<p>Efraín, miembro de una humilde familia que vive en la playa El Palmarcito, ha muerto. Tras su deceso, <strong>los miembros del hogar deben reorganizarse en una nueva vida matriarcal bajo el mando de Dominga. </strong>Por si el luto no fuera suficiente, la situación se complica cuando un extraño llega a la costa y un eclipse solar modifica la cotidianidad de los lugareños.</p>
<p><em>Estoy todo lo iguana que se puede </em>es una película que debe su título a un poema escrito por el escritor tabasqueño Carlos Pellicer. <strong>Asimismo debe su historia a la obra de teatro<em> El eclipse</em>,</strong> escrita por Carlos Olmos. La conjunción de ambos textos moldean este trabajo del director Julián Robles.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2023/01/24/noticia_0029.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>Con un elenco conformado por<strong> Luisa Huertas, Dolores Heredia, Mayra Batalla y Kristyan Ferrer, </strong><em>Estoy todo lo iguana que se puede </em>tendrá una proyección especial en el Palacio de Bellas Artes este 4 de febrero a las 19:00 horas.Se trata de una función musicalizada en vivo por la Orquesta Filarmónica de la Secretaría de Marina, Tambuco Ensamble y Marimba Nandayapa.</p>
<p>Platicamos en Spoiler con la actriz <strong>Dolores Heredia</strong> y el director <strong>Julián Robles </strong>acerca de esta experiencia que funciona para promocionar la película, así como de lo que fue construir esta historia surgida de la poesía y el teatro.</p>
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<p> Entrevista con Dolores Heredia y Julián Robles, actriz y director de <em>Estoy todo lo iguana que se puede</em></p>
<p><strong>Julián, vivimos una actualidad en la que el público busca experiencias previo y durante una película. En su tono, tu película lo hace desde el trailer con la declamación del poema hasta una función especial en Bellas Artes con música en vivo. ¿Podemos decir que es una experiencia sensorial?</strong></p>
<p><em>Así es. Es una película que en su manufactura y promoción reúne muchas artes. La proyección especial en Bellas Artes conjunta a la literatura, el teatro, la música y el cine. Es una presentación que cobija una intención de la película por contar una historia de forma sensorial. Para eso prioricé mucho el trabajo actoral en aras de darle vida al poema de Carlos Pellicer que lleva el título de la película y la obra de teatro en la cual baso la historia, que es </em>El eclipse, <em>de Carlos Olmos. El reparto se encarga de materializar y transformar esos textos.</em></p>
<p><em>Fue un placer colaborar con Claudio Chea, cinefotógrafo recientemente fallecido. Su visión y sensibilidad no solamente consistió en darle vida al lugar donde ocurren las cosas, sino también en transmitir emociones y sensaciones de los personajes que habitan en ese espacio. Fue construir un universo visual y sensorial.</em></p>
<p><strong>¿Cómo ejecutas la idea de llevar poesía al cine dándole a cada pieza artística su debido lugar sin que se pierda la premisa de que, ante todo, es una película de ficción?</strong></p>
<p><em>La poesía es una belleza. Este poema de Pellicer no es plasmado como tal en pantalla. Le agregamos algunas cosas que tocan diversos temas para tener una película. Precisamente esa libertad que concede la ficción es lo que permite contar una trama que al final le dará al espectador la posibilidad de interpretar lo que quiere, o bien de darle una lectura según sus propias emociones. Lo poético también está en lo que siente quien ve la película.</em></p>
<p><strong>Dolores, como actriz, ¿de qué manera se le entra al trabajo actoral en un guion que fusiona lo cinematográfico con lo poético y demanda introducirse a una experiencia sensorial?</strong></p>
<p><em>Es un guion que me gustó muchísimo desde la primera lectura. Julián, como director, me encantó desde el primer momento porque tenía muchas ganas de hacer algo así en cine. Y me refiero a unas ganas distintas a las que he percibido en otras personas para hacer cine. ¿Por qué hacer una película? ¿Por qué hacer una película de esto? ¿Por qué hacer una película con esto? ¿Por qué hacer una película en ese lugar y en ese tono?</em></p>
<p><em>Fueron dándose una cantidad de cosas que iban aportándome algo en mi vida, a mis propias preguntas, a mis propias ganas, a mi deseo de configurar mi propio destino. A eso fueron sumándose actores, técnicos, creativos. Fue conformándose un universo. Cada pasito era una respuesta a algo que conscientemente no me había preguntado, pero se fue construyendo.</em></p>
<p><em>Hasta que llegamos allá (a Chiapas), en ese entorno, con ese clima… Recuerdo perfecto el ruido del ventilador, los sonidos de ese lugar. Todo eso fue sumando para la construcción de los personajes, mismos que a su vez teníamos ahí enfrente. El peinado de mi personaje fue una decisión de haber visto a alguien que lo tenía allí. Fue ir agarrando elementos que había en ese lugar. Y la poesía está en eso.</em></p>
<p><strong>La película igualmente invita a conectar con la naturaleza, con esos entornos que tienen una estrecha espiritualidad con sus habitantes. ¿Cómo se adentra alguien ajeno en ese universo para hacerlo suyo, Dolores?</strong></p>
<p><em>Todo se dio de manera muy natural. Eso no significa que haya sido fácil, o que tenía que ser así por alguna u otra razón. Creo que también influye el brote emocional o espiritual que trae cada uno. Había una extraordinaria asistente de dirección, un foquista, un fotógrafo, todos los técnicos. Todos traíamos un brote particular que al final sumó. Y el entorno mismo se unió.</em></p>
<p><em>Como lo que estábamos contando era una historia sobre la vida misma, pues la vida misma sumó para que todo fluyera. Es una suerte, o un privilegio, haber vivido en un lugar sin paredes, entre la naturaleza, junto a un grupo de personas sin miedo a contagiarse de las emociones del otro. Fue una comunión muy linda, muy profunda.</em></p>
<p><strong>Julián, dentro del valor que le diste al trabajo actoral para contar tu historia, ¿cómo fue dirigir a un reparto con rostros de generaciones distintas y, por ende, escuelas diferentes?</strong></p>
<p><em>En mi cabeza tuve muy claro a quienes podían tener el alma para entender la película. Posteriormente, ya enfocándome en el físico de mis personajes, lo que quería era ver cómo se adaptaba el reparto al entorno durante el tiempo que tenían para estar ahí. Si en mí hubiera estado la decisión, yo hubiera presupuestado un mes de estancia en la zona que grabamos para que se adaptaran por completo al espacio y observar cómo funcionaban. Pero este reparto se adaptó rápido.</em></p>
<p><em>Entendieron y sintieron inmediatamente a ese lugar, a su gente. Conectaron también entre sí. Eso fue maravilloso. Para mí como director, me pareció maravilloso. Hubo momentos en que alguno se iba para perderse por la zona y regresaba como si nada. Hubo ocasiones en que se iban a comer a una fonda cercana al set porque querían convivir con los habitantes y ser parte de su comunidad. Realmente estaban integrándose a ese universo para transmitirlo en la película. Y no solamente el reparto, sino todo el equipo de técnicos y creativos que participaron.</em></p>
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Estoy todo lo iguana que se puede, una película mexicana que llega a Bellas Artes

Estoy todo lo iguana que se puede, una película mexicana que llega a Bellas Artes - Spoiler

<p>Hay sucesos tan absurdos e inverosímiles que solamente pueden propiciarse en la vida real. <strong>Ni la mente más ocurrente inventa situaciones tan ingenuas o burdas desde la imaginación para una ficción. </strong>Y es que la realidad es una enorme fábrica de anécdotas donde el ser humano es capaz de crear historias impensables en función de sus inauditas acciones. Por ejemplo, los robos torpemente cometidos.</p>
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<p><strong>A lo largo de la historia se han registrado asaltos tan mal ejecutados que se convierten en episodios de humor involuntario.</strong> Lo increíble de esas experiencias criminales fallidas ha sido atractivo para el cine, arte que a su vez se alimenta de esa realidad para trasladar al plano ficcional lo aparentemente irreal y contarlo desde distintos géneros cinematográficos.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2023/01/27/noticia_0021.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p><strong>Basta recordar la extraordinaria <em>Dog Day Afternoon</em> (1975), de Sidney Lumet.</strong> Fue una película que mezcló comedia sutil con thriller para narrar el atraco a un banco sin dinero que fue planeado por un hombre que quería pagar la operación de cambio de sexo de su marido anónimo. Si bien el final de los asaltantes es trágico en el filme, el desarrollo del robo y la torpeza de la policía durante las negociaciones (porque hay una simpática toma de rehenes) fue moldeado por el hecho verídico de ese suceso.</p>
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<p>En esa tónica de absorber una anécdota real para contarla mediante comedia y thriller es como encontramos a <em>Corazonada </em>(2022), de Juan Manuel Cravioto. El director retoma el fraude millonario que intentaron llevar a cabo funcionarios, edecán y encargados de grabar los sorteos de Pronósticos en 2012 con el cobro del premio de Melate.<strong> Pudo ser el robo perfecto de no ser por tonterías cometidas al cobrar el dinero, </strong>lo cual marcó la pauta para que las autoridades descubrieran el engaño.</p>
<p><strong>Fue una de las noticias más surreales del México contemporáneo. </strong>Cravioto, como guionista y director, la rescató del olvido para elaborar una película entretenida que coloca al espectador en una posición que no siempre es fácil de conseguir, mucho menos en el presente actual del país. ¿Cuál? Empatizar con los delincuentes. Algo así como lo que pasó con<em> Ocean’s Eleven</em> (2001), de Steven Soderbergh. No nos hagamos de la vista gorda; un sueño o ilusión momentánea ha sido ganar la lotería o robar un banco como en las películas. Claro, mientras no sea como en <em>Tarde de perros</em>.</p>
<p>Probado como un realizador que conoce su oficio y que gusta de jugar con los géneros cinematográficos, <strong>Cravioto ha encontrado en la comedia un conducto para hacer el cine que le interesa y las historias que quiere contar. </strong>Pero evita los chistoretes y los gags de sketch televisivo. Por el contrario, su gracia la acomoda con armonía tenue en lo que para sus personajes es tragedia o miedo. De igual forma, su comedia es permisiva y acomedida con géneros como el thriller, lo que dota de suspenso al camino que emprenden sus personajes. En contraste, el público tiene la oportunidad de atestiguar con humor los periplos de los protagonistas.</p>
<p>Los personajes del reparto conformado por <strong>Osvaldo Benavides, Bruno Bichir, Michelle Renaud, José Sefami, Kristyan Ferrer y Adrián Vásquez </strong>tienen el rasgo de no ser virtuosos ni talentosos en nada, es decir, simples mortales como cualquier individuo. Eso igualmente influye de forma positiva para simpatizar con su causa, tal como ocurre con los cinco amigos que roban un casino en <em>Cinco nacos asaltan Las Vegas </em>(1987), de Alfredo B. Crevenna.</p>
<p> <em>Corazonada </em>es una comedia fusionada con thriller que, además de causar un buen rato de entretenimiento, nos recuerda que <strong>en el México real todo es posible</strong> y que lo inverosímil puede ser gracioso.</p>

