivir muchas vidas a la vez. Me hizo sentir que somos seres milagrosos y que yo soy muy poderosa.

Después de lo vivido en la pandemia, y con base en su experiencia dentro de este fenómeno, ¿hacia dónde va Concha Buika?

La verdad es que no lo sé. Es algo que ha dejado de importarme. Esa concepción de futuro o expectativa dejó de importarme, gracias a Dios.

¿Cómo llegó a esa reflexión?

Porque me di cuenta de que todo lo que tenemos no es real. Esto, la vida, es nuestra propia película. Así que hagamos nuestro propio guion y disfrutémoslo.

Musicalizada, ¿verdad?

¡Por supuesto! Pero recomendaría no hacerlo solamente con la música que nos gusta, sino también abriéndonos a descubrir y sentir aquella que no conocemos. El camino es tan largo y misterioso que no sabemos qué otros ritmos y voces habremos de encontrar para disfrutar nuestra propia historia.

El aparato móvil fue fuente de motivación para jóvenes y no tan jóvenes creadores que quisieron participar en este festival que les brinda la oportunidad de realizar películas de breve duración, o bien para poner en práctica ideas y ejercicios cinematográficos con proyección en áreas como dirección, guionismo, producción y edición.

Las instalaciones de Cinemanía, en Plaza Loreto (CDMX), fueron la conexión para ver y descubrir las diversas propuestas de competidores participantes. Ya sea con un teléfono iPhone o Android, los proyectos concursantes fueron hechos en su totalidad con celular. Talento hay, todo es cuestión de conocerlo. SmartFilms brinda esa posibilidad mediante el cine elaborado con móviles.

De igual forma es una ventana para que expresiones artísticas como la música y la dirección de arte puedan ubicarse en el conocimiento de la gente. Algo similar ocurre con mentes creativas que quizá no quieran entrar de lleno a las artes cinematográficas pero sí al ámbito publicitario con el desarrollo de campañas, spots o videoclips.

Todos los ganadores de SmartFilms México 2022

Profesional Motorola

ROOMIES

Spot publicitario Suzuki

BOOSTER GREEN ME GUSTA

Reportaje con celular N+

CON EL CORAZÓN ENDIOSADO

Filminuto vertical telekwai

ENSAYO FINAL

Aficionado

UN VIAJE ANTES DEL FIN DEL MUNDO

Mejor dirección

MIGUEL

Marcelo Axel Gutiérrez Moreno

Mejor actuación

NUESTRA TIERRA

Mar Esteves

Mejor banda sonora

SOLO EL SILENCIO

Ares Rasec González Castillo

Mejor dirección de arte

DESTINO LIMINAL

Samuel Eduardo Rafael Calzada

Mejor guion

14 DÍAS

Raúl Bribiesca

Mejor fotografía

MIGUEL

Marcelo Axel Gutiérrez Moreno

Mejor edición

NUESTRA TIERRA

Ata

Mejor póster

LÁZARO

Mejor documental

TEKKIL BAJIOPO

Mayor votación del público

LISTÓN ROJO

Mejor campaña publicitaria

NO ESTOY LISTA

Este personaje femenino es interpretado por la actriz mexicana Anabel Castañón. Desde hace 14 años radica fuera de México y Santa Bárbara representa una forma de reencontrarse con el cine mexicano a través de esta coproducción dirigida por Anaïs Pareto Onghena. La realizadora confió en ella para protagonizar esta historia que aborda temáticas que hasta la fecha son controversiales porque hay sectores conservadores que se oponen a la evolución de las mismas, tal como el concepto de familia.

Durante el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM) pudimos entrevistar a Anabel Castañón para saber un poco más sobre su personaje y su reencuentro con el cine mediante un título que formó parte de la Selección Oficial del FICM.

Entrevista con Anabel Castañón, protagonista de la película Santa Bárbara

Anabel, tu personaje de Bárbara es complejo, entre otras cosas, porque carga encima roles o temas que ponen a prueba nuestros prejuicios y juicios: maternidad, migración, amor por alguien del mismo sexo. Es, además, una mujer que se contiene mucho ante situaciones que son para explotar. ¿Cómo confeccionaste a Bárbara?

La construcción del personaje se debió en gran medida a sus pensamientos, al mundo interno de Bárbara. Es una mujer tan llena de contradicciones que en eso me amparé para darle vida al universo complejo que enfrenta. En un principio, cuando me veía a cuadro, me shockeaba porque sentí que se me transformó la cara. Mi ceño hasta se notaba partido de la tensión que Bárbara acumulaba en su interior. Entonces comprendí que la cámara transmitía desde mi rostro, por lo que me enfoqué en continuar con la interiorización que demandaban las circunstancias y confrontaciones emocionales de Bárbara para que mi cara indicara su sentir. Era más la expresión facial que las acciones o los diálogos.

Contrario a otras películas que sí lo hacen, Santa Bárbara se aleja del tono chantajista para abordar la migración. Por otra parte, los latinos hasta nos sentimos culpables al dejar la nación que nos vio nacer. ¿Cómo fue trabajar este tema para ti que, de alguna u otra manera, eres migrante?

Justo a partir de mi propia experiencia.Yo soy migrante. Llevo 14 años fuera de México. En mi caso no lo hice por razones económicas, sino sentimentales. Pero influyó más el hecho de que soy hija, hermana, tía, sobrina y prima de migrantes. A través de ellas es como he podido ver esas historias de migración que implican penurias. Sin embargo, también está el otro lado: el de pasarla bien.

Sobre la culpa, es verdad. Muchas veces nos sentimos culpables por disfrutar cosas de la vida lejos de nuestro país con otro tipo de personas. Si bien es cierto que existe y no se puede negar la cara dolorosa de la migración, está esa otra cara de bienestar que muchos migrantes hemos encontrado fuera de nuestro país. En lo personal, tal como le ocurre a Bárbara, algo que me pasó es que pude ser otra mujer, es decir, hacer aquellas actividades o tomar ciertas decisiones que en mi lugar de origen no podrían ser posibles. La película, el guion en sí, le permite esa identidad a Bárbara como una mujer libre y capaz de ir a bailar sin que nadie la juzgue, por ejemplo.

Podemos decir que Bárbara enfrenta dos maternidades con un mismo hijo. Primero cuando da a luz y lo tiene entre sus brazos, pero luego debe dejarlo para buscar el sustento en otro país y así mantenerlo. Después viene el reencuentro con ese hijo siendo un adolescente y es prácticamente un extraño porque han dejado de verse durante muchos años. ¿Cómo fue el choque materno para tu personaje?

Fue muy duro. Para ella la maternidad había consistido en proveer de todo lo material y lo necesario para sus hijos. Cabe resaltar que Bárbara es una mujer austera, no gasta dinero en su persona porque todo se lo envía a sus hijos. Cree que esa es la mejor manera de estar presente y de ser una madre a distancia. Sin embargo, no se dio la oportunidad de ejercer su maternidad físicamente presente.