Corazonada, el humor impensable que obsequia el México real

Corazonada, el humor impensable que obsequia el México real - Spoiler

<p>La edición 52 del Festival Internacional de Cine de Róterdam (IFFR) tiene entre sus películas participantes a la película mexicana <em>Corazonada,</em> dirigida por José Manuel Cravioto y <a href="https://spoiler.bolavip.com/tv/Esto-fue-lo-mas-destacado-de-Paramount-Plus-en-2022-20221227-0015.html" target="_blank" rel="noopener">producida por Paramount Plus.</a> Se trata de una comedia fusionada con thriller que cuenta un hecho basado en la vida real: <strong>el fraude a Melate.</strong></p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2023/01/24/noticia_0029.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>En enero de 2012 se transmitió en cadena nacional uno de los habituales sorteos televisivos de Pronósticos con <strong>una bolsa ganadora de 160 millones de pesos.</strong> Nada parecía fuera de lo común hasta que las autoridades detectaron anomalías en el cobro del premio y fallas en la transmisión, dándose cuenta de que funcionarios y edecán del sorteo hicieron un montaje televisivo para cobrar la millonaria suma.</p>
<p>Aquel episodio fue retomado por José Manuel Cravioto para llevarlo al cine.<strong> En Spoiler platicamos con él sobre el origen de la idea cinematográfica,</strong> la construcción de la historia y el valor de que una comedia mexicana participe en <a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Malintzin-17-es-la-traduccion-del-lenguaje-de-los-muertos-al-lenguaje-de-los-vivos-Mara-Polgovsky-20220316-0001.html" target="_blank" rel="noopener">festivales como el IFFR.</a> </p>
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<h2 style="text-align: center">Entrevista con José Manuel Cravioto, director de <em>Corazonada</em></h2>
<p><strong>¿Por qué decidiste rescatar la anécdota de uno de los sucesos más inverosímiles y curiosos de la historia contemporánea en México?</strong></p>
<p><em>Recuerdo muy bien haber leído la noticia en periódicos y haber visto las noticias del caso. Yo estaba filmando en ese momento </em>El más buscado (2014),<em> una película que cuenta la historia de un asaltabancos mexicano en la década de los ochenta como lo fue Alfredo Ríos Galeana.</em></p>
<p><em>Entonces fue como hallar una línea que unía al cine que estaba haciendo con el que quería hacer. El común denominador que me atrajo fue el tema del robo, el asalto. Pero con el caso del sorteo, lo que llamó mi atención es que no se hizo con pistolas, sino con cámaras de televisión.</em></p>
<p><em>Ese detalle de usar cámaras de televisión para cometer un fraude millonario en vivo, me pareció una gran historia. Me di cuenta que en México no necesitamos esperar las grandes historias para hacer una película. Para bien o para mal, nuestro país genera diariamente anécdotas de todo tipo que se pueden contar. Este robo era muy original en su concepto, nada le pedía a producciones de Hollywood que abordan estas tramas.</em></p>
<p><em>También me atrajo que la historia se prestaba para fusionar dos géneros que me gustan, que son la comedia y el thriller. Tenía esa dosis de energía que me animó a escribir el guion. Lo escribí en 2012, pero fui haciéndole cambios para afianzar o pulir algunas cosas. En 2020 a Paramount Plus le interesó y hoy tenemos una ficción sobre algo inaudito que sí sucedió.</em></p>
<p><strong><em>Corazonada </em>me remontó a <em>Tarde de perros</em> (1975), de Sidney Lumet, en dos aspectos. El primero es la combinación de géneros para lograr una película que cumple su cometido. El segundo es el hecho de que robos así solamente ocurren en la vida real. Un robo como el del Melate quizá no te sale si primero lo ficcionas para una película. Tenía que salir de la realidad.</strong></p>
<p><em>En efecto, la realidad puede ser entretenida para la ficción. </em>Tarde de perros<em> es una de mis películas favoritas. Suelo regresar con frecuencia a ella y repasarla para alimentarme de su genialidad. Ahora que están tan de moda las listas para determinar a las 100 mejores películas de todos los tiempos, me parece injusto que no aparezca en esos listados. Se le hace poca justicia. Precisamente tiene la particularidad de hacerte increíble un robo que bien pudo quedar en anécdota.</em></p>
<p><strong>Cometer un robo perfecto o sacarte la lotería es una cuestión de azar. ¿Cómo jugaste con esta parte al escribir la película?</strong></p>
<p><em>El azar o la suerte está muy acentuado en la cosmogonía del mexicano, ya sea por cuestiones religiosas, de usos y costumbres, o simple superstición. Hay un apego especial hacia la suerte sobre lo que uno sueña tener, ambiciona tener y desea tener. Es una relación muy cercana del mexicano con la suerte en el sentido de cómo construye ese ideal de ganar o conseguir algo. En el caso de nosotros los mexicanos también hay una dosis de malicia en aras de que la fortuna nos sonría. Y fue eso, la malicia, lo que me resultaba simpático.</em></p>
<p><strong>Volviendo a <em>Tarde de perros,</em> ya que mencionas la malicia, nos reflejamos en los ladrones protagonistas y por eso empatizamos con quien comete el robo. Alguna vez hemos pensado en cómo robar un banco, por ejemplo. ¿Qué tan difícil es conseguir que se genere empatía con alguien que está haciendo algo indebido? Eso ocurre con Corazonada.</strong></p>
<p><em>A veces los directores o escritores nos detenemos mucho para construir a nuestros personajes. Para esta película quise evitar ese desgaste desde algo tan simple como mostrar personas que no son virtuosas en nada. No son valientes, no son tan inteligentes para armar un plan, no son galanes, no son atléticos. Vaya, no son Brad Pitt y George Clooney como para robar un casino en </em>Ocean’s Eleven (2001). <em>Son todo lo contrario.</em></p>
<p><em>Quería que fueran como cualquier otra persona. Pero ellos encuentran un punto muy valioso en quien toma la decisión de atreverse, de jugársela. Confían en esa decisión y la seguridad de quien los ha animado a llevar a cabo un robo. Cada uno tiene necesidades distintas para sumarse a esa idea. Tampoco caen mal. Creo que eso contribuye a que sean por lo menos simpáticos.</em></p>
<p><strong>José Manuel, la película participa en el Festival Internacional de Rotterdam (IFFR) en la sección Harbour. ¿Qué significa que una comedia mexicana trascienda a un festival de esta magnitud y sea vista como un contenido cinematográfico digno de exhibirse a nivel internacional?</strong></p>
<p><em>Para mí es un premio ir a Róterdam. Es increíble, grande. Me tomó por sorpresa, pero al mismo tiempo no, porque Corazonada tuvo un proceso muy sincero. Es una película que como director quería contar. La escribo, dirijo y produzco, por lo que tiene la receta perfecta de esa ecuación.</em></p>
<p><em>Veo importantísimo también que con esta película pueda voltear a nuevas generaciones de cineastas y decirles que no tienen que hacer un cierto tipo de cine para ir a un festival como el de Róterdam. Es importante encontrar nuevas historias, historias que están en el aire y necesitan ser contadas. No es un solo tipo de cine el que va a festivales. Creo que estos festivales precisamente están esperando ver de México nuevas historias, o historias distintas a las que están acostumbrados. Que sea una comedia combinada con thriller la que esté ahí, me parece increíble.</em></p>
<p><strong>¿Es posible hacer buen cine de entretenimiento en México y a la vez ser buen cine?</strong></p>
<p><em>Claro, es posible. Podemos hacer cine de calidad que llegue al gran público en salas o plataformas como Paramount Plus y que además pueda llegar a un sector más especializado, tal es el caso de lo que pasa con Corazonada en Róterdam. Insisto, creo que es fundamental percibir las historias que están en el aire y contarlas, hay que contarlas.</em></p>
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“Es importante que una comedia mexicana llegue a festivales como el IFFR” : José Manuel Cravioto, director de ‘Corazonada’

“Es importante que una comedia mexicana llegue a festivales como el IFFR” : José Manuel Cravioto, director de ‘Corazonada’ - Spoiler

<p>Lucio (Juan Minujín) es un escritor que ha perdido un concurso literario y acepta impartir la clase de literatura como maestro suplente en una preparatoria ubicada en la periferia de Buenos Aires. <strong>En su nuevo trabajo tendrá que hacer un gran esfuerzo para ganarse la confianza de sus alumnos, </strong>pero su intento de relacionarse con los chicos sufre una reacción especial cuando la gendarmería ingresa a la escuela para una redada con motivo de detectar drogas. Uno de los alumnos es detenido y otro debe esconderse para evitar la venganza del capo local, ‘el Perro’ Olmos.</p>
<p>El director argentino Diego Lerman presentó <em>El suplente</em> en la Cineteca Nacional como parte del estreno que tendrá la película en cines mexicanos a partir del 26 de enero. En Spoiler tuvimos la oportunidad de conversar con él sobre su nuevo proyecto, mismo que llegó a Netflix en Argentina.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2023/01/25/noticia_0029.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<h2 style="text-align: center">Entrevista con Diego Lerman, director de El suplente</h2>
<p><strong>Vemos que hay narcomenudeo en la zona donde se ubica la escuela y que trasciende a las aulas escolares. Estamos hablando de un territorio conquistado por el crimen organizado. Pero no vemos muertes, no vemos violencia explícita que seguro existe. ¿Por qué decidiste no mostrar o evitar eso?</strong></p>
<p><em>Para mí era más fuerte si eso (el crimen organizado) estaba fuera de campo. Pese a mostrar la intrusión de la gendarmería en la escuela y posteriormente al narco en un baño, quería que esa presencia quedara en el trasfondo y enfocarme en el contexto del maestro con sus alumnos y su familia. No es que no me parezca importante. Simplemente quise que el crimen fuera parte del paisaje y no focalizar su relevancia en esta historia que atiende otro aspecto que es el maestro.</em></p>
<p><strong>Un maestro que en su inconsciente, o consciente, vive en la negación de aceptar que su hija tiene 12 años. Él insiste en verla de 11. ¿Ese rechazo a la adolescencia de su hija no es contradictorio en la búsqueda de aceptación por parte de sus alumnos adolescentes?</strong></p>
<p><em>La hija del personaje es mi hija en la vida real. Los que somos padres comenzamos a verlos crecer y reparamos en esa edad en la cual hay una transición para pasar de ser dependientes a seres autónomos con otras ideas, con otras visiones del mundo. Transitar de la infancia a la adolescencia es una bisagra difícil de aceptar, pero que como padres nos toca acompañar. En el caso de Lucio, el maestro, tiene que aceptar que su hija ya no es una niña y que desea un colegio diferente al que él quiere para ella. Pasa eso, que como padre no acepta esa transición.</em></p>
<p><strong>Hay una escena en la que vemos a la hija mostrándole a Lucio cómo es la posición correcta de una pintura a la que ella interpreta de forma concreta cuando él le daba un significado abstracto. ¿Es una manera de decirnos que nos hemos olvidado de escuchar a las nuevas generaciones?</strong></p>
<p><em>Esa escena se improvisó. El cuadro lo pintó mi hija y jugaba con ella en el set a adivinar qué era. Ese juego me llevó a plantearlo como un ejercicio en escena para ver cómo Lucio reaccionaba al hecho de que la niña era capaz de ver el mundo de distinta manera y mucho más entendible que como lo ve él. Decidí grabarlo. Fue en el montaje que me incliné por añadirla a la edición final porque dotaba de mayor sentido la relación del maestro con el universo juvenil del salón de clases.</em></p>
<p><strong>A través de los textos que los alumnos escriben, el maestro y el espectador se enteran de que algunos sufren violencia intrafamiliar o padecen situaciones desagradables en sus hogares. ¿Por qué tomaste la decisión de tampoco mostrar esos problemas para la construcción de la relación entre Lucio y su alumnado?</strong></p>
<p><em>Una de las dificultades que tuvo este proyecto fue saber qué mostrar y qué no. Se evaluó durante la investigación, en las distintas revisiones del guion. Para mí lo importante era atender el eje del valor de la educación, exaltar a la figura de un maestro como Lucio impartiendo clases en esos márgenes sociales y la relación escolar. Parte del trabajo de la película era entender un universo, comprenderlo, y elegir lo que debía mostrarse. Con esa premisa definida determinamos qué era lo que no debía mostrarse.</em></p>
<p><strong>Una forma de resolver la presencia de un narco como ‘el Perro’ Olmos fue mediante la aparición de perros callejeros. Un lenguaje simbólico. ¿Lo pensaste así desde un principio o esos perros aparecieron en la grabación?</strong></p>
<p><em>Algo que me gusta al filmar es integrar los elementos del entorno donde estoy filmando. Esos perros andaban ahí y quise integrarlos como parte de ese lugar. Yo vi a los perros jugando y rápidamente armé con el director de fotografía un plan para incorporarlos. Estaban ahí. Le convenían a la película.</em></p>
<p><strong>¿Dónde está parado hoy el cine argentino? ¿En qué momento se encuentra? Hacia el exterior, se percibe que atraviesa una buena etapa en producciones y propuestas.</strong></p>
<p><em>El cine argentino es muy vital. Hay mucha gente que hace cine. Somos varios los que llevamos más de 20 años haciéndolo. Algunos somos parte de una generación que comenzó a hacer cine en el siglo XXI, a partir del año 2000. Hay generaciones nuevas que traen ideas frescas. Por otra parte, se trata de una industria que todo el tiempo está en crisis. La manera de financiar es complicada, difícil. En contraste, Argentina tiene talento y diversidad para hacer buenas películas, pero la situación económica del país no es tan buena. Lo que sobra son miradas artísticas, talentos actorales, talentos técnicos. Lo que nos falta son recursos. Por eso seguimos haciendo cine con los medios que tenemos al alcance o a través de coproducciones. Urge una financiación que acompañe de forma estable la energía y la creatividad de nuestra cinematografía.</em></p><p></p>

"Argentina tiene talento para hacer buenas películas": Diego Lerman, director de El suplente

"Argentina tiene talento para hacer buenas películas": Diego Lerman, director de El suplente - Spoiler