Estoy convencida que de alguna manera ella ha sido Ulises. Lo digo porque posiblemente su madre, que quizá estuvo físicamente ahí, no ejerció como tal la maternidad. Lo planteo de esta forma porque vamos repitiendo patrones, ya sea por aceptación o por negación. Con un tono intuitivo visualicé que Bárbara no supo ser madre porque ella tampoco tuvo una figura materna presente en materia emocional y esas carencias las refleja en la relación con sus hijos. La huida de Bárbara de su país, motivada por circunstancias extremas económicas, también puede ser una fuga impulsada por el inconsciente debido a que no sabía cómo hacer las cosas, ni cómo ser madre.

También es difícil ser mamá de un hijo del que conoces poco. Una cosa es lo que te digan o cuenten por teléfono de él, pero otro panorama muy distinto es cuando lo tienes frente a ti y no sabes quién es. Conectar con un hijo al que dejaste de ver por muchos años y puede reprochar la ausencia es complejo, doloroso para los dos. La maternidad duele, más aún cuando se toman decisiones fuertes pensando precisamente en el bienestar de los hijos.

En una actualidad que facilita la comunicación con videollamadas, audios por WhatsApp y mensajes rápidos vía celular, Bárbara opta por mantenerse cerca de los suyos con llamadas a larga distancia desde una cabina telefónica. ¿Es su instante de demostrar el amor materno?

El vínculo está ahí. Bárbara extraña a sus hijos, a su familia, y el único momento de intimidad que puede tener con ellos es en esa cabina. La voz es importante cuando se está fuera o lejos de casa, es la forma de mantenernos lo más unidos posibles. La voz te remite a un hogar, a un momento de unión. Llamar por teléfono es un acto íntimo de su toque amoroso. Sabe que no es la madre que quisiera o puede ser, pero es una madre que ama a sus hijos y por eso busca lo mejor para ellos. Claro, lo hace a su manera, con lo que tiene al alcance. Es una mujer que probablemente se siente mal en su interior, sin embargo encuentra una especie de sanación en esas llamadas.

¿Qué significa para ti estar en un festival como el FICM reconectando con crítica, público y compañeros mexicanos?

¡Muchos nervios! Por supuesto que entra el miedito por cómo vayan a recibir la película y cómo valoren mi trabajo. También estoy feliz por volver a México con un proyecto como Santa Bárbara, que fue hecho con un espíritu de mostrar cómo las mujeres migrantes nos desenvolvemos fuera de nuestra nación. Esta ficción se acerca a la realidad de lo que sucede. Repito, no todo es tristeza ni sufrimiento.

De igual manera me intrigan las reacciones que genere respecto a temas que aborda, como la conformación de nuevas familias, o no tradicionales. El cine es una ventana para tocar estos asuntos que merecen ser dialogados. En ese sentido, el festival de Morelia es una extraordinaria vitrina para mostrar películas que tocan temáticas relevantes y trascendentales en la actualidad.

La directora Natalia López Gallardo se apoya lo suficiente en su cinefotógrafo. En Durazo encuentra un buen cómplice para explorar desde el uso de la cámara a la violencia que azota a México. ¿Cómo lo hace? Apuesta por la forma más que por el fondo, más por lo subjetivo que por lo explícito, más por la elusión que por la intromisión. Y es que del fenómeno violento que tiene atrapado al país conocemos de su existencia, pero no lo hemos experimentado igual que miles de sus víctimas. El contorno es también una manera de observar ese mal que en mayor o menor medida nos tiene a su merced, que es parte de nuestro día a día como nación, sin embargo distinto en sus afectaciones directas.

Isabel (Nailea Norvind) es una mujer de buena posición social que atraviesa un divorcio e intenta ayudar a María (Antonia Olivares) en la búsqueda de su hermana, quien ha sido reportada como desaparecida. Roberta (Aída Roa) es una policía local que investiga el caso y padece en el hogar un fuerte conflicto con su hijo porque éste se entusiasma con la idea de ser narco.

Son estas mujeres las encargadas de transitar en un microcosmos donde abundan preguntas e incertidumbres y pocas respuestas. Recorren también los caminos que la violencia ha impuesto: desapariciones, secuestro, muerte, impunidad, miedo. Las tres poseen rostros pétreos, inanimados. Parecen muertas en vida. A Isabel la consume la desidia; a María la angustia permanente; a Roberta la desesperanza.

“Es mejor hacerse de la vista gorda, ¿para qué te afectas?”, le dice un compañero policía a Roberta para que acepte el peor panorama con su hijo. Se le olvida por completo que es una madre sufriente. Así, a través de pocas líneas pero contundentes, López Gallardo utiliza la palabra oral para subrayar el machismo y la indolencia que se asoman en un territorio acostumbrado al terror y que ha normalizado ver y tratar a la mujer como el ser más lacerado en estos contextos.

Hay una escena que sintetiza los penares y las tragedias. Ocurre en una especie de comisaría donde muchas personas denuncian y piden solución a los casos de familiares desaparecidos. Exigen justicia ante autoridades que parecen ser más una fachada que una figura de ley confiable. En el interior de ese espacio convergen los rostros de Isabel, María, Roberta, así como de otros individuos que son presas del desconsuelo, de la lenta agonía por la cruel resignación de asimilar que probablemente no retorne el ser querido desaparecido.

En esa comisaría, en ese interior, la violencia nos muestra de golpe cómo puede introducirse a nuestras vidas a través de otros. Las ventanas y puertas de ese espacio no son para pensar en lo que ocurre afuera, sino en lo que remueve en nuestro interior como testigos o espectadores inactivos del horror ajeno que el día menos pensado nos elige como sus siguientes víctimas.

Teresa Sánchez personifica a María. Darle vida a esta mujer de carácter recio, hosco y de pocas palabras le ha merecido ser galardonada en la categoría de Mejor Actriz en el Festival de Sundance y el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM). No es para menos. Su interpretación es brutal.

Previo a recibir el premio en el FICM platicamos con ella. Lo hicimos justo después de un emotivo discurso que brindó en conferencia de prensa al grado de romper en llanto. Tere había tenido participación en películas como La camarista (de Lila Avilés, 2018) y Fauna (de Nicolás Pereda, 2020), sin embargo recibió con Dos estaciones la oportunidad de un protagónico que la ha colocado en el mapa visual de la crítica y público mexicanos. Es un proyecto que igualmente la ha llevado a pronunciarse para hacer más cine con amor en México, es decir, con trato respetuoso y digno entre todas las partes.

Entrevista con Teresa Sánchez, ganadora del Ojo a Mejor Actriz en el Festival Internacional de Cine de Morelia 2022

Tere, entrevisté a Gerardo Guerra, fotógrafo de Dos estaciones. Comentó que es su primer largometraje como director de fotografía. Para él fue fundamental haberte tenido como actriz porque le ayudaste a sentirse seguro y a que la cámara encontrara con facilidad lo que necesitaba tu personaje de María.

Imagínate la sensación tan grande de sentir repentinamente que el trabajo que has elegido hacer con la convicción de decir “aquí estoy y no me muevo” pueda generar esto. Para mí es una especie de premio que me está dando la vida a través del cine.

Me siento agradecida de haber trabajado en un proyecto así, tan profundo y tan significativo para quienes participamos en él. Dos estaciones es una película que se hizo con mucha alma detrás. Todas las personas teníamos un motivo interno que nos conectó para poderla hacer posible. En lo personal puedo decir que es un proyecto que me llenó muchísimo por todo el amor que le pusieron mis compañeros. A veces hay proyectos que te impactan por el gran presupuesto y producción que tienen, pero carecen de esa comunión amorosa que tenemos las personas, que a final de cuentas somos quienes hacemos realidad lo que se ve en pantalla. Eso incluye desde el técnico que carga a un cable hasta el director. Cuando todo encaja, la experiencia vale doble. Si la cámara me quiso es porque Gerardo quiere mucho a su cámara.

Te vi en Fauna, de Nicolás Pereda. Te veo ahora en Dos estaciones, de Juan Pablo González. Son dos películas en que te has explorado a nivel actoral haciendo lucir a tus compañeros en cuadro, sobresaliendo tú y, sobre todo, procurando la historia. ¿Cómo eliges tus proyectos? ¿Es intuición?

Siento que la intuición es algo que todos tenemos. Pero de repente pasa que nos perdemos. El ego, por ejemplo, provoca que nos extraviemos. El ego nos puede exterminar, generar miedo, o una ambición desmedida que no tiene cabida para este tipo de situaciones que van más allá. Con “situaciones” me refiero a la lectura de un guion, un casting, ensayos, acción.

He vivido varias experiencias a lo largo de mi vida que creo me han ido llevando a desarrollar algunos aspectos de mi persona, como generar un constructo que me permite olfatear por dónde va la cosa desde el primer mensaje que recibo o desde el primer acercamiento que hay para un proyecto. Hay cosas que las percibes de inmediato para decirle sí o no a una película, y te puedes equivocar incluso, pero ya no caes en tantas trampas o frustraciones que padeciste antes. Esa misma experiencia, que implica un plano emocional sensible, te orienta sobre el personaje que te ofrecen, o la historia que te plantean.

Con Dos estaciones construyes a María, un personaje doblemente fuerte. Primero por la tradición que trae encima y en segunda por la adversidad que enfrenta para sacar adelante a la empresa. Para ti, que eres una mujer muy sensible, ¿cómo fue el proceso de abrazarte a esta mujer que tiene que ser dura porque no tiene de otra?

Fue complejo ese choque para mí. Pero me dejé llevar y guiar por Juan Pablo (González). Es un hombre que creció entre los paisajes que muestra la película, proveniente de una familia de tradición tequilera. Lo que yo me pregunté fue cómo podía generar conexión con alguien como María. Entonces comencé un proceso de investigación y estudio sobre el lugar, sobre las personas que viven en estos entornos. Me acerqué a los trabajadores de empresas tequileras para aproximarme a su mundo, convertirme en su universo.

También me acerqué a las comunidades de Atotonilco, que es el lugar donde grabamos. Quería oler, respirar, ver y escuchar todo para absorber y depurar lo que demandaba mi personaje. Eso se compenetra con la historia de vida del propio Juan Pablo, quien además tenía una clara idea de la María que quería como protagonista. En ese trayecto conocí mujeres llenas de una fortaleza admirable que me enseñaron o mostraron que la rigidez que transmiten es un mecanismo de defensa. En México, tristemente, las mujeres estamos expuestas a un sinfín de peligros y abusos que nos obligan a no sonreír si es necesario.

Tere, un mensaje colateral que envía Dos estaciones tiene que ver con la ruptura de esquemas, o con la confrontación del estereotipo en el cine nacional. La película nos pone como protagonista/actriz a una mujer mayor, morena y su físico tal cómo es. ¿Qué opinión te merece esta observación?

Basta darse una vuelta por el país y ver a sus mujeres. Se darán cuenta que hay miles de mujeres como yo, existimos. El hecho de que Juan Pablo dijera que encontró en mí a la actriz que iba sacar adelante a su personaje fue sorpresivo porque en efecto rompía con un estereotipo. Estamos habituados a ver un perfil de actrices para este tipo de papeles.

Que se fijara y confiara en mí por mis capacidades, no por otros aspectos, fue muy fuerte. Era una manera de decirme “nosotros podemos, lo vamos a lograr” y eso implica una responsabilidad. La asumí como actriz y como mujer perteneciente a una industria que actualmente se ha abierto a que la mujer cuente las historias. Al paso del tiempo, ahora que la película se ha estrenado, puedo considerar que María fue y es para mí un acto revolucionario. Si se rompió un esquema, se pueden romper varios más.

Desde que ganaste el premio a Mejor Actriz en el Festival de Sundance hasta ahora que presentan la película en el FICM, el director y resto de crew no dejan de agradecerte. Fuiste el sostén de ellos en varios sentidos: primera ficción de Juan Pablo González, primer largometraje de Gerardo Guerra, primer proyecto de otros integrantes del reparto. ¿Pesa un compromiso así?

No, al menos no en esta película. Pesaría si hubiera sido una filmación caótica y sin tacto humano. Acá ocurrió todo lo contrario. Hubo humildad de todos y demasiada honestidad para ayudarnos unos a otros en nuestros momentos de dudas. Conformamos un equipo sincero, de transparencia en varios sentidos, principalmente en lo emocional. Esa sinceridad nos hizo fuertes. Así como ellos agradecen mi conexión con ellos, yo les agradezco haberme permitido estar ahí para explorarme como actriz a su lado. Me hicieron sentir segura, amada. Que te hagan sentir amada en un set es un privilegio. Y ese mismo amor daré a esos nuevos talentos que lleguen con ganas de hacer cine desde el trato amoroso hacia sus historias y hacia quienes las harán posibles.

Hoy día encuentran esa facilidad en su móvil. Además tienen estímulos en proyectos como SmartFilms Mx, el festival de cine hecho en celulares. Jóvenes y no tan jóvenes se motivan a crear desde la dirección, la escritura o la actuación, además de probarse en la edición y la producción.

En el marco del Festival SmartFilms México 2022, Sam Nicholson hizo acto de presencia como invitado especial. El reconocido postproductor de Hollywood y CEO fundador de Stargate Studios alentó especialmente a la juventud diciéndole que crean en sus ideas: “Es sorprendente el nivel de creatividad que se ve en este festival. No se necesita de un crew grande o de muchísimas cámaras para hacer cosas. Lo que se necesita es tener una historia y la pasión por contar esa historia”.

Otra de las invitadas de gala fue la cantante Concha Buika, quien habló sobre la relación entre música y cine, específicamente en lo concerniente a musicalizar películas elaboradas en un celular debido a que los creadores pueden no contemplarla por cuestión de derechos, tiempo o decisión creativa: “La música, gracias al cine, ganó otra dimensión. Antes estábamos más unidos entre escritores, músicos y cineastas. Después nos fuimos separando. Pero animo a los jóvenes creadores a unirnos. Para eso también los animo a sentir que tienen el poder de hacerlo, a confiar en sí mismos de lo que son capaces”.