<p>Es una historia conocida y muy abordada en el cine desde distintas lecturas. Se trata del maestro inexperto que debe lidiar con alumnos adolescentes para ganarse su atención. Ello implica confrontarse consigo mismo y su núcleo <a href="https:\/\/spoiler.bolavip.com/cine/Murio-Claudio-Da-Passano-cual-era-su-personaje-en-Argentina-1985-y-el-sentido-mensaje-de-Ricardo-Darin--20230125-0011.html" target="_blank">en aras de conectar con los estudiantes </a>a su cargo. En resumidas cuentas es la premisa de <em>El suplente, </em>nueva película de Diego Lerman. Pero, para bien o para mal,<strong> &iquest;qué la hace diferente a las demás?</strong></p> 
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<p>Aquí nos cuenta la novedosa experiencia de Lucio (Juan Minujín) como docente suplente de literatura en una preparatoria urbana. Sin embargo, no es en cualquier zona de la urbe. La escuela<a href="https:\/\/spoiler.bolavip.com/cine/El-desafio-de-rodar-Un-crimen-argentino-la-historia-basada-en-un-mito-urbano-de-la-dictadura-20220823-0018.html" target="_blank"> se ubica en las afueras de Buenos Aires, </a>es decir, en un territorio marginal que parece un pequeño accidente geográfico que da la impresión de estorbar a la gran ciudad. Situar en este espacio el conflicto es un acierto de la película. &iquest;Por qué? Porque en México, si asumimos la universalidad de la marginación en zonas urbanas castigadas por el olvido, es identificable a la periferia. En Ciudad de México, para ser más precisos, la periferia y sus habitantes son castigados con desprecio; se les invisibiliza por clasismo, racismo. <strong>Lerman visibiliza a esos sitios y personas que no existen para el resto.</strong></p> 
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<p>Lo hace a través de algo que también se asemeja a México: <strong>la venta y consumo de drogas entre la población juvenil. </strong>Lucio empieza a interesarse de forma tardía en el entorno de sus alumnos cuando elementos de la gendarmería llevan a cabo una redada escolar que culmina con la detención de un estudiante por tráfico de estupefacientes. Dilan, otro de los alumnos involucrados, se ve en la necesidad de esconderse tras ser amenazado por un capo local del narcomenudeo con aspiraciones políticas.&nbsp;</p> 
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<p>Tras esa situación viene un inconveniente en la manera de abordar la película. Y es que al saberse la presencia del crimen organizado para reclutar y operar mediante estudiantes que radican en la zona, la intención del director se inclina más hacia los conflictos familiares del maestro en vez de atender con mayor proporción a los adolescentes, quienes son la causa principal de su existencia como docente, especialmente cuando las fuerzas del orden irrumpieron un aula escolar, <strong>síntoma de que las cosas no están nada bien en ese entorno.</strong> Sin embargo, ese hecho queda como anécdota conforme va suavizándose el proceso de Lucio para conectar con sus estudiantes.</p> 
<p>Por momentos resulta aletargado e innecesario explorar a Lucio como un padre que no termina por reventar o por ser plenamente amoroso con su hija adolescente que se resiste a seguir sus órdenes, o como un hombre que parece intrigarse pero desatenderse al mismo tiempo de la relación que sostiene su exesposa con alguien, o como un hijo que da largas a sus emociones respecto a lo que le plantea la figura paterna de El Chileno (un mesurado Alfredo Castro). <strong>Lucio es un tipo gris en condiciones que exigen por sí solas inclinarse hacia un extremo, </strong>ya sea blanco o negro. Se queda en puntos medios salvo en una secuencia bien lograda hacia el final cuando ayuda a Dilan para librar una venganza en su contra.</p> 
<p><strong>Cierto, ser maestro no es fácil, mucho menos ser novato. </strong>Pero para comprender al profesor es importante verlo reflejado también en el accionar de sus alumnos, así como en la vida de esos propios estudiantes. Esos detalles se asoman con poca profundidad en <em>El suplente,</em> lo que puede causar distancia empática del espectador con el ritmo de la película y sus personajes.&nbsp;</p> 
<p><br> En contraparte, Lerman consigue en su intención de mirar hacia la periferia que nos cuestionemos dónde están la violencia que oprime a esa zona y quién la ejecuta, quiénes son las autoridades correspondientes que han permitido u omitido la compra-venta de drogas en escuelas, qué garantías se les brinda a los docentes que instruyen en territorios peligrosos, dónde están los adultos o padres de familia de esos adolescentes.<em> <strong>El suplente</strong></em><strong> ya puso la primera piedra. </strong>Ahora es cuestión de continuar con esa exploración en la urbe invisible, sus problemas y el sistema educativo que en ella se desarrolla.&nbsp;</p>

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El suplente, una mirada hacia la urbe invisible y sus problemas

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<p>Entre 1968 y 1975 nuestro país vivió un periodo denominado guerra sucia. Desde las represiones y matanzas estudiantiles en Ciudad de México hasta las desapariciones forzadas en Guerrero a manos de elementos militares y fuerzas federales, México vivió años de terror bajo <strong>el abuso de autoridad, el sigilo para delinquir, la impunidad y la corrupción </strong>de quienes supuestamente están para velar por la seguridad de la sociedad. Pero hubo otros territorios nacionales afectados donde se perpetraban otro tipo de crímenes igualmente atroces, sin embargo poco dados a conocer, tales son los casos de <a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Zapatos-rojos-la-indolencia-como-sintoma-de-una-derrota-social-20221027-0021.html" target="_blank" rel="noopener">feminicidios e infanticidios en el norte mexicano.</a></p>
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<p>Basándose en la novela <em>Los minutos negros,</em> escrita por Martín Solares, el director Mario Muñoz (realizador de <em>Bajo la sal, </em>2008) <strong>cuenta la historia de una cadena de homicidios contra mujeres y niñas en el poblado ficticio de Paracuan a cargo de un asesino serial.</strong> El detective Vicente Rangel (un estupendo trabajo actoral de Leonardo Ortizgris) se apoya en otro compañero y un aprendiz (notables actuaciones de Enrique Arreola y Krystyan Ferrer) para dar con la identidad del criminal. Sin embargo, Rangel y compañía se topan con un enemigo todavía más peligroso: un sistema de justicia corrompido al que no solamente no le importa lo que ocurre, sino que además es partícipe de su degradación.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2023/01/24/noticia_0029.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p><strong>¿Podrá Rangel sortear ese oscuro, macabro y sucio universo que reúne al narcotráfico, una red criminal de la más baja calaña y autoridades deleznables? </strong>Es una pregunta obligada de hacerse en cuanto el detective manifiesta sus convicciones como un policía interesado en buscar la verdad y hacer justicia. Es la excepción a la regla en un pequeño mundo donde la violencia, la sangre, el machismo y la falta de escrúpulos impera entre hombres que <a href="https://spoiler.bolavip.com/reviews/Ruido-un-recordatorio-para-no-ser-indiferentes-ante-la-desaparicion-forzada-y-sus-victimas-20230117-0001.html" target="_blank" rel="noopener">no tienen consideración alguna por las mujeres,</a> y mucho menos por la ley.</p>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/reel/Cn0ZcMBgoXk/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Spoiler (@spoiler.bolavip)</a></p>
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<p>En aras de obtener una respuesta, <strong>el espectador se encontrará con un gran acierto del director Mario Muñoz. ¿Cuál? Recurrir al film noir, el cine negro.</strong> Apuesta por el cine de género para recorrer junto a Vicente Rangel un entramado de venganza, miedo y sordidez en el que unos intentan sobrevivir y hacer las cosas bien, mientras que otros no escatiman en hacer más putrefacta su ya deplorable decadencia; el problema es que lo hacen a costa de inocentes que parecen no tener escapatoria. Es adentrarse en un círculo vicioso de corte policíaco que puede recordar a <em>Cadena perpetua</em> (1979), de Arturo Ripstein.</p>
<p>Atreverse a hacer una película de cine negro en estos tiempos es osado, pero en este caso de resultados favorables. Muñoz consigue mantener al espectador expectante. <strong>Lo entretiene con el tono policíaco y lo incita a remover la entraña por los temas sensibles que aborda. </strong>He ahí otro mérito. Si bien es cierto que la historia se sitúa en los setenta, sin ningún inconveniente podemos contextualizarla en la actualidad porque permite reinterpretarla como la realidad dolorosa y preocupante de México con relación a la violencia que sufren las mujeres. Tampoco es menor ubicarla en los setenta si se vislumbra como una lupa atemporal que ya desde entonces avisaba el horror que se padece en mayor escala en 2023 con el asesinato de mujeres de cualquier edad.</p>
<p>Justo después de 1975, previo a una década ochentera de explotación con películas de acción cuyas tramas se centraron en el narcotráfico, aparecieron títulos que comenzaron a recrear la violencia y los fenómenos delincuenciales del país que hasta la fecha impactan en nuestra cotidianidad, especialmente en lo concerniente al tráfico de drogas al norte de México. Un ejemplo es <em>La banda del carro rojo</em> (1978), de Rubén Galindo. El norte fue escenario de un sinfín de ficciones basadas en la realidad para trazarlo como el sitio nacional donde se llevaban a cabo <strong>matanzas, motines, contrabando humano y trasiego de estupefacientes. </strong>Pero se ignoró, ¿o se eligió ignorar?, que también se registraban feminicidios e infanticidios, crímenes que continúan perpetrándose sin freno alguno.</p>
<p>Puede decirse que<em> Los minutos negros</em> llegó tarde pero a tiempo para abrirnos los ojos de los setenta y discernir de manera alarmante que <strong>en 50 años el panorama trágico de la violencia contra las mujeres se mantiene intacto, o lo que es peor, empeora. </strong>Llega tarde pero a tiempo con los claroscuros y el dramatismo del cine noir mexicano cuya metáfora es la vida misma en un país donde el concepto de justicia han querido borrarlo del diccionario, la conciencia y la memoria de sus habitantes.</p>
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Los minutos negros, una exploración noir por el México setentero feminicida

Los minutos negros, una exploración noir por el México setentero feminicida - Spoiler