Un aliciente más provino de Erick González, gerente de Mercadotecnia de Suzuki México. Como patrocinador del festival consideró que es importante guiar a los creadores en el ejercicio de contar historias. Puso de ejemplo la alternativa de los spots publicitarios como una ventana para experimentar, probar y pulir cualidades: “Nosotros llevaremos la producción profesional al spot ganador de este festival. Se trata de una manera de incentivar a nuestros futuros talentos”.

Y sí, está repleta de ego. Pero, ¿acaso eso es lo que molesta e irrita de su nueva película? Puede ser. No obstante ofrece otros elementos para enfadarse, lo que en consecuencia motiva a cuestionarse por qué. Detrás de una narrativa que deambula entre lo onírico y lo fársico, entre la verdad y la mentira, entre lo confuso y lo certero en ciertos pasajes, hay una invitación a estar en desacuerdo, o incluso una entrega inconsciente al espectador para que éste determine qué le choca y le checa.

González Iñárritu no quiere ser entrañable, ni intenta serlo. Así lo manifiesta con Silverio (extraordinario Daniel Giménez Cacho), un documentalista que sabe que no es monedita de oro y puede resultar cero simpático, rasgo que tampoco le interesa mostrar al director, quien tiene noción de que no lo es. Pero con Silverio, álter ego del realizador, no se trata de determinar si cae bien o mal. Las sensaciones deben ir hacia sus decisiones y las contradicciones que tiene como individuo.

Probablemente sea el tema de las contradicciones lo que perturbe. En una sociedad polarizada y confrontada como la nuestra, la cual transita entre adherirse a un extremo sin puntos medios, el choque interno con lo expresado hacia el exterior causa conflicto. Pareciera estar mal opinar mañana distinto a lo que se opina hoy, como si no hubiera en el intermedio una pauta para la reflexión y la confrontación con uno mismo, tal como ocurre con Silverio, un hombre que acepta sus privilegios a la par de que se preocupa por problemáticas que afectan a quienes carecen de ellos.

Esas mismas contradicciones nos llevan inevitablemente al desacuerdo. Y es ahí un punto de quiebre más. Debatir o discutir diferencias sin violentarnos es imposible en la actualidad. Por eso hay un sentimiento de ira al ver Bardo. Falsa crónica de unas cuantas verdades: Silverio hace o dice cosas con las que no estamos de acuerdo, pero no se le puede recriminar o pelear dada la ficción en que se desenvuelve (nos ponemos en los zapatos de Luis Baldivia al ser silenciado). En cambio sí podemos hacerlo con González Iñárritu en el plano real con la salvedad de que tampoco nos prestará atención. La discusión se la deja a quienes gustaron o no de su película. Viéndolo desde esta perspectiva, una extensión del ego que deposita en la pantalla.

Habituados a historias en las que hay buenos o malos, o en las cuales se nos incita a sentir empatía o animadversión rotunda hacia alguien, esta película nos acerca a lo incómodo de ser contradictorio. Es una incomodidad que solemos experimentar cuando nos vemos en situaciones, miedos, traumas o incertidumbres como las que enfrenta Silverio. Y nos llega a enervar porque sentimos que traicionamos una convicción o una congruencia, sobre todo en la toma de decisiones.

¿Cómo conectar entonces desde la emoción con este trabajo de González Iñárritu? Quizá desde lo que nos choca y nos checa. ¡Mira que tener al California Dancing Club para ti y ponerte a dialogar con la figura paterna en los baños! A cualquiera le puede pasar vivir fiesta y dolor al mismo tiempo, como si eso estuviera mal. Enoja porque la contradicción, a final de cuentas, nos remite a la culpa.

Ocho días después, el 24 de mayo, Atlético Nacional ganó la Copa Libertadores al vencer en penaltis a Olimpia, de Paraguay. Era la primera vez que un equipo colombiano conquistaba el máximo trofeo continental a nivel de clubes. Uno de los aficionados más felices por ese título fue el propio Pablo Escobar, hincha pasional del club verdolaga. Amaba tanto esa camiseta que no le importaba sobornar o amenazar silbantes y rivales para favorecer a los suyos.

De alguna u otra manera, la violencia rodeaba y dominaba al futbol. La alegría por el logro de Atlético Nacional era un respiro ante el clima de hostilidad, venganzas y ejecuciones que se vivían en el país. La única esperanza al alcance para el pueblo colombiano eran las hazañas surgidas del balón. Por ello había entusiasmo, y urgencia, de ver a Colombia en la Copa del Mundo de Italia ‘90.

En ese ambiente tan adverso y denso sobresalió Andrés Escobar, defensa que se convirtió en ídolo y futbolista respetable. Su figura en este periodo fue rescatada por el actor Juan Pablo Urrego para personificar al jugador en la serie Goles en contra, producción de Netflix. “Todos estos hechos forman parte de un contexto que marcó a la selección colombiana de aquellos años. Hubo otro jugador que no era tan famoso como Andrés y lo asesinaron, Pipe Pérez. La mafia y las apuestas permearon en el futbol. Amenazaron a los jugadores, a sus familias. Manipulaban la designación de técnicos, árbitros. Andrés Escobar supo mantenerse al margen porque se hizo respetar en la cancha, lo admiraban por su estilo y pasión. No era un tipo al que se le viera en fiestas, mucho menos en conductas ilícitas. Su mente la enfocó en hacer bien las cosas en el campo”.

Andrés era distinto a otros futbolistas colombianos y compañeros. La vida nocturna no era lo suyo. Tampoco le gustaban los excesos. Era un tipo tranquilo fuera del campo. Mientras tanto, al estar en un terreno de juego, era sobrio, elegante y solidario en la construcción ofensiva de su equipo. Sus condiciones generaron admiración en Colombia a tal nivel que incluso miembros del crimen organizado le rendían pleitesía. Por algo fue conocido como ‘el Caballero del futbol’.

Ser miembro del equipo campeón de Copa Libertadores con Atlético Nacional y de la selección colombiana que avanzó a Octavos de final en Italia ‘90 lo posicionó como un defensa poseedor de un perfil apreciado en el futbol europeo. Arrigo Sacchi, director técnico que revolucionó al Milan a finales de los ochenta y principios de los noventa, se fijó en él para que fuera el sucesor del legendario Franco Baresi. Le gustaba que saliera con la pelota en los pies.

“Estaba llamado a ser el mejor jugador de Colombia, tenía una fuerte proyección internacional. Después de ese Mundial (USA 1994) lo iba a comprar el Milan. Andrés se perfilaba como un defensa de corte europeo porque en ese entonces no era común ver centrales que salieran jugando con el balón. No era de los típicos que reventaban y pateaban la pelota hacia donde fuera. Era un defensa que se quitaba rivales e incluso llegaba al área contraria. Se habló mucho de que iba a ser el reemplazo de Franco Baresi”, comenta Juan Pablo Urrego en torno al análisis futbolístico que hizo de su personaje.