<p>En la entrega del Ariel 64, Leonardo Ortizgris estuvo nominado a mejor actor por su trabajo en <em>Los minutos negros, </em>adaptación de la novela escrita por Martín Solares. <strong>La película llega a <a href="https:\/\/spoiler.bolavip.com/series/No-reaccionamos-igual-con-una-mujer-que-con-un-hombre--Hari-Sama-director-de-Volver-a-caer-serie-de-VIX-20230120-0021.html" target="_blank">ViX Plus </a></strong>para que el público pueda ver su interpretación como el detective Vicente Rangel, un hombre interesado en hacer justicia dentro de un sistema asfixiado por la corrupción y la impunidad.</p> 
<p>Es la década de los setenta en el norte de México. <strong>Rangel investiga una serie de feminicidios e infanticidios que azotan la región. </strong>Durante su investigación se enfrenta a un universo oscuro en el cual las autoridades también están coludidas para proteger al asesino. La pregunta no solamente es quién, sino cómo atraparlo.&nbsp;</p> 
<p>Dirigida por Mario Muñoz, <strong>la película corresponde al género del cine negro, el film noir. </strong>Es un género poco explorado en<a href="https:\/\/spoiler.bolavip.com/reviews/El-alcohol-un-elemento-oscuro-y-vital-en-Nightmare-Alley-para-Guillermo-del-Toro-20220117-0007.html" target="_blank"> la actualidad del cine mexicano,</a> sin embargo muy afortunado con este trabajo que también representó una novedad en la trayectoria de Ortizgris. Sobre este tema y varios más platicamos con él en Spoiler.&nbsp;</p> 
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<h2 style="text-align: center;">Entrevista con Leonardo Ortizgris, protagonista de <em>Los minutos negros</em></h2> 
<p><strong>&iquest;Cómo fue el proceso de construir al personaje de un detective como Vicente Rangel considerando que a la figura policíaca en México actualmente se le concibe como un enemigo de la sociedad, corrupto, y no como alguien que busque hacer o impartir justicia?</strong></p> 
<p><em>No fue fácil. No fue nada fácil construir a este héroe. Se complicó más cuando comenzamos a investigar y profundizar sobre quién era Rangel y qué significaba ser policía. Crecí en una generación que tuvo y tiene miedo, desconfianza a la policía. Salir de fiesta o concierto y ver a la policía cerca era para tener cuidado de ellos. Esa percepción, creo, sigue igual con la generación actual, o peor.</em></p> 
<p><em>Para llegar al personaje de Rangel que interpreto, Mario Muñoz (el director) y yo nos reunimos con policías que trabajaron en Ciudad de México durante los años setenta. Nos contaron una cantidad de anécdotas brutales sobre usos y costumbres de la policía para sacar la verdad, sobre cómo comportarte con la práctica de tortura, malas mañas y malos manejos. Lo que yo me imaginaba era leve a comparación de lo que nos contaron.</em></p> 
<p><em>Esa conversación ayudó a dimensionar la historia que queríamos contar y cómo íbamos a contarla. Pero lo difícil, lo verdaderamente complicado fue cuestionarnos lo adverso que es buscar la justicia en un país como el nuestro. No dudo que haya jóvenes con intención y vocación de ser policía con el propósito de proteger su pueblo, colonia o cuadra, pero el problema es cuando ingresan a una institución policíaca y se enfrentan a una realidad que los corrompe. Es difícil transitar de manera honesta y transparente en una institución podrida que te hace doblar la vuelta para hacer todo a la mala. En ese contexto hice transitar a mi personaje.</em></p> 
<p><strong>Leonardo, la película nos ubica en los años setenta en una región que en películas de esa época, algunas de ellas con los hermanos Almada, el tema era el trasiego de drogas. Acá no. <em>Los minutos negros</em> pone en el mapa de ese periodo a los feminicidios e infanticidios, crímenes de los que se habla mucho hoy, sin embargo ocurrían desde ese entonces. &iquest;Cómo fue para ti trasladar estos fenómenos criminales a ese periodo en la ficción?</strong></p> 
<p><em>Algo que me interesó desde un principio fue que la historia me provocó en el sentido de querer hablar sobre feminicidio, infanticidio e impunidad en este país. Me provocó el hecho de que esas situaciones no han cambiado. Lo único que ha cambiado es que hoy día se habla más de eso, se tiene mayor noticia de que acontecen. Pero lastimosamente hablar de ello no ha logrado que desaparezcan estos actos tan terribles, tan inhumanos, tan dolorosos. &iexcl;No puede seguir pasando esto!</em></p> 
<p><em>Me parece un desgaste… Me parece lo más terrible de una sociedad, de la putrefacción de una sociedad. No puede ser que siga ocurriendo esto en nuestro país… Mujeres con miedo, asustadas, violentadas, y que no seamos capaces de transformar eso. Me parece vergonzoso, dolorosísimo.</em></p> 
<p><em>Hablando con Mario (el director) le dije que nos debíamos ir con todo para abordar estos temas. Claro, desde donde nos toca, que en este caso es el cine con una película de género (como el noir). Él me dijo que sí, que lo hiciéramos. Una de las escenas más duras para mí fue en la cual vemos a Rangel llegando a la zona del crimen. Fue duro porque me cuestioné cómo es posible que en 50 años nada haya cambiado. La película me generó muchas preguntas. Por ejemplo, &iquest;no van a cambiar los usos y costumbres de la policía, de nuestras instituciones corruptas, de la desprotección que tienen las mujeres en México? Me parece muy vigente la película aunque la historia ocurra en los años setenta.&nbsp;</em></p> 
<p><strong>Como actor que eres, &iquest;cómo es la experiencia de incursionar en el cine de género, en este caso el film noir, o cine negro?</strong></p> 
<p><em>Fue algo completamente nuevo para mí. Debí trabajar con mucha intuición en el trayecto para ir comprendiendo cómo se iba a contar la historia y cómo debía manejar mi interpretación. Tracé dos ejes: desde qué lugar y desde qué verdad íbamos a contar la película.&nbsp;</em></p> 
<p><em>Con base en los referentes cinematográficos que yo tenía, apelé demasiado a la intuición por un motivo: las películas que vi hablaban de realidades distintas a la mexicana. Tenía que identificarme con las instituciones mexicanas, con el funcionamiento de la policía en nuestro país, con la operación de sindicatos y políticos. No es lo mismo cómo se maneja un detective de Detroit o San Francisco en los años setenta que uno en el norte de México.&nbsp;</em></p> 
<p><em>Mario Muñoz tenía un rompecabezas muy grande, de muchas piezas, y él lo fue armando para que la película se convirtiera en este constructo de tono noir y emocionante. Aunque Los minutos negros toca temas terribles, resulta un contenido emocionante. Está pensada también para que el espectador esté al filo de la butaca preocupado en lo que va a pasar, metido en la historia por saber en qué terminará. En ese sentido, Mario me dio libertad para ir trabajando mi personaje, pero igualmente me acompañó como guía para decirme por dónde o cómo desenvolverme. Hacer cine de género en México es una buena oportunidad de ofrecerle al público algo más para ver, entretenerse y pensar.</em></p> 
<p><strong>El cine tiene la cualidad de mandarnos a casa con más preguntas que respuestas ante lo que se ha visto. Uno como espectador puede cuestionarse distintas cosas sobre una película. &iquest;Qué te cuestionas como actor-espectador luego de ver <em>Los minutos negros</em>?</strong></p> 
<p><em>A mí me cuesta mucho verme a mí mismo en la pantalla porque soy muy crítico conmigo. Con esta película en particular, luego de verla, me acerqué con Mario para comentarle </em>&ldquo;oye, qué cosa tan terrible estamos contando&rdquo;. <em>No me la imaginaba así. Es muy densa, no hay respiro. Pero me parece un trabajo que de alguna u otra manera nos protege, es decir, sabemos que hay una malla que nos indica que es una ficción, una película policíaca. Al tomar conciencia de que es una ficción, no nos metemos de fondo en la miseria humana que sí abordan otras películas. Se agradece que sea una película un poco comercial para mostrar temas sensibles que quizá nos dolerían más si tuviera otro enfoque.&nbsp;</em></p> 
<p><em>Acerca de preguntarnos y reflexionar después de ver una película, se trata de un ejercicio que me gusta. Me agrada conversar para saber qué te movió, qué te hizo sentir lo que viste. Pero no todo el cine te permite eso, no todo el cine es así. Hay películas procesadas que no te motivan a pensarlas más allá. Por el contrario, terminas de verlas y solamente piensas en pagar el estacionamiento. Este es el tipo de películas que quiero ver.&nbsp;</em></p> 
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“¿No van a cambiar los usos y costumbres de la policía en México?” : Leonardo Ortizgris, protagonista de ‘Los minutos negros’

miniaturas

<p>Para los fans de series con historias sobre médicos, enfermeras, hospitales, enfermedades, accidentes y (des)amores, <strong>Sony Channel trae buenas noticias en este comienzo de 2023.</strong> Y es que ese tipo de tramas llegan a su canal todos los lunes y martes con dramas que son del gusto del público.</p>
<p>Nuevos capítulos de <strong><em>New Amsterdam</em> y <em>Mary Kills</em> llegarán a la pantalla cada lunes.</strong> En tanto, los martes serán exclusivos para nuevos episodios de <strong>la temporada 19 de <em>Grey’s Anatomy</em>.</strong> Los fans podrán disfrutarlos a partir de las 20 horas.</p>
<p>Como celebración de estos estrenos, Sony Channel quiere corresponder al público con un café azul y una galleta muy especial. ¡Son gratis! A partir de este lunes 23 y el martes 24, así como los días lunes 30 y martes 31, <strong>los espectadores podrán acudir al hot spot Farmacia Internacional, ubicado en Bucareli 128, colonia Centro.</strong> Los asistentes serán parte de la embajada de doctores en Ciudad de México.</p>
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<h2 style="text-align: center">¿Quieres ser embajador?</h2>
<p>Acudir a Farmacia Internacional y preguntar por los doctores de Sony Channel. Ellos te obsequiarán una galleta y un café azul con motivo de las series. <strong>Tómate una foto de ese instante y compártela en tus redes sociales.</strong></p>
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Sony Channel te invita un café azul y una galleta gratis en CDMX

Sony Channel te invita un café azul y una galleta gratis en CDMX - Spoiler

<p>Este 20 de enero se estrenó la serie<em> Volver a caer</em> en Vix Plus. <strong>Es producida y protagonizada por Kate del Castillo, quien interpreta a Anna Montes de Oca,</strong> una heroína nacional a nivel deportivo como clavadista olímpica y ganadora de medalla de oro. Su vida cambia cuando mantiene una aventura con el músico Vico (Maxi Iglesias). Como figura pública que es, se enfrentará al juicio social y de sus entornos.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/09/14/noticia_0001.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>La serie se basa en la novela <em>Anna Karenina,</em> escrita por León Tolstói. Asimismo se influencia en la serie australiana <em>The Beautiful Lie</em> (2015), dirigida por Glendyn Ivin y Peter Salmon. La versión mexicana es dirigida por <strong>Hari Sama, director de <em>El sueño de Lu</em> (2011) y<em> Esto no es Berlín </em>(2019).</strong></p>
<p><strong>Conversamos con él en Spoiler acerca de este trabajo, </strong>su relación con el escrito original y la colaboración con Kate del Castillo en su intención de generar nuevos contenidos como actriz y productora.</p>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/reel/CnpTXHMPfN2/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de ViX+ (@vixplus)</a></p>
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<h2 style="text-align: center">Entrevista con Hari Sama, director de <em>Volver a caer</em></h2>
<p><strong>¿Con qué tipo de adaptación de<em> Anna Karenina</em> te encontraste en esta versión de la novela?</strong></p>
<p><em>Se remonta a la adaptación que se hizo en Australia con la serie </em>The Beautiful Lie,<em> protagonizada por Sarah Snook. Eso fue algo que me atrajo mucho cuando me invitaron a este proyecto porque vi la serie. Fue un contenido que me agradó bastante porque tiene un gran manejo de dirección, de realización, y quise asumir el reto basándome en esa serie, pero siempre tomando en cuenta el texto original de León Tolstói.</em></p>
<p><em>Por supuesto, como toda adaptación, yo quería darle una personalidad con mi estilo y con base en una actriz como Kate del Castillo, que es la protagonista. Con ella quería lograr una versión más profunda y que se notara un trabajo distinto de su parte con relación a lo que ha hecho antes.</em></p>
<p><strong>Tuviste el reto de dirigir a Kate del Castillo, una actriz que sigue siendo la reina del sur para mucha gente. Acá era llevarla a otro plano emocional y con un personaje un poco más común. ¿Cómo fue dirigirla?</strong></p>
<p><em>En su inquietud por producir y buscar proyectos que le impliquen retarse a sí misma, ella tuvo el tino de elegir una pieza muy sensible, muy delicada y muy profunda para hacer un personaje que debe entrar en territorios oscuros de su psique. Se debía resquebrajar, romperse. Tenía que enfrentar dragones externos e internos que la llevan a ser vulnerable, a sentirse confundida sobre no poder discernir la realidad y cuestionarse dónde estaba parada en su lado más humano.</em></p>
<p><em>Kate es una mujer que ha sufrido y ha sobrevivido a situaciones muy duras en su vida, situaciones que ha enfrentado con mucha entereza. Sabe lo que es estar en la oscuridad que cualquier persona vive y sufre por motivos densos. Eso debíamos trasladarlo a la figura de una clavadista olímpica, es decir, una atleta que en su proceso deportivo también debió lidiar con varias cosas. No cualquiera gana una medalla de oro, pero ¿qué hay detrás?</em></p>
<p><strong>El título de la serie es en sí una afrenta contra un pensamiento que se quiere imponer en estos tiempos. ¿Cuál? El de ser feliz 24/7, vibrar alto sin permiso para venirse abajo y no cometer errores. Es válido caerse, chocar con nuestros demonios. ¿Cómo le entras a esos temas de melodrama como director?</strong></p>
<p><em>En las redes sociales, por ejemplo, hemos visto linchamientos terribles y la gente no asume la responsabilidad de lo que dice. Al no existir esa responsabilidad, hay cosas que pueden terminar muy mal. Lo digo con relación a aquellas personas que expresan sentirse mal por alguna u otra razón y de inmediato es atacada como si estuviera prohibido sentirse así. En ese aspecto, esta serie la planteo como si fuera un espejo de esos males que tenemos como sociedad con relación al otro.</em></p>
<p><em>Quise plantear el dilema de que el público se cuestione si ella (el personaje de Kate del Castillo) está mal o si realmente somos nosotros quienes vivimos en un error por juzgar a una figura pública en las decisiones que toma para su vida. Otro aspecto que quise abordar es el prejuicio que puede existir con relación al género, es decir, porque no reaccionamos igual a cuando una cosa la hace un hombre que cuando la hace una mujer. Actuamos diferente. De alguna u otra manera, Tolstói lo plantea en su novela, pero es demasiado triste que en pleno siglo XXI sigamos comportándonos así.</em></p>
<p><em>Un elemento interesante para mí como director es la convergencia del trauma del personaje con el trauma del actor, en este caso de la actriz. La idea es que se aprovechen uno del otro para después ficcionarlo. Jamás será un propósito que los actores se lastimen. Por el contrario, ese dolor lo transfieren a su papel para que se ayuden a sanar, a quitarse esas cargas de encima. Con Kate hicimos un trabajo muy profundo con el cual ella cooperó bastante, y eso se agradece porque no es tan sencillo que una actriz o un actor se abra a ejercicios así.</em></p>
<p><strong>En tu consideración, ¿qué tan actual y universal es <em>Anna Karenina</em> en la actualidad? ¿Cómo encaja en nosotros como latinos?</strong></p>
<p><em>Al hacer nuestra traducción al universo mexicano, me parece que sigue siendo muy universal. Es una serie que puede identificarse con cualquier otro país porque mantiene la esencia de la novela. Continúa siendo relevante el libro por el hecho de vernos en un espejo que refleja nuestras broncas familiares, nuestra postura ante la infidelidad, la desgracia, el amor.</em></p>
<p><em>Si lo aterrizamos a nuestra actualidad, bien podríamos preguntarnos si el matrimonio es tan factible como antes. ¿Estamos hechos para convivir con una misma persona por más de 15 años? ¿Será que las nuevas generaciones tienen razón al establecer los vínculos afectivos con otras formas de unión? </em>Anna Karenina<em> también puede discutirse en nuestra modernidad.</em></p><p></p>

“No reaccionamos igual con una mujer que con un hombre” : Hari Sama, director de ‘Volver a caer’, serie de VIX+

“No reaccionamos igual con una mujer que con un hombre” : Hari Sama, director de ‘Volver a caer’, serie de VIX+ - Spoiler

<p>Apenas inició este 2023 y de inmediato se dio a conocer la realización de<strong> la edición 26 del Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF) del 20 al 30 de julio.</strong> Eso significa una buena noticia bajo la consideración de que la pandemia afectó a la industria cinematográfica e intervino en la forma de consumir contenidos por parte del público, lo que se traduce en una resistencia a retornar a las salas, o acudir a festivales.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2023/01/17/noticia_0022.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>Como uno de los festivales más relevantes en México, el GIFF continuará desarrollándose y reinventándose con las pautas que marca la actualidad pero sin descuidar su esencia. De igual manera celebra que cuatro productores mexicanos becados por el festival asistan al Rotterdam Lab del Festival Internacional de Cine de Rotterdam para capacitarse. Ellos son <strong>Paulina Villavicencio, Abril López, Fernanda Galindo y Daniel Lostaunau.</strong></p>
<p>Para hablar de lo que es el GIFF rumbo a su nueva edición y el valor que tiene en la oferta cinematográfica nacional, así como en la labor periodística,<strong> en Spoiler conversamos con Sarah Hoch, su directora.</strong> </p>
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<h2 style="text-align: center">Entrevista con Sarah Hoch, directora del GIFF</h2>
<p><strong>Iniciar el año con el anuncio de una nueva edición del GIFF es una buena noticia porque cada vez es más difícil organizar y preservar un festival de cine. ¿Cómo llegan a la edición 26?</strong></p>
<p><em>El año pasado hicimos una revisión especial sobre cómo ha cambiado el cine mexicano en los últimos 25 años. Consideramos que no solamente el cine nacional, sino que la industria cinematográfica mundial está en un </em>turning point<em> muy particular que lo sentimos en los festivales. Surgieron dos preguntas: dónde vemos cine y cómo vemos cine. Con el periodo pospandemia, mucha gente ha elegido la casa para ver películas. Esos son temas que reflexionamos y nos pusimos a generar ideas para reinventarnos en este nuevo periodo tras las modificaciones de consumo surgidas en la pandemia.</em></p>
<p><strong>¿Qué cambios has notado o percibido en el público que acude a un festival de cine como el GIFF para ver contenidos distintos a los que encuentra en salas comerciales o plataformas?</strong></p>
<p><em>Recuerdo que en 1997 habían muy pocas opciones para ver cine. En ese tiempo apenas veníamos saliendo de una crisis, las salas estaban en huelga y la producción era casi nula. Nosotros iniciamos aceptando contenidos en distintos formatos, algo que era tabú y mal visto en ese entonces. Pero eso permitió que hubiera un boom de cortometrajes para que después esos directores hicieran largometrajes. Tocamos la puerta para que se destinaran fondos a la producción y abrimos puertas para las coproducciones, es decir, buscar alianzas con otras industrias.</em></p>
<p><em>Con eso conseguimos que más público tuviera al alcance trabajos mexicanos y supieran qué se estaba haciendo. Fueron interesándose no solamente en largometrajes, sino también en cortometrajes y tiempo después en documentales. Luego vino un interés por ver producciones extranjeras que no llegaban a salas comerciales.</em></p>
<p><em>Hoy día, en pleno 2023, con la posibilidad de acceder a contenidos en diferentes plataformas, la aparición del coronavirus obligó a que el público se quedara en casa y optara por esa forma de consumo. Con la reactivación estamos enfrentándonos a ese tema, a saber cómo se reintegra ese público tanto a salas como a festivales.</em></p>
<p><strong>Actualmente todavía hay un público que tiene la idea de que los festivales de cine son exclusivos para gente de la industria cinematográfica, o eventos en los cuales se exhiben puras películas “lentas”, “aburridas”, de tramas incomprensibles. ¿Cómo acercarlo al GIFF y descubra que no es así?</strong></p>
<p><em>Siento que el público busca, además de una película, experiencias. Aunque se les ofrezca la oportunidad de interactuar con actores y de disfrutar una cerveza con los directores de las películas, actualmente eso no es suficiente. Y no es suficiente para llenar las salas de festivales.</em></p>
<p><em>En ese sentido, en el GIFF procuramos brindarle al espectador y a los asistentes esas experiencias. Por ejemplo, somos los primeros productores de realidad virtual en el país. Tenemos una sección de nuevas tecnologías para producción virtual. Para este año damos el paso a la inteligencia artificial, que es un tema que va a mover a la industria cinematográfica. Ya lo hace en áreas como diseño, arte, escritura. Estamos moviéndonos para saber hacia dónde se encaminan las audiencias.</em></p>
<p><em>Continuaremos brindando experiencias como ver cine en panteones, en espacios icónicos de Guanajuato que no son precisamente salas de cine, y eso es porque un festival también te permite la oportunidad de ser turista, es decir, de conocer lugares del lugar donde se lleva a cabo.</em></p>
<p><strong>¿Qué papel juegan el periodismo y la crítica cinematográfica para alejar o acercar a esas audiencias? El mensaje periodístico y crítico es completamente distinto al que emana un influencer o un youtuber, por ejemplo. A final de cuentas también somos público.</strong></p>
<p><em>Somos un festival de formación. Formamos críticos de cine y tenemos un espacio destinado para la crítica. En nuestro caso celebramos a la crítica y consideramos que es un vínculo especial entre la película y el público. El cine no se trata únicamente de llenar salas, o generar polémica en redes sociales.</em></p>
<p><em>Con relación a la crítica, nosotros le tenemos respeto porque los críticos nos han ayudado a formar jóvenes y talentos con ganas de escribir, principalmente crítica cinematográfica. También hay otros chicos que quieren escribir de forma responsable sobre cine, ya sea historias, crónicas o reportajes. Es allí donde entra el periodismo. Es parte vital de los festivales y para el propio público que busca ampliar su información o interés. Cubrir alfombras rojas tiene su encanto y hay un público al que le gusta enterarse de eso.</em></p>
<p><em>Tampoco hacemos menos a quienes generan contenido para redes porque es un nexo que conecta con temas como la moda o la música, así como con premieres de películas. Nada resta, todo suma para que sigamos vigentes sin descuidar nuestra visión.</em></p>
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<div class="ck-instagram"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/Cnn3BLKhQcs/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style="background:#FFF;border:0;border-radius:3px;margin: 1px;max-width:540px;min-width:326px;padding:0;width:99.375%;width:-webkit-calc(100% - 2px);width:calc(100% - 2px)">
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<div style="height:50px;margin:0 auto 12px;width:50px">      <a href="https://www.instagram.com/reel/Cnn3BLKhQcs/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="background:#FFFFFF;line-height:0;padding:0 0;text-align:center;text-decoration:none;width:100%" target="_blank" rel="noopener">                                                                               </a>     </div>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/reel/Cnn3BLKhQcs/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Spoiler (@spoiler.bolavip)</a></p>
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“Además de películas, el público busca  experiencias”: Sarah Hoch, directora del GIFF

“Además de películas, el público busca experiencias”: Sarah Hoch, directora del GIFF - Spoiler

“Además de películas, el público busca experiencias”: Sarah Hoch, directora del GIFF

<p>Comienza el año con buenas noticias para la comunidad cinéfila mexicana. Tres de los festivales más representativos del país<strong> han dado a conocer las fechas de su realización</strong>. Lo hacen con anticipación para que los espectadores tengan tiempo de planear su asistencia a alguno de ellos y así puedan ver los títulos nacionales e internacionales que formarán parte de sus respectivas selecciones oficiales.</p>
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<div class="ck-twitter" id="twitter-13">
<div class="ck-twitter"><blockquote class="twitter-tweet">
<p dir="ltr" lang="es">¡Llamando a todxs los cineastas de México y del Mundo! �� La convocatoria para la edición del <a href="https://twitter.com/hashtag/GIFF2023?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#GIFF2023</a> esta abierta hasta el 1ro de abril.��️</p>
<p> Mas detalles en��<a href="https://t.co/lwxtdJQ05l">https://t.co/lwxtdJQ05l</a><a href="https://twitter.com/hashtag/M%C3%A1sCinePorFavor?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#MásCinePorFavor</a> <a href="https://twitter.com/hashtag/M%C3%A1sCineMexicanoPorFavor?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#MásCineMexicanoPorFavor</a> <a href="https://twitter.com/hashtag/Cine?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#Cine</a> <a href="https://twitter.com/hashtag/Films?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#Films</a> <a href="https://twitter.com/hashtag/Festival?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#Festival</a> <a href="https://twitter.com/hashtag/FilmFestivals2023?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#FilmFestivals2023</a> <a href="https://t.co/K2GeBc519M">pic.twitter.com/K2GeBc519M</a></p>
<p> — Guanajuato Film Fest (@giffmx)     <a href="https://twitter.com/giffmx/status/1615031487157379072?ref_src=twsrc%5Etfw">January 16, 2023</a>    </p></blockquote></div>
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<p>Para quienes habitan en Ciudad de México y la zona metropolitana, <strong>el Festival Internacional de Cine de la UNAM <a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Malintzin-17-es-la-traduccion-del-lenguaje-de-los-muertos-al-lenguaje-de-los-vivos-Mara-Polgovsky-20220316-0001.html" target="_blank" rel="noopener">(FICUNAM)</a></strong><a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Malintzin-17-es-la-traduccion-del-lenguaje-de-los-muertos-al-lenguaje-de-los-vivos-Mara-Polgovsky-20220316-0001.html" target="_blank" rel="noopener"> </a>llega a su edición número 13 y se llevará a cabo del 1 al 11 de junio. En esta ocasión tendrá la presentación de un proyecto editorial desarrollado por Arturo Aguilar Figueroa, periodista y crítico de cine.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/03/16/noticia_0006.html" data-type="news"></span>  <p></p>
<div id="relatedNews-61">     </div>
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<p><strong>El Festival Internacional de Cine de Guanajuato (GIFF)</strong> efectuará su edición número 26 del 21 al 30 de julio. Entre las primeras novedades anunciadas, el festival informó quiénes son los cuatro productores mexicanos becados para capacitarse en el Rotterdam Lab: Paulina Villavicencio, Abril López, Fernanda Galindo y Daniel Lostaunau.</p>
<p><span></span></p>
<div style="text-align:center">
<div class="ck-instagram" id="instagram-58">
<div class="ck-instagram"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/CkSAVivNy2d/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style="background:#FFF;border:0;border-radius:3px;margin: 1px;max-width:540px;min-width:326px;padding:0;width:99.375%;width:-webkit-calc(100% - 2px);width:calc(100% - 2px)">
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<div style="color:#3897f0;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:550;line-height:18px">       <a href="https://www.instagram.com/p/CkSAVivNy2d/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="background:#FFFFFF;line-height:0;padding:0 0;text-align:center;text-decoration:none;width:100%" target="_blank" rel="noopener">Ver esta publicación en Instagram</a>      </div>
<p></p></div>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/p/CkSAVivNy2d/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de FICG (@ficg)</a></p>
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<p>En tanto, <strong>el Festival Internacional de Cine de Guadalajara (FICG)</strong> se desarrollará del 3 al 9 de junio en el marco de su edición número 38. Los largometrajes interesados en competir tienen hasta el 17 de febrero como fecha límite para inscribirse.</p>
<p>En los tres casos falta por conocer la cartelera, los trabajos que competirán y las actividades que habrán de desarrollarse. Mientras tanto, toda vez que se precisaron las fechas, <strong>el público puede agendar su asistencia al festival de su interés.</strong></p>
<p><span></span></p>
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<div class="ck-twitter" id="twitter-88">
<div class="ck-twitter"><blockquote class="twitter-tweet">
<p dir="ltr" lang="es">Presentamos la imagen de <a href="https://twitter.com/hashtag/FICUNAM13?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#FICUNAM13</a>, a cargo de la artista Soledad Violeta. Con un halo misterioso y un estilo único, la técnica del collage analógico será explorada por primera vez.<br> Conoce más: <a href="https://t.co/UZ2Dcx8Dsy">https://t.co/UZ2Dcx8Dsy</a><br> ��Recuerda que este 2023 nos vemos del 1° al 11 de junio. <a href="https://t.co/ys2rteLNfo">pic.twitter.com/ys2rteLNfo</a></p>
<p> — FICUNAM (@FICUNAM)    <a href="https://twitter.com/FICUNAM/status/1613558965064933377?ref_src=twsrc%5Etfw">January 12, 2023</a>   </p></blockquote></div>
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FICUNAM, GIFF y FICG, ya tienen fecha en este 2023