Con un futuro promisorio en Europa, luego de un primer intento con Young Boys (Suiza) en 1990, Andrés se convirtió en víctima de una fatalidad que pudo ser perdonable en cualquier rincón del planeta, menos en Colombia. Los tentáculos de la violencia que tenían atrapado al futbol acabaron con su vida luego del autogol convertido contra Estados Unidos y significó la eliminación colombiana del Mundial de 1994.

“El técnico Francisco Maturana les pidió a algunos futbolistas que no volvieran a Colombia, sobre todo a aquellos que eran conocidos por su gusto a la fiesta. Temían por sus vidas. Increíble pensar que a un tipo querido y respetado como Andrés, al menos imaginable, le iba a pasar lo que sucedió. Eso también habla sobre la violencia con que se vivía y sentía al futbol, lo cual es terrible”, describe Urrego a Spoiler.

¿Por qué Andrés? Esa pregunta continúan haciéndose cientos de hinchas que siguen sin comprender cómo hubo alguien capaz de asesinar a un ser tan querido por el pueblo debido a un accidente de juego.Juan Pablo Urrega se formula ese mismo cuestionamiento después de indagar en la vida personal de Escobar. Ese proceso de obtener toda la información posible para conocer al hombre de puertas hacia dentro fue complejo: “Quería saber cómo era con su familia, con su novia, con sus amigos, con sus compañeros. Fue difícil encontrar esas respuestas, sin embargo lo pude lograr. Mucha gente me ayudó para ir conociéndolo más. Al final fue sorpresivo descubrir que era un sujeto más grande de lo que pensé. Fue amoroso con su familia, solidario con sus compañeros, amable con la gente. Era en su vida privada como era en la cancha. No había nadie que te hablara mal de él, lo querían mucho”.

Goles en contra es una serie que también quiere darle su justo valor a Andrés Escobar como símbolo de una generación futbolística que fue capaz de alegrar con un juego vistoso y dinámico en una etapa crítica y convulsa en Colombia. Se habló demasiado de Carlos Valderrama, René Higuita, Freddy Rincón, Faustino Asprilla, Adolfo Valencia. A veces se pierde en la memoria que el defensa fue clave para hacer del balón una esperanza social.

A lo largo del filme se rieron, se divirtieron, pero igualmente sufrieron hacia el final. Son los niños quienes más han llamado la atención de algunos espectadores que estamos aquí. Un señor de aproximadamente 50 años, quien se instaló en las primeras filas, abandona la sala conmovido, mirándolos con gusto. Quizá se refleja en ellos porque perteneció a la generación que vio a E.T. en pantalla grande durante su año de estreno en México.

Contrario a lo que puede ocurrir en otro tipo de funciones, nadie se alteró o enojó con las reacciones de los menores ante lo que les provocaba la historia que veían en pantalla. Cada secuencia de la aventura que vieron fue un campo de exploración para su sensibilidad. De igual forma lo fue para varios mayores. Hubo adultos que lloraron (lloramos, pues) y uno que otro acongojándose sin darse cuenta que lo hizo en voz alta con un “no” ante el miedo de que le hicieran daño al mejor amigo de Elliott.

“Güey, ¿ves? Los chavitos disfrutan este tipo de películas. Está padre que les den superhéroes, pero también que les den cosas así”, le comparte una chica a su acompañante, otra joven que le expresa estar fascinada por haber visto E.T. El extraterrestre en cine. Así como ella, casos similares de un público que conoció al personaje a través de la televisión y por primera vez lo ha contemplado en la sala oscura.

Salir de la sala es la creación de un universo aparte pero ligado al que ha arrojado la armonía emocional emanada de la pantalla: el acto de la conversación. La gente se dirige a su destino poniendo en práctica una de las grandes bondades que nos ofrece el llamado séptimo arte, y eso es platicar lo que vimos. Qué sentimos, qué pensamos y qué nos llevamos, concede la posibilidad de conocernos, de descubrirnos. Spielberg y su extraterrestre acompañan a adultos y pequeños rumbo a sus caminos 40 años después de haberse dado a conocer. Propician nuevas charlas entre generaciones distintas.

En términos concretos hubo dos niños frente a mí en la sala. Sin embargo, bajo la consideración del sinfín de manifestaciones emotivas que se registraron entre gestos, palabras y expresiones, la función estuvo repleta de infantes. E.T. El extraterrestre sigue tan vigente como hace cuatro décadas. Y eso se confirma en el encapsulamiento del tiempo al que muchos adultos recurrimos para dejarnos llevar por una historia que nos recuerda la importancia de sentir las películas.

El momento emotivo de la ceremonia de premiación corrió a cargo de la actriz Teresa Sánchez, protagonista de Dos estaciones, de Juan Pablo González. Pronunció un discurso sincero sobre lo que significó trabajar en esta producción y enfatizó que en México se produzca “por un cine con amor”.

José Esteban Pavlovich, director de Una mano bajo la nieve, resaltó la importancia de que se mire hacia otras entidades del país para producir y contar historias. Consideró que el festival ha sido una gran ventana para mostrar al público que se puede descentralizar el cine nacional.

Lista de ganadores del FICM 2022

Concurso Michoacano de Guion de Cortometraje

Mención especial: Contratiempo, escrito por Emilio Braojos

Ganador: Visiones infantiles, escrito por Felipe de Jesús Godo y Castillo.

Sección Michoacana

Mención especial: Hombres de sal, dirigida por Luis Armando Sosa Gil.

Premio Ojo al ganador: La Colonial, dirigida por David Buitrón Fernández.

Premio de la Asociación de Mujeres en el Cine y la Televisión de México

Mejor largometraje documental realizado por una mujer: Ahora que estamos juntas, de Patricia Balderas Castro.

Cortometraje Mexicano

Mención especial a animación: Los cuervos, dirigido por Héctor Dávila Cabrera.

Premio Ojo al ganador en animación: La ciudad, dirigido por Camila Uboldi y Andreas Papacostas.

Mención especial a documental: Trazos de silencio, dirigido por Valentina Pelayo Atilano.

Premio Ojo al ganador en documental: Las cosas que te digo, dirigido por Daniela Silva Solórzano.

Mención especial a ficción: Verano, dirigido por Luis Pacheco y Rafael Ruiz Espejo.

Premio ojo al ganador en ficción: Una mano bajo la nieve, dirigido por José Esteban Pavlovich.

Premio especial del jurado: El cortometraje, dirigido por José Luis Isoard Arrubarrena.

Largometraje Documental Mexicano

Mención especial: Teorema de tiempo, dirigido por Andrés Kaiser.

Premio del público: Ahora que estamos juntas, de Patricia Balderas Castro.

Premio Ojo al ganador: Malintzin 17, dirigido por Mara Polgovsky y Eugenio Polgovsky.

Largometraje Mexicano de Ficción

Premio del público: Huesera, de Michelle Garza Cervera.

Mejor guion: Gabriel Nuncio y Alejandra Márquez Abella por El norte sobre el vacío.

Mejor actriz: Teresa Sánchez por Dos estaciones.