FICUNAM, GIFF y FICG, ya tienen fecha en este 2023 - Spoiler

<p>Durante la conferencia de prensa que se llevó a cabo en <a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Zapatos-rojos-la-indolencia-como-sintoma-de-una-derrota-social-20221027-0021.html" target="_blank" rel="noopener">el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM)</a> como parte del estreno de Ruido, a pregunta expresa de una reportera sobre qué opinaba acerca de las voces que reprochan la producción de películas que narran la dolorosa realidad mexicana aunque se trate de ficciones,<strong> la primera actriz Julieta Egurrola respondió que “sí, sí y sí” deben continuar haciéndose estos contenidos </strong>hasta que se entienda la dimensión de la gravedad y el peligro que vivimos en este país con las desapariciones forzadas.</p>
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<div class="ck-youtube" id="youtube-31">      <span class="item first"></span>   <span class="item second"></span>   <span class="item third"></span>  </div>
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<p><strong><em>“Ya sé que se ha hablado hasta el cansancio de desaparecidos, pero no lo suficiente porque solamente se habla de cifras”, </em></strong>comentó la actriz en esa ocasión. En ese momento, luego de tomar el micrófono ante los medios presentes, inició el ruido que genera y quiere generar la <a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Quien-es-Julieta-Egurrola-la-protagonista-de-Ruido-la-pelicula-furor-de-Netflix-20230115-0001.html" target="_blank" rel="noopener">película dirigida por Natalia Beristáin.</a> Se trata de un trabajo que ahora está al alcance del público en general para que resuene en mayor medida.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2023/01/15/noticia_0001.html" data-type="news"></span>  <p></p>
<div id="relatedNews-34">     </div>
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<p></p>
<p>En ese instante, incluidos varios periodistas, muchos desconocíamos qué nos íbamos a encontrar en la pantalla. Hoy día lo sabemos y comprendemos todavía más la opinión de la actriz respecto a la necesidad de continuar llevando este tipo de historias al cine, <strong>un medio que funciona para reinterpretar nuestra realidad y puede ser un conducto para propiciar empatía, </strong>o bien para reflexionar acerca de la indolencia que podemos llegar a tener ante un horror que parece normalizarse como si fuera un hecho para resignarse.</p>
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<div class="ck-instagram" id="instagram-67">
<div class="ck-instagram"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/p/CnaO4ItPRDw/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style="background:#FFF;border:0;border-radius:3px;margin: 1px;max-width:540px;min-width:326px;padding:0;width:99.375%;width:-webkit-calc(100% - 2px);width:calc(100% - 2px)">
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<div style="color:#3897f0;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:550;line-height:18px">       <a href="https://www.instagram.com/p/CnaO4ItPRDw/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="background:#FFFFFF;line-height:0;padding:0 0;text-align:center;text-decoration:none;width:100%" target="_blank" rel="noopener">Ver esta publicación en Instagram</a>      </div>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/p/CnaO4ItPRDw/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Netflix Latinoamérica (@netflixlat)</a></p>
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<p>Es en la ficción donde Beristáin encuentra un espacio propicio para compartir <strong>un discurso y plasmar una postura ante las desapariciones y sus consecuencias en México, </strong>especialmente en lo concerniente a las mujeres. No por ello ignora o menosprecia a los hombres afectados. Por el contrario, los involucra desde mostrarnos a los varones que buscan a sus madres/parejas/hermanas (los vemos acompañados en una sesión grupal mientras bordan) hasta un joven que es hijo y hermano en un hogar roto por la desaparición de una de sus integrantes.</p>
<p>Sin embargo, la directora concentra su atención e interés en las mujeres, lo cual es perfectamente comprensible porque son ellas quienes día tras día<strong> se convierten en víctimas de desaparición forzada, feminicidios y violencia sistemática por parte de crimen organizado, autoridades y entornos.</strong> En este caso, <em>Ruido </em>nos cuenta el calvario de Julia (Julieta Egurrola), una madre que emprende la búsqueda de su hija desaparecida apoyándose en la periodista Abril Escobedo (Teresa Ruiz) para dar con su paradero. Ese trayecto le permite a Julia conocer e introducirse en la labor de las madres buscadoras y en la manifestación femenina colectiva contra el trato violento y asesino que recibe la mujer en México. Asimismo se le revelan panoramas todavía más atroces y desgarradores (como lo que acontece con Abril Escobedo).</p>
<p>La búsqueda de Julia es un recorrido de la propia Natalia Beristáin por los temas que le inquietan y considera urgentes de atender. Es una travesía por los infiernos que consumen a nuestra nación en la actualidad:<strong> la corrupción, el trato criminal a migrantes, la criminalización de las protestas, trata de personas, prostitución.</strong> La escena del camión abandonado con cadáveres en su interior puede percibirse como dantesca o macabra, pero tiene que ser así para cimbrarse ante un contenedor que sintetiza lo que deriva del terror que sufren miles de personas en diferentes regiones y que puede alcanzar de alguna u otra manera a la capital, o a cualquier clase social (lo notamos con Julia introduciéndose en él).</p>
<p><em>“Me da pena que mi hija me vea triste todo el tiempo”, </em>pronuncia una mujer. <em>“¿Por dónde se empieza a buscar?”,</em> pregunta Julia. <em>“No estás sola”, </em>expresan hombres y mujeres que sobrellevan la desaparición de un ser querido. <em>“¿A poco tú también eres de las que defienden monumentos?”, </em>cuestiona una chica a Julia.<em> “Estamos aquí para volver a decir que en México asesinan y desaparecen mujeres todos los días”, </em>exclama la oradora de una protesta. Esas palabras, esas frases son también ruidos que deben escucharse y tener eco. Son eslabones que a lo largo de la película construyen una cadena sonora que retumba en las emociones de quien se estruja ante lo que ha visto; <strong>el estómago grita lo que la garganta no puede después de absorber el trajín de Julia,</strong> los testimonios de las madres buscadoras y el clamor femenino generalizado para que cese la violencia contra la mujer (reprimido por la brutalidad policíaca).</p>
<p>Ruido es también la sensación que queda tras reflexionar y determinar qué papel jugamos con las desapariciones en nuestro país. Ser indiferente no es opción frente a un fenómeno trágico y tétrico al que cualquiera estamos expuestos de experimentar de forma directa o indirecta. Así como Julia cuestiona cómo se inicia una búsqueda, nosotros bien podemos preguntarnos cómo comenzar a no desestimar el horror de la desaparición forzada. Tuvo razón Julieta Egurrola en el FICM al señalar que no se ha hablado lo suficiente de este tema y que las víctimas son tratadas como cifras. En este sentido, <strong>Natalia Beristáin muestra seres humanos que en el plano ficcional nos recuerdan lo real de su desgracia que es la nuestra.</strong></p>
<p>Natalia Beristáin y <em>Ruido </em>son el ejemplo manifiesto de que Julieta Egurrola atinó al puntualizar que sí deben producirse más películas que cuenten este tipo de historias porque así no trataremos como estadísticas a víctimas con nombre y apellido, <strong>personas que podemos ser nosotros o el ser amado que tenemos al lado.</strong></p>
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<div class="ck-twitter"><blockquote class="twitter-tweet">
<p dir="ltr" lang="es">“Ya sé que se ha hablado hasta el cansancio de desaparecidos, pero no lo suficiente porque solamente se habla de cifras”, comenta Julieta Egurrola sobre <a href="https://twitter.com/hashtag/Ruido?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#Ruido</a> en el <a href="https://twitter.com/FICM?ref_src=twsrc%5Etfw">@FICM</a>.</p>
<p> También le dice “sí y sí” a quienes piden que ya no se hagan películas sobre este tema. <a href="https://twitter.com/hashtag/20FICM?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#20FICM</a> <a href="https://t.co/4u8YbDoONP">pic.twitter.com/4u8YbDoONP</a></p>
<p> — Elías Leonardo (@jeryfletcher)    <a href="https://twitter.com/jeryfletcher/status/1584693597181399040?ref_src=twsrc%5Etfw">October 24, 2022</a>   </p></blockquote></div>
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Ruido, un recordatorio para no ser indiferentes ante la desaparición forzada y sus víctimas

Ruido, un recordatorio para no ser indiferentes ante la desaparición forzada y sus víctimas - Spoiler

<p>¿Crees que todavía le puedo gustar a alguien? ¿Me ves guapa? ¿Soy aburrida? ¿Estoy vieja? <strong>Estas son algunas preguntas que algunos hombres hemos podido escuchar de alguna mujer en cuanto se aproxima a cumplir 40 años, </strong>edad estigmatizada por un sector de la sociedad para desdeñar al sexo femenino bajo criterios machistas sobre la sexualidad, la belleza física, el atractivo intelectual y el vigor para efectuar cualquier tarea. Varias veces los varones respondemos a esos cuestionamientos sin comprender bien a bien la presión sociocultural que sienten o reciben las mujeres por acercarse a cuatro décadas de vida.</p>
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<p>Con libertad para construir una versión sobre la vida de Sissi, emperatriz de Austria y reina de Hungría, <strong>la directora Marie Kreutzer centra su atención en un año crucial de su personaje, el de su cumpleaños 40. </strong>Situado en las tres últimas décadas del siglo XIX, el relato nos contextualiza que en dicha época la mujer era vista y tratada como un ser decadente al cumplir esa edad. Dejaba de ser del gusto de los hombres y era percibida como un miembro familiar que únicamente debía llevar a cabo roles hogareños en función de los demás integrantes.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/12/30/noticia_0014.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>Esa concepción continúa ejerciéndose hasta nuestros días. Por eso es que <em>Corsage </em>se siente moderna, y en gran medida se debe al tratamiento con libertades que la realizadora hace. Por ejemplo, lo acentúa muy bien con la música. La banda sonora se respalda en temas como<em> Let It Be,</em> de Los Beatles, <strong>o <em>As Tears Go By,</em> de Los Rolling Stones. </strong>O bien <em>La Palma, </em>de Veridis Quo.</p>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/reel/CnF6FWJN-FC/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Tulip Pictures (@tulippicturesmx)</a></p>
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<p>Sin caer en una confrontación de víctimas y victimarios, Kreutzer se apoya en una brillante y extraordinariaVicky Krieps para que la Sissi de <em>Corsage </em>no pase inadvertida para nadie pese a que se le quiere relegar a ese plano por su edad, su peso y su forma de ser. Por el contrario. Con un guiño a Lady Di, la emperatriz se hace notar ante su entorno y se hace querer/respetar por la cámara (tanto en la ficción con el surgimiento de la imagen en movimiento como por la fotografía de Judith Kaufmann con tamaños de encuadre para atenuar su relación/distancia con los otros). La Sissi de Krieps no es inocente ni dócil. <strong>En cambio sí es contradictoria, incómoda, inteligente, sensible y rebelde. </strong>Toda una humana en sus diferentes emociones según las circunstancias.</p>
<p><strong>Sissi es capaz de fingir un desmayo para molestar a quienes hablan de su peso,</strong> de ser estricta con la dieta de sus asistentes, de deprimirse por un pasaje doloroso, de tener aventuras con su amante, de hacer llorar a quien procura su cabellera. Es una mujer que no cae bien, pero tampoco cae mal. Esa ambivalencia de la Sissi de Krieps es un detalle perspicaz de Kreutzer para evitar un juicio sobre una mujer transparente en sus cualidades y defectos.</p>
<p>El título de la película bien puede interpretarse a esa asfixia social de la época (que igualmente cabe en nuestra actualidad) que se ejerce contra la mujer para desempeñar roles que honren al hombre y su posición, en este caso una realeza en la cual Francisco José (Florian Teichtmeister) necesita mantener una imagen de hombre viril y vigoroso, por lo que su esposa Sissi le representa un obstáculo para ese propósito. Aquí viene otro aporte interesante de la directora: <strong>el deseo de libertad y diversión de su protagonista esquiva una confrontación marital melodramática.</strong> La emperatriz le busca una amante a su marido.</p>
<p>Dentro de la trama también se apunta de manera sutil hacia los indicios de <strong>lo que posteriormente iba a desencadenar en la Primera Guerra Mundial. </strong>No son tan grandilocuentes u obvios, sin embargo ahí están como mínimos esbozos de dicho suceso histórico, así como del papel que jugó esta familia real en ese acontecimiento.</p>
<p>Tomándose licencia para un desenlace distinto al que marca la historia real de Sissi,<strong> Kreutzer otorga un final hermoso y doloroso a la vez para ella. </strong>Esa culminación permite incluso olvidar que se ha visto una película acerca de una emperatriz y valorar que se trató sobre una mujer que quiere y necesita quitarse un corset para hacer una vida a su manera, con el derecho de hacerlo. Concede la posibilidad para reflexionar que cumplir 40 años no debe ser una condena, mucho menos impuesta por el hombre. De hecho, ni siquiera debe pensarse en eso, y sí en aquello que hacemos equivocadamente para apretarle el corset a las mujeres.</p>

Corsage, una versión libre de Sissi y los 40 años en una mujer

Corsage, una versión libre de Sissi y los 40 años en una mujer - Spoiler

<p>Muchos argentinos futboleros creen en cábalas, curiosidades y coincidencias cuando juegan en contra o a favor de su equipo. Con su selección pasa lo mismo. Todo aquello que implique favorecer o perjudicar a <a href="https://bolavip.com/mx/qatar2022/Siempre-polemico-La-reaccion-del-Dibu-Martinez-luego-de-ganar-el-Guante-de-Oro-20221218-0054.html" target="_blank" rel="noopener">la Albiceleste en una Copa del Mundo</a> es un asunto serio. Nada se toma a la ligera, mucho menos cuando se gana o se pierde una final mundialista. Cualquier detalle, por mínimo que parezca, se agrega o elimina del destino. <strong>Y el cine no es la excepción.</strong></p>
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<p>Previo al comienzo de Qatar 2022, <a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/El-motivo-por-el-que-Tom-Cruise-podria-no-hacer-Top-Gun-3-20220924-0016.html" target="_blank" rel="noopener"><em>Top Gun </em>y Tom Cruise</a> eran talismanes de esperanza para los hinchas argentinos. ¿El motivo? <strong>En 1986 se estrenó la película, mismo año en que Argentina se coronó en el Mundial de México. </strong>Tras el estreno de <em>Top Gun Maverick</em> en 2022, el entusiasmo por sentirse dueños de la copa volvió. ¡Lo que sí sucedió! Así que deben incluir en esa alegría al último gran héroe del cine de acción e imán de taquilla de Hollywood.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/04/19/noticia_0010.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>Pero hay otra película que también influyó para la dicha argentina. O mejor dicho, una saga. Se trata de <em>Halloween.</em><strong> La primera, el origen de todo, es la obra maestra de John Carpenter.</strong> Fue estrenada en 1978, año en que la Albiceleste ganó su primera Copa del Mundo. ¿Y luego qué? Lo que inició en ese instante culminó en 2022 con el estreno de <em>Halloween Ends </em>y el final de Michael Myers, el asesino que nació con la primera estrella en la playera de Argentina y murió con la tercera. Bueno, a reserva de que lo resuciten otra vez. En ambos filmes, el de 1978 y 2022, su protagonista es Jamie Lee Curtis, actriz a la que deben sumar entre sus amuletos de la buena fortuna. Igualmente a la figura cinematográfica de Myers.</p>
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<p dir="ltr" lang="es">�� Única, inigualable, diosa. ¡Jamie Lee Curtis respirando el mismo aire que todos los habitantes de CDMX!</p>
<p> De visita en México para promocionar <a href="https://twitter.com/hashtag/HalloweenEnds?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#HalloweenEnds</a>, se tomó un tiempo para visitar el Museo Nacional de Antropología. ¡Cuánta belleza en una foto! <a href="https://t.co/dnpwix3OFY">pic.twitter.com/dnpwix3OFY</a></p>
<p> — Spoiler (@Spoiler_Bolavip)    <a href="https://twitter.com/Spoiler_Bolavip/status/1577145600965251072?ref_src=twsrc%5Etfw">October 4, 2022</a>   </p></blockquote></div>
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<p><strong>En cambio, México no se lleva bien con estos títulos de terror.</strong> ¿Por qué? Porque en el Mundial de 1978 fracasó la Selección Mexicana quedándose en fase de grupos. Cosas de la vida, en 2022, mismo año que Argentina se coronó y Michael Myers reapareció en la pantalla grande, <a href="https://bolavip.com/mx/seleccionmexicana/No-solo-Martino-Luis-Hernandez-senala-a-los-jugadores-de-la-Seleccion-Mexicana-por-lo-hecho-en-Qatar-20221218-0026.html" target="_blank" rel="noopener">el Tri nuevamente fracasó en primera ronda, </a>algo que no ocurría desde el ‘78. En pocas palabras, Jamie Lee Curtis y Michael Myers no son cartas favorables para el equipo tricolor durante un evento mundialista.</p>
<p>A diferencia de los argentinos, los mexicanos optan por rezos y oraciones para confiar a una divinidad el porvenir de la selección en una Copa del Mundo. Sin embargo, viendo que el juego de las cábalas y coincidencias generan óptimos resultados, nunca es tarde para abrazar a la superstición como una forma de llegar más lejos en un Mundial. <strong>Un buen principio es elegir la película, actor o director a cuál encomendarse.</strong> Un repaso a los estrenos de 1986 vendría bien, esto bajo la consideración de que en ese año se pudo clasificar a Cuartos de final.</p>

La saga de buena suerte para Argentina y mala suerte para México

La saga de buena suerte para Argentina y mala suerte para México - Spoiler

<p>Fueron y son parte importante de la filmografía mexicana. <strong>Sus presencias trascendieron por una u otra razón en la pantalla grande. </strong>Pueden gustar o no sus películas, pero tuvieron relevancia en su debido momento, e incluso algunas hasta la actualidad. Ahora que han partido, y como suele pasar con el ser humano cuando muere, es tiempo de valorar lo que hicieron en vida.</p>
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<h2 style="text-align: center">Xavier Robles (24 de junio)</h2>
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<p>El guionismo y el cine mexicano no se entenderían sin él. Tres de sus guiones están representados por tres películas fundamentales de la filmografía nacional: <em>Las poquianchis</em> (1976), <em>Los motivos de Luz</em> (1985) y <em>Rojo amanecer</em> (1989). Supo acoplarse además a los tiempos de transición que tuvo la industria cinematográfica para bien o para mal. Por ejemplo, se encargó de adaptar canciones de Los Tigres del Norte a libretos para títulos como<em> La jaula de oro</em> (1988), <em>Tres veces mojado</em> (1989) y <em>La camioneta gris</em> (1990). Exploró el cine infantil con <em>Serafín </em>(2001). Escribió sobre Ciudad de México y su vida nocturna en<em> Las noches del Blanquita </em>(1981), o la vida de barrio en el denominado “barrio bravo” con<em> ¡Qué viva Tepito!</em> (1981). Como director realizó el documental <em>Ayotzinapa: Crónica de un crimen de Estado</em> (2014).</p>
<h2 style="text-align: center">Alfredo Gutiérrez ‘el Turco’ (25 de junio)</h2>
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<p>De rostro mal encachado, como si estuviera siempre de malas aunque interpretara personajes bonachones, este actor apareció en westerns setenteros como comisario, pistolero y ladrón. En la década de los ochenta figuró en películas de acción junto a los hermanos Almada y Sergio Goyri haciéndola de gatillero, traficante, jefe policiaco o papá de víctimas. Participó en películas de terror como <em>El extraño hijo del sheriff</em> (1986) y filmes kitsch como<em> Intrépidos punks</em> (1988). Para la década de los noventa y primeras dos décadas del siglo XXI continuó en el género de acción a través del videohome toda vez que se dejó de producir en celuloide.</p>
<h2 style="text-align: center">Susana Dosamantes (2 de julio)</h2>
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<p>Fue el crush de la generación setentera en cuanto la vieron figurar en películas como <em>Remolino de pasiones</em> (1969) y <em>Matrimonio y sexo</em> (1970). Fue en 1970 cuando su nombre destacó como otra de las actrices mexicanas que apareció en filmes de Hollywood tras interpretar a María en <em>Río Lobo,</em> un western protagonizado por John Wayne y dirigido por Howard Hawks. Cinco años después, bajo la dirección de Carlos Enrique Taboada, participó en <em>Más negro que la noche,</em> un título del género de terror que es de culto en México. A finales de los ochenta interpretó a una vengadora de corte urbano en <em>El placer de la venganza</em> (1988) y a una dama extraterrestre en la incatalogable <em>Keiko en Peligro </em>(1989).</p>
<h2 style="text-align: center">Marta Aura (8 de julio)</h2>
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<p>En la década de los setenta participó en cuatro películas distintivas de ese periodo: <em>El águila descalza</em> (1971), <em>Cayó de la gloria el diablo</em> (1972), <em>Los cachorros</em> (1973) y <em>El lugar sin límites</em> (1978). En la década de los ochenta apareció en dos películas de Felipe Cazals. Una de ellas fue <em>Los motivos de luz </em>(1985) como la licenciada Alférez. Otra fue <em>Las inocentes </em>(1986), un documento poco conocido de Cazals porque se hizo en formato para televisión, pero allí interpreta a la superiora del convento donde originalmente vivían las cuatro religiosas abusadas sexualmente en esta ficción. Su último trabajo fue <em>Coraje </em>(2022), película en la que tuvo la fortuna de ser dirigida por su hijo, Rubén Rojo Aura, y en la cual personifica a una actriz amenazada por la ceguera.</p>
<h2 style="text-align: center">Meche Carreño (21 de julio)</h2>
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<p>Fue una de las actrices mexicanas que no tuvo reparo en desnudarse porque creía que el cuerpo era una extensión de la fuerza interpretativa en personajes femeninos rebeldes, incómodos y fuertes. El erotismo que transmitía en pantalla no era romántico ni sutil, sino agresivo. Provocaba el deseo pero al mismo tiempo infundía temor por el carácter de sus roles, y de su propia personalidad a cámara. En <em>No hay cruces en el mar</em> (1968), <em>Damiana y los hombres</em> (1967) y <em>Los perros de Dios</em> (1974) se pudieron notar esos rasgos. Pero también fue capaz de utilizar su físico y sensualidad para hacer denuncia con <em>La inocente </em>(1972), película en la que interpreta a una mujer con retraso mental que es abusada sexualmente a partir de su condición y queda embarazada. En <em>El Noa Noa </em>(1981) demostró la calidad de su capacidad actoral. Eso se aprecia con el final de la película y la línea que le pronuncia a Juan Gabriel cuando éste le anuncia que se va de Juárez. Fue una actriz completa pero infravalorada durante algún tiempo, tanto por el público como por la prensa.</p>
<h2 style="text-align: center">Adriana Roel (4 de agosto)</h2>
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<p>Una actriz que dejó como legado dos películas dignas de revisar por lo que tratan y el tiempo en que lo abordan. Precisamente ganó el Ariel por esos dos títulos. Con <em>No quiero dormir sola</em> (2012) nos acerca a la vejez femenina y los cuidados que requiere una anciana con problemas de alcoholismo.Tenía 78 años. Aceptó salir en traje de baño a esa edad, mandando así también un mensaje de aceptación al paso del tiempo reflejado en el cuerpo. Con <em>Anacrusa </em>(1979) nos da de porrazos como sociedad indiferente que somos hacia los desaparecidos y presos políticos en México. Roel da vida a una maestra universitaria y madre soltera que no comulga con reclamos estudiantiles y no simpatiza con manifestaciones o movimientos que claman por causas sociales. La perspectiva le cambia cuando su hija es levantada, desaparecida por una patrulla y asesinada.</p>
<h2 style="text-align: center">Manuel Ojeda (11 de agosto)</h2>
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<p>Interpretó personajes que fueron desde la transmisión de compasión hasta desprecio, pero todos ellos con una fuerte expresión que iba desde rangos delicados hasta duros. En películas como <em>El apando</em> (1976) y <em>El infierno de todos tan temido</em> (1981) dio cátedra sobre el estado mental que puede adquirir un hombre en su resistencia o concesión a la locura a partir del encierro. Otro título de valor en su carrera fue <em>Matinée </em>(1977), de Jaime Humberto Hermosillo. Y no solamente por la gran idea de asaltar la Basílica de Guadalupe, sino también por incluir a la homosexualidad en esa trama delictiva. Vaya, una forma de plantar cara a la moral católica mexicana de esos años.</p>
<h2 style="text-align: center">Anabel Gutiérrez (21 de agosto)</h2>
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<p>Con <em>Muchachas de uniforme </em>(1951) y <em>Rostros olvidados </em>(1952) fue nominada al Ariel juvenil de forma consecutiva. Pero fue tres años después cuando pudo ganar ese premio por su participación en <em>Escuela de vagabundos</em> junto a Pedro Infante. Se consolidó como una de las revelaciones de la década y se le auguró un buen futuro en el cine, no obstante su carrera cinematográfica se vio frenada en 1960 con<em> Los resbalosos.</em> Tuvieron que pasar 19 años para que en 1979 volviera a aparecer en pantalla grande con <em>Discoteca es amor,</em> de Sergio Véjar. Puede decirse que el registro cinematográfico de su nombre se albergó en la época de oro como una de las mejores actrices jóvenes de esa etapa.</p>
<h2 style="text-align: center">Cristóbal Jodorowsky (15 de septiembre)</h2>
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<p>Heredero de los conocimientos de su padre, tanto artísticos como psicomágicos, aceptó ser dirigido por él en dos películas: <em>Santa sangre</em> (1989) y<em> La danza de la realidad </em>(2013). Ambos títulos dividen opiniones entre devotos y detractores de Alejandro Jodorowsky por el cine que hizo, así como por sus postulados respecto al arte. Fue con<em> Santa sangre</em> con la cual Cristóbal se volvió un personaje de culto para sus fans. En el filme interpreta a un extraño asesino que presta sus brazos a su madre, líder de una rara secta religiosa, para cometer una serie de crímenes. Para sus seguidores de prácticas como el psicoteatro y la psicogenealogía es una especie de tesoro.</p>
<h2 style="text-align: center">Jorge Fons (22 de septiembre)</h2>
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<p>Uno de los grandes directores mexicanos. Deja una herencia fílmica de por lo menos tres obras fundamentales de la cinematografía nacional: <em>Los albañiles</em> (1976), <em>Rojo amanecer</em> (1989) y<em> El callejón de los milagros</em> (1995). Reinterpretar lo que fue la masacre estudiantil de 1968 desde el Interior de un departamento y transmitir el horror que fue la matanza en Tlatelolco sin ver nada del exterior, habla de alguien que tenía algo más que oficio. Y eso lo tenía Fons: un gran lector de las emociones en el ser humano a partir de sus contextos. Eso lo plasmó también en el western a través de <em>Cinco mil dólares de recompensa</em> (1974) con temas como la traición y la ambición. Se despidió de gran manera de la ciudad que retrató en los tres títulos mencionados al inicio. Y es que la noticia de su fallecimiento se dio justo cuando tembló fuerte en Ciudad de México.</p>
<h2 style="text-align: center">Héctor Bonilla (25 de noviembre)</h2>
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<p>Podemos recordarlo por su trabajo en cine, teatro y televisión. Lo tenemos bien grabado en la memoria por <em>Rojo amanecer </em>(1989), película que además produjo. También participó en <em>Matineé </em>(1977), película que protagonizó junto a Manuel Ojeda. Hombre de izquierdas y de constante cuestionamiento a la hipocresía moral que tenemos como mexicanos, Bonilla aceptó ser un ladrón homosexual que se traza como gran objetivo asaltar la Basílica de Guadalupe. Nada menor aparecer en un filme así considerando lo conservadora y homófoba que es la sociedad. Actor que consideraba atractiva y fundamental la contradicción humana como motivación, <em>El cumpleaños del perro</em> (1975) fue una película en la que escarbó el machismo nacional y el feminicidio. Interpreta a un marido que no quiere estar casado y está harto de su esposa, por lo que decide asesinarla para ser libre. Sin duda, una de sus grandes cualidades y noblezas es que actuó para todos los públicos. Para él ninguno merecía menos que el otro.</p>
<h2 style="text-align: center">Alonso Echánove (30 de noviembre)</h2>
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<p>Uno de los pocos actores con la gracia de tener un rostro que sin gesticular podía interpretar a un bonachón o a un tipo miserable. Tampoco requería de movimiento corporal excesivo para hacerse notar. Supo hacer de la acción del personaje en escena su gran cualidad. Basta recordarlo en <em>Principio y fin</em> (1993), de Arturo Ripstein. Tiene un pequeño papel pero crucial como Cariñoso, el mecánico que viola a Mireya y detonante para que ella se introduzca en la prostitución. Ganó dos premios Ariel. Uno fue por <em>Mentiras piadosas</em> (1989), de Arturo Ripstein, película en que interpreta al marchante que abandona a su esposa para vivir un nuevo romance que no resulta por culpa del remordimiento. El otro fue por <em>Modelo antiguo</em> (1992), filme en que interpreta al chofer de una solterona conductora de astrología que quiere darle uso al coche de herencia familiar antes de morir.</p>