Mejor actor: Gerardo Trejoluna por El norte sobre el vacío.

Mejor dirección: Natalia López Gallardo por Manto de gemas.

Premio Ojo al ganador: El norte sobre el vacío, dirigida por Alejandra Márquez Abella.

Largometraje Internacional

Premio del público a: Close, de Lucas Dhont.

El cine observa a lo que el periodismo deportivo ha dejado de tomar en cuenta, las personas. Son seres humanos quienes compiten en cualquier disciplina. Por lo tanto, personajes de carne y hueso que construyen sus proezas o fracasos sosteniéndose en situaciones que desconocemos pero que pueden ser incluso más trascendentales e importantes que los resultados deportivos, esto si se toma a consideración que forman parte de una sociedad, por ende de las problemáticas sociales. Por ejemplo, el abuso sexual hacia las atletas de alto rendimiento.

La directora Lucía Puenzo y las guionistas Mónica Herrera y Samara Ibrahim enfocan su mirada en los clavados, disciplina deportiva que en nuestro país únicamente se atiende cuando son Juegos Olímpicos por dos propósitos: subirnos al barco instantáneo por la obtención de una medalla o juzgar sin piedad al clavadista que no logra subir al podio. Ellas canalizan su historia hacia los casos de abuso perpetrados contra mujeres que sueñan con alcanzar la gloria desde el trampolín. Mariel (una Karla Souza que ofrenda su rostro para plasmar el trance emocional de su personaje) es la protagonista de una trama que apunta hacia el planteamiento de un sistema que convierte a las menores y jóvenes en víctimas potenciales de abusadores amparados en su faceta de entrenadores dentro del deporte de alto rendimiento.

La caída se basa en hechos reales. Nos remonta a la víspera de los Juegos Olímpicos de Atenas 2004, periodo en que se dio a conocer la denuncia por parte de los padres de la clavadista Laura Sánchez en contra del entrenador Francisco Rueda acusándolo de haber mantenido relaciones sexuales con su hija como chantaje para llevarla a la justa deportiva. Sin embargo, como efecto colateral, también motiva a recordar los casos de Carolina Mendoza y Azul Almazán, ésta última señalando igualmente a Rueda como su violentador.

La complejidad de elaborar la transmisión de lo que implica ser mujer, atleta y víctima de un engranaje perverso por parte del poder masculino que toma decisiones en los clavados, se trazó y confeccionó desde el espíritu femenino que compaginó a Puenzo (dirección), Herrera e Ibrahim (guion) y Souza (actuación). Eso se siente a cuadro debido al enojo manifiesto en el desmenuzamiento del duro escenario que enfrenta Mariel ante un trauma y una verdad ventilada que de manera inevitable la coloca en situación de crisis.

Se complementan con dos contrapartes masculinas. Una es la fotografía de Nicolás Puenzo, que hace de la piscina, las regaderas y los casilleros espacios incómodos, de confrontación. El agua en sí (como cuando está cerca o encima del cuerpo de Mariel) es molesta, pesada. Son sitios y elementos que emanan inseguridad, intranquilidad. La otra es Hernán Mendoza en su papel de Braulio, un entrenador que puede parecer exagerado por instantes, no obstante así manipulan los supuestos forjadores de medallistas.

No es menor que haga un cameo la periodista deportiva Beatriz Pereyra -PERIODISTA con mayúsculas-, una de las mejores que tiene México para dignificar la profesión periodística y el oficio de reportera en el ámbito deportivo. Sus investigaciones, reportajes y artículos han abordado precisamente casos como los narrados por Puenzo en la película.

Si bien su aparición puede interpretarse como un homenaje a la propia Pereyra, lo que es más que merecido, asimismo tiene la posibilidad de asumirse como una metáfora de que el cine varias veces hace el trabajo que el periodismo deportivo dejó de hacer, o no quiere hacerlo. Y si no hay cabida para periodistas como Beatriz en la realidad, en la ficción son bienvenidas. Por fortuna, grata excepción, Pereyra encaja en ambos universos.

En un país donde la mayoría de películas con temáticas deportivas son abordadas desde la comedia (como todo lo que se hace sobre futbol) y la romantización, La caída es una luz al final de un túnel que resguarda un sinfín de historias por contar y atropellos por denunciar. Seguramente el cine lo hará, tal como está haciéndolo, porque el periodismo deportivo sólo tiene una Beatriz Pereyra.

Esa invasión en una maternidad que no les corresponde es precedida por la exigencia hacia Valeria de que sea el ejemplo a seguir. La opresión tribal dicta que primero debe lograr lo que nadie ha podido en el círculo familiar: graduarse como universitaria. Conquistada esa meta impuesta para satisfacción del resto y no de ella, posteriormente debe proseguir a embarazarse porque así lo concibe la visión tradicional de lo que es ser una buena mujer. Estudiar para ser una profesionista no sirve para nada porque la verdadera validación como persona del sexo femenino es ser mamá. La presión ejercida incluye a su pareja, Raúl (Alfonso Dosal), quien encaja perfecto en la construcción social que se hace de la mujer con relación a lo que es la conformación de un hogar (renunciar a su empleo, por ende a su evolución profesional, con tal de cumplir con el perfil de madre abnegada).

El agobio que asfixia a Valeria tiene un fenómeno colateral extraño pero revelador como una manifestación de la presión que se ejerce contra su persona: su cuerpo y todo lo que hay en su entorno empieza a tronar. Truena la comida, como los huesos del pollo, pero también truenan los huesos de sus propio esqueleto. La imposición de ser una madre tradicional, figura romantizada y cimentada en un control e intromisión de la mujer embarazada, no es más que una cultura quebrantahuesos.

Dicha cultura es abordada por Michelle Garza Cervera en un género que describe perfectamente lo que padecen y han padecido miles de mujeres como Valeria en este país. Se ha perpetuado la idea y la práctica de moldear a una futura madre bajo el pretexto del cobijo familiar vendido como amor, sin embargo puede ser terrorífico para quien dará a luz. La directora encuentra una extraordinaria complicidad con la fotógrafa Nur Rubio Sherwell, quien matiza con precisión, a través de la iluminación y los colores disonantes, que el núcleo familiar es sombrío, no acogedor. Si bien no en todas las familias, sí en este modelo de familias que sabemos que existe.

La trama plantea a un ente esquelético como amenaza hacia Valeria. Es un acertado recurso para hacerle creer al espectador que el horror está ahí. No obstante, lo que en verdad da miedo es la edificación avasallante de la maternidad tradicional a manos de aquellas y aquellos que se creen dueños de la voluntad ajena. Y la primera piedra de esa práctica dominante está en la religiosidad con que concebimos a la madre mexicana, homologada como la Virgen María (la película abre con una enorme efigie de la Virgen de Guadalupe más temible que enternecedora).

El cuerpo de Valeria es el cuerpo de otras mujeres. Sus huesos son los de muchas más. Si su organismo truena es porque quiere romper con el esquema tradicionalista de la maternidad que únicamente le concede a la futura madre dolor, confusiones, dudas, pánico y culpa en su plano individual.

Desconoce por completo que en la capital mexicana los papeles lo son todo por encima de cualquier dolor. No tiene mínima idea de que es la entidad a la que únicamente le falta edificar el monumento al trámite. La indolencia es uno de los sellos de la burocracia, y a eso habrá de enfrentarse en un ambiente burocrático urbano que además no tiene empatía por los ancianos ni por los campesinos. Y de eso tampoco sabe el fuego.

“Nime dio el pésame. Solamente me dio unos quesos”, expresa Tacho con una voz seca, resignada a la apatía del otro. Le cuenta a un conocido que el ranchero millonario del pueblo no quiso prestarle dinero para ir por el cuerpo de su hija y a manera de lástima le dio el producto lácteo. Ese gesto miserable e indiferente hacia su persona, no sin antes un intento de gandallismo por parte de ese hombre ruin, es un acto preparatorio del calvario a enfrentar. Un infierno más al que le aprisiona en su interior.

En ese recorrido dentro del sórdido, molesto y decadente rumbo de la tramitología, Tacho conoce a Damiana (Natalia Solián), una joven prostituta que siente compasión por su situación y se dispone a ayudarlo. Pero, ¿por qué lo hace? ¿Acaso en ese campesino envejecido encuentra el respeto que no le dan otros hombres y eso le hace sentir que por un ratito es digna? Cualquiera que sea su motivación, ella desnuda aquello que no le interesa a sus clientes: la humanidad.

La complicidad entre Tacho y Damiana durante el proceso inhumano e insensible que deben soportar para reclamar el cadáver los lleva a sostener un diálogo desgarrador, pero tan honesto y brutal que nos orilla a comprender con profunda tristeza que el dolor es un lenguaje en búsqueda de empatía para sostenerse unos a otros en medio de tres frentes dominados por la indolencia: el Estado, la delincuencia y un sector de la sociedad.La interpretación de Natalia Solián al narrar su relato es impresionante.

Esa misma relación, compaginada por la causa que tiene a Tacho soportando lo indeseable debido a la burocracia, abre una puerta para pensar en las paternidades mexicanas que son víctimas de la tragedia nacional (feminicidios, desapariciones). Es un complemento a las narrativas que recrean las historias de la violenta realidad y sus estragos entre quienes quedan muertos en vida.

El peregrinar de Tacho (reiterar la transmisión emocional tan natural que brinda Eustacio Ascacio) lo sentimos cercano, convulso, conmovedor e irritante por otro factor a considerar, la fotografía de Serguei Saldivar Tanaka. Con su cámara no crea tomas, sino atmósferas que desde el ámbito rural hasta el urbano nos hacen partícipes de ese acompañamiento. Probablemente la forma directa de recordarnos que no es necesario experimentar el dolor en carne viva para sentirlo, para no mirarlo ajeno a nosotros.

Por más ganas que le pone el chico para ser peluquero, el destino se encarga de hacerle saber que eso no es lo suyo. Le muestra que su camino está en la repostería, arte de la gastronomía que le apasiona y para la que tiene un toque especial. El problema es que a su padre no le agrada la idea de que rompa con la tradición, mucho menos para dedicarse a hacer postres y pasteles.

Esa irrupción en la historia familiar habrá de llevar a una confrontación necesaria para beneficio de ambos. En el marco de esa relación entre padre e hijo también se desprenden temas como la reinvención, la construcción del diálogo y la conciliación.

Conversamos con Fernanda Lozada, directora de Bouclette, acerca de su cortometraje y el presente del cine de animación en México.

Entrevista con Fernanda Lozada, directora de Bouclette

Fernanda, ¿por qué elegiste los oficios de peluquero y repostero para tus protagonistas?

Fue una suerte de estar en el momento y en el lugar correcto. Cuando empecé a escribir Bouclette, sin saber que iba a convertirse en esta historia, acudía a un café que me gustaba mucho en la colonia Juárez, Ciudad de México. Recién había regresado de haber estudiado animación en París.

Me había encontrado a Guillermo del Toro en Francia. Entonces volví con toda la nostalgia de ese imaginario a México y con una fascinación por comer pan, sobre todo el pan. Así que iba cada miércoles a ese café porque vendían un pan delicioso. Es allí donde escucho que el panadero es francés y que su oficio anterior fue el de peluquero. Me pareció algo muy interesante.

Eso fue una linda pauta que conecté con mi mamá, una mujer que se dedicó 15 años a hacer panadería y repostería. Con ella aprendí a hacer pasteles, a agarrarle gusto a la cocina, pero especialmente a conocer el vocabulario de la repostería. Por eso cuando oí que el panadero había sido peluquero, me vino a la mente la similitud que tienen esos dos oficios. Por ejemplo, el peluquero pone crema en el cabello con un movimiento manual casi idéntico al que hace un pastelero al untarla. O vemos que en la peluquería usan una toallita para echar aire después de poner alcohol, un movimiento que es casi igual al del pastelero para hacer masa de pizza. Me emocionó explorar esas similitudes.

Estamos habituados a ver contenidos donde la figura paterna luce por su ausencia porque así es la realidad de muchas familias. Tú, en cambio, la pones como eje central. ¿Por qué decidiste plantear esta relación padre-hijo?

Ligué lo emocional con la figura de la madre, pero lo físico con el padre porque es la imagen estricta.

Me gustaba la idea de abordar la conciliación de dos partes, la unión de dos mundos. Es la conciliación de repostería con peluqueria, de padre con hijo, del pasado con el presente. Me interesaba plasmar una unión en la que no todo fuera blanco o negro por completo. Siempre hay un punto medio en el que podemos encontrar un espectro de grises. Lo bonito es hallar dónde cabemos todos y cómo nos apoyamos o agarramos de nuestros trasfondos para ser felices y hacer algo que realmente nos llene.

Mostrar esa relación entre padre e hijo surgió así, de pensar en personajes que requerían de una unión.

Y es complejo. Vivimos en una sociedad que sigue arraigada a esa intervención de un padre para decidir por un hijo en sus elecciones de futuro sin darle a éste otra alternativa que acatar o acatar. Tú le das a esos padres e hijos una vía distinta para romper con esa práctica.

Me agrada haber llegado a esa complejidad. Lo fácil era haber terminado la historia con la repostería ganando sobre la peluquería, o bien con la tradición familiar imponiéndose para desaparecer los sueños de la nueva generación. Lo lindo de Bouclette es que muestra que existe un punto medio en la vida, y el punto medio es reconfortante, pero no deja de ser complejo llegar a él. Creo que se puede aprender más escuchando al otro que imponiendo. Hay opciones para romper con esa cultura de obligar a los hijos que sean lo que no quieren ser, tal como lo es el diálogo.

¿Pensaste Bouclette para un público en específico? Lo pregunto porque es tan entretenido para un niño como para un adulto. Además de permitirle lecturas distintas a cada edad.

Ha sido muy lindo asistir a funciones y ver que todo mundo disfruta Bouclette. Hay una escena en especial que provoca la risa de la gente. No importa la edad, la nacionalidad o la cultura. Lo han disfrutado por igual en los lugares donde lo he presentado. Eso me lleva a comprobar que conecta con todo el público.

Durante mucho tiempo se ha confundido que el cine de animación es únicamente para niños. Y no. Una buena animación, para mí, es aquella que conecta con el público en general. ¿Qué pasa cuando sale una película de Pixar? Toda la gente espera ver la película de Pixar que se estrenó. Niños, adolescentes y adultos por igual. Ya sabemos que aunque tengamos 10, 20, 30, 40 o 50 años, vamos a querer estar en la sala de cine con un nuevo estreno para llorar, ya sea por nostalgia o por las historias. A eso aspiro yo también.

Para ser ese Pixar, bueno, primero hay que creer en el cine de animación mexicano. Talento hay, pero falta impulsarlo y darle los medios, además de visibilidad. ¿Dónde se encuentra actualmente la animación dentro de la industria?

Definitivamente hay talento, muchísimo talento. Hay que decir también que existe una gran fuga de talentos. Hay gente que se va y nunca regresa. Están los casos de otras personas que quieren irse para poder hacer lo que les gusta pero no los aceptan por la nacionalidad que tienen o por no haber estudiado en escuelas prestigiosas. O eres afortunado y te fugas, o eres afortunado y te quedas en México justo ahora. Estamos viviendo un momento en que la industria se ha levantado.

Tenemos talento en animación, ilustración, producción, fondos, fotografía. Me agrada ver que vamos mejorando. Hemos visto largometrajes exhibiéndose en salas comerciales, lo cual es motivante para quienes nos dedicamos a esto. Falta entrarle de lleno, sin duda, pero vamos dando pasos.

¿Qué representa la animación para ti?

Para mí hacer animación es un acto de servicio. Conecto demasiado con mi infancia, un periodo en el que llegaba de la escuela a la casa y me ponía a ver caricaturas para relajarme, para ser feliz. Mientras comíamos, mi mamá me ponía mis favoritas y platicábamos alrededor de lo que veíamos, de lo que nos contaban esas historias. Digo que es un acto de servicio porque me esfuerzo ocho o nueve horas de trabajo para sacar dos segundos sabiendo que ese momento se le puede quedar grabado para siempre a alguien más, tal como me pasó a mí. La animación que hago es un intento por ayudar al espectador a que se serene de un mal día, a que sonría, a que vea que no todo está perdido.

Tengo un agradecimiento profundo por toda la gente que trabajó en las caricaturas que vi en los noventa y la década del 2000. Me brindaron felicidad. ¡Cuántas horas habrán laborado esas personas para que una niña como yo pudiera tener instantes hermosos mientras comía mi cereal! Eso es mi motor para hacer animación. Quiero contar historias memorables, que traigan un respiro o un abrazo a chicos y grandes.

Sin que esa sea su intención, Bouclette lanza una invitación particular a los hombres de mi generación. ¿Cuál? La de empezar a cerrar ciclos de la mejor manera con nuestros viejos. Somos una generación que ya estamos enterrando a nuestros padres o viéndolos cerca de ese destino al que todos llegaremos. Vale pedir perdón y conciliar, ¿no?

¡Claro! Si estás aquí entero, vivo, y con tu papá todavía con vida, ¡¿por qué seguir generando conflictos?! Bouclette funciona como un llamado a derrumbar muros, a dejar de ser tercos o rencorosos y buscar la forma de llegar a un punto medio para ayudarse uno a otro en construir nuevos vínculos o reconocerse en una relación fracturada. Por más que nos despeguemos de ese conflicto, siempre hay la opción de hallar un punto para coincidir y comenzar de nuevo.

Richard Pryor y Gene Wilder fueron los genios que protagonizaron esa hilarante y alocada comedia. ¿Cómo habrá sido carcajearse con ellos en la sala del Empire Cinema inglés durante 1981? Eso lo sabe con precisión Stephen (Michael Ward), el chico de raza negra que trabaja como boletero y vendedor de dulces en este complejo mientras intenta ser aceptado en alguna universidad para estudiar arquitectura.

A diferencia de su compañera Hilary (Olivia Colman), él sí aprovecha para disfrutar las películas que exhibe el Empire Cinema. Viéndolas y perdiéndose en ellas es como se siente seguro ante la hostilidad que sufre en la calle por su color de piel. De igual forma se resguarda en las ficciones cinematográficas de un mal de amores y de la frustración que tiene por el rechazo universitario.

Se encargará de inculcarle eso a Hilary, quien tarde o temprano le hará caso y comprenderá el porqué las películas son un refugio seguro en instantes de crisis. A su vez, Hilary no lo hará sin antes atravesar por más descubrimientos en su vida, tales como la sexualidad placentera y el amor con alguien mucho más joven que ella, el propio Stephen.

Sam Mendes presenta un nuevo trabajo que apunta a ser nostálgico contextualizado en el ambiente sociopolítico convulso que se vivió en Inglaterra durante 1981 con la tensión que derivó en el famoso disturbio de Brixton (enmarcado por un conflicto racial y desempleo). Pero su guion (también es el guionista) deambula con traspiés al querer abarcar demasiados temas complejos que van y vienen sin darle tiempo de asimilación a cada uno.

Cada vez que hay un salto de un tema a otro aparece la fotografía de Roger Deakins para que el espectador no se extravíe o distraiga. Líneas, líneas y más líneas se aprecian en los espacios que recorren los personajes. Esas líneas transmiten orden, recordándole así al público que la imagen es un sostén cuando la historia se trastabilla. Más aún cuando se trata de un cúmulo de imágenes que cautivan por su pulcritud y respeto hacia quienes representan lo escrito por Mendes.

Afortunadamente también está Olivia Colman para mantener y conducir el plano emocional de los momentos intensos que vive como Hilary, una mujer madura que masturba en secreto a su chantajista jefe Mr. Ellis (Colin Firth), que debe suministrarse litio para controlar su esquizofrenia y lidiar con sus sentimientos al enamorarse de Stephen.

Es Olivia Colman quien redondea y da sentido a una de las intenciones que plantea Mendes cuando ella se entrega a Being There (de Hal Ashby, 1979), un peliculón protagonizado por el extraordinario Peter Sellers en el papel más melodramático y emotivo que tuvo como actor. Allí notamos que el director y guionista, a través del gusto cinéfilo de Stephen, tiene razón al afirmar que las películas son un lugar seguro. No así un cine, templo sagrado para la cinefilia que no es tan confiable como pensamos. Son las películas aquello que nos funciona como refugio, se vean donde se vean. Así sea en la sala de tu hogar con Locos de remate en la primera función de la permanencia voluntaria del Canal 5.

Y si abrazamos una escena de este refugio llamado The Empire of Light, aparte del encuentro que Hilary tiene con Peter Sellers, tiene que ser la de Hilary con la madre de Stephen. Ambas tienen una interacción que no pasa desapercibida porque es un suave trancazo que obsequia Sam Mendes para cuestionarse posturas sobre el amor y la diferencia de edades. He ahí un gran tema para volver a la realidad.