In Memoriam: Figuras del cine mexicano que fallecieron este 2022

In Memoriam: Figuras del cine mexicano que fallecieron este 2022 - Spoiler

<p>De niño solía preguntarle a mi padre cómo eran mis abuelos, es decir, sus papás. Como no los conocí, me inquietaba saber quiénes fueron. <strong>Mi viejo respondía de dos maneras: o hablaba maravillas de ellos, o no decía nada. </strong>O construía relatos fantásticos para describirlos (lo que me hizo crecer con una grata idea sobre sus personas), o cambiaba el tema. Pero fue hasta los 12 años cuando mi madre me contó la verdad acerca de cómo se portaron con mi papá y el porqué de sus repentinos silencios ante mis cuestionamientos. Tiempo después, con 65 años a cuestas, mi padre quiso platicarme acerca de las borracheras y desobligaciones de mi abuelo, así como de las golpizas y castigos que le propinó mi abuela. Nació de él invitarme a tomar un café para compartirme esa parte de su vida, algo novedoso para mí porque él fue un tipo al que no le gustaba mostrar sus sentimientos.</p>
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<p>Ya adulto yo en ese momento, me sorprendió escuchar a un hombre de 65 años explorando junto a mí ese dolor, rencor, perdón y amor por sus progenitores. Fueron muchos años los que tardó en procesar los efectos traumáticos que trajeron consigo sus figuras paterna y materna. <em>“¿Por qué hasta ahora?”,</em> le pregunté. <em>“Porque no es fácil”, </em>me respondió. En ese instante no comprendí bien su respuesta.<strong> Pero luego de ver <em>Los Fabelman, </em>al salir de la sala, quise abrazar a mi viejo para decirle que hoy lo entiendo, que tuvo razón en decirme que no era sencillo.</strong> De igual forma le agradecí a su recuerdo por procurar mi infancia con la construcción de una sana imagen de mis abuelos. Esta fue la reflexión inmediata que dominó mi pensamiento tras haber visto la nueva película del <a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/La-nena-de-la-Lista-de-Schindler-explico-el-significado-del-saco-rojo-20211218-0011.html" target="_blank" rel="noopener">señor Steven Spielberg.</a></p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/11/01/noticia_0009.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p><strong>¿Qué pasa en algunos hombres que deben esperar más de 50 años para confrontar al pasado e intentar sanar sus heridas o librarse de sus tormentos internos con plena aceptación de lo ocurrido en el ayer? </strong>Si lo aterrizamos en el ámbito cinematográfico, en el cine hemos visto haciéndolo a Roman Polanski con <em>El pianista</em> (2002), a Kenneth Branagh con <em>Belfast </em>(2021), a Paolo Sorrentino con <em>Fue la mano de Dios</em> (2021) y recientemente a Alejandro González Iñárritu con <em>Bardo </em>(2022).</p>
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<div class="ck-instagram"><blockquote class="instagram-media" data-instgrm-captioned="" data-instgrm-permalink="https://www.instagram.com/reel/Clo4ZV_JDwm/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" data-instgrm-version="14" style="background:#FFF;border:0;border-radius:3px;margin: 1px;max-width:540px;min-width:326px;padding:0;width:99.375%;width:-webkit-calc(100% - 2px);width:calc(100% - 2px)">
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/reel/Clo4ZV_JDwm/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de The Fabelmans (@thefabelmans)</a></p>
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<p>De repente aparece también un cineasta como Spielberg para ofrecer una ficción de corte autobiográfico que bien puede dividirse en dos temas que en sí son uno mismo: <strong>el suceso familiar que lo marcó y la confirmación de que su pasión era su destino, entiéndase hacer cine. </strong>Estando bien en su matrimonio, sus padres lo aproximaron a la pantalla grande para revelarle, sin querer, una motivación de vida (ojo a la secuencia inicial). Estando mal en el matrimonio, sus padres lo acercaron todavía más al séptimo arte porque, sin querer, le permitieron conocer su propia sensibilidad para contar historias, entender a sus personajes y dirigir actores (ojo a la brutal secuencia en que Sam muestra la película familiar de la discordia a Mitzi en un armario).</p>
<p><strong>Lo que narra en <em>Los Fabelman</em> no es para nada un spoiler o un estropeo. </strong>En el documental <em>Spielberg </em>(2017), de Susan Lacy, él mismo expresa lo difícil que fue la separación de sus padres porque la mamá se enamoró del mejor amigo del papá. Sin embargo, esa es la anécdota de lo que realmente fue importante en su ser y trascendió incluso a su filmografía. ¿Qué? Los sentimientos forjados hacia sus progenitores. Por ejemplo, lo refleja en la relación padre-hijo entre<a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Que-se-sabe-de-Indiana-Jones-5-hasta-ahora-20220713-0010.html" target="_blank" rel="noopener"> Indiana Jones (Harrison Ford)</a> y Henry Jones (Sean Connery) en <em>Indiana Jones y la última cruzada</em> (1989), o la ausencia paterna con sensación de abandono en <em>E.T. El Extraterrestre</em> (1982).</p>
<p>Recrear o reinterpretar ese episodio de su adolescencia en <em>Los Fabelman</em> lo complementa o equilibra con el descubrimiento-reafirmación de su vocación como cineasta definida desde temprana edad. Lo que bien pudo ser un melodrama denso -dado el contexto de una separación y sus consecuencias-, Spielberg lo convierte en un entrañable homenaje al cine con humor, romance y un toque de aventura. <strong>Evitó para bien un tono lacrimógeno de sus dolores optando por compartirlos con sinceridad y sensibilidad amable, </strong>incluso conmovedora para retratar a sus padres, a quienes de alguna manera les externa un perdón con este tributo a ellos como los grandes personajes de su vida y que sin sus desavenencias maritales quizá no hubiera tenido más herramientas para convertirse en el realizador que es actualmente.</p>
<p>El contrapeso de esa fractura emocional son sus hermanas, amigos y compañeros de colegio, cómplices entrañables de su formación empírica como cineasta. A ellas y ellos también los involucra en este proyecto honrando su memoria solidaria, partícipe y creativa a lo largo del camino que fue abriéndose con su talento y capacidad detrás de cámaras. <strong>Ese desinteresado respaldo juvenil de sus entornos, Spielberg lo dimensiona como un abrazo fraternal que lo sostuvo en su crisis.</strong></p>
<p>Como colofón está la extraordinaria secuencia final mediante la cual confirma que el cine es un refugio, <strong>el lugar más seguro que pudo hallar en su trayecto y, por si fuera poco, para el que nació. </strong>Es precisamente en dicho refugio donde Spielberg quiere abrirse y compartir con su estilo ese periodo que definió su vida y potenció su genio cinematográfico. El cierre de<em> Los Fabelman</em> es magistral<a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Como-hizo-Spielberg-para-convencer-a-Lynch-de-estar-en-su-pelicula-20221109-0012.html" target="_blank" rel="noopener"> no solamente por el personaje que aparece dando cátedra, </a>sino por ser el elemento externo a los núcleos que sin intención colabora en la toma de decisiones trascendentales, tal como es el caso del porvenir (no por nada es metafórica la explicación del horizonte que da).</p>
<p>La fotografía de Janusz Kaminski juega un papel destacable. Para mostrar la ambivalencia del universo de Spielberg utiliza la cámara para hacer de la iluminación, los planos y movimientos una estructura de emociones. <strong>El rostro de Sam al editar; las aventuras de sus rodajes; los momentos en familia; la tensión con Mitzi al descubrir que ama a otro hombre. </strong>En cada situación, la cámara nos dice bastante (como cuando Sam presenta una película y vemos cómo su padre sale de cuadro para enfocar a Mitzi en alegría compartida con Bennie).</p>
<p>Spielberg eligió a Gabriel LaBelle para representarse en su adolescencia y el chico hace un trabajo notable. <strong>Michelle Williams </strong>interpreta a Mitzi, su madre, con una actuación que orilla a recriminar el poco reconocimiento que se le da a esta actriz en la actualidad. <strong>¡Está estupenda!</strong> El padre es protagonizado por Paul Dano, quien hace un papel sobrio y contenido que le exige su personaje, lo cual es complejo si se considera la circunstancia que atraviesa en la trama.</p>
<p><em>Los Fabelman</em> es una película que, además de permitirnos una aproximación al mundo de Spielberg,<strong> bien puede estimular la intención de voltear a ver a nuestros viejos e intentar comprender por qué callan y por qué por tanto tiempo.</strong> Es posiblemente también una invitación para hacer las paces con las figuras paterna o materna en caso de decisiones que nos hayan afectado como hijos, para reconciliarnos con su memoria si es que ya no hubo oportunidad de oírles.</p>

Los Fabelman, el mundo de Spielberg para mirar y escuchar el nuestro

Los Fabelman, el mundo de Spielberg para mirar y escuchar el nuestro - Spoiler

<p>Vivimos una actualidad en la que se utiliza el término de “periodismo serio” para diferenciar al ejercicio periodístico especializado y de investigación de aquel que se practica día con día bajo la premura de informar lo más rápido posible a costa de sacrificar valores como la ética, la calidad y el compromiso con el tema. <strong>Es precisamente ese periodismo serio el que incomoda y cuestiona, el que profundiza y evidencia, </strong>pero es a la vez el que pone en riesgo al periodista que lo ejerce desde condicionar su estabilidad emocional, pasando por la latente probabilidad de jugarse la credibilidad, hasta el hecho de que se le arrebate la vida. Y es en el que más confían las víctimas de diversos delitos para encontrar eco a sus denuncias, para hacer visibles los males invisibles.</p>
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<p>Es este punto una de las aristas para reparar en una de las lecturas que ofrece <strong><em>Ella dijo,</em> nuevo trabajo de María Schrader, directora de la serie<a href="https://spoiler.bolavip.com/series/La-serie-dramatica-sobre-religion-que-conmueve-a-los-usuarios-de-Netflix-20221222-0015.html" target="_blank" rel="noopener"> <em>Unorthodox </em>(2020)</a> y la película <em>El hombre perfecto</em> (2021). </strong>¿Cómo se logra la confianza de esas víctimas? Porque no solamente importa la causa ajena, sino también la propia; el periodista hace suya la historia por distintos motivos personales que pueden no agradar a la otra parte. De igual manera importa el medio de publicación, y mucho, porque no es lo mismo creer en un periódico local a un periódico de circulación nacional con trascendencia internacional.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2020/11/20/noticia_0005.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>Ahora bien, ¿qué pasa cuando lo denunciable es una serie de abusos sexuales perpetrados por un poderoso hombre de Hollywood contra decenas de mujeres? <strong>¿Por dónde y cómo logra entrar el periodista a nivel emocional a la vida de las víctimas para escarbar el dolor, vencer miedos y denunciar? </strong>Hay una escena que puede parecer mínima, sin embargo es relevante: Jodi Kantor (Zoe Kazan) le pregunta a su compañera Megan Twohey (Carey Mulligan) de qué forma obtiene la simpatía de los afectados y ésta le responde que diciéndoles la verdad, es decir, que no puede remediar lo pasado pero sí pueden influir juntos para que eso no vuelva a suceder y nadie más vuelva a padecer algo similar. Este breve diálogo es clave para comprender la cobertura periodística del caso que narra la película basada en hechos reales.</p>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/reel/CmphgLKju7H/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Universal Pictures México (@universalmx)</a></p>
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<p>Jodi Kantor y Megan Twohey son <strong>dos reporteras del New York Times que escriben el reportaje acerca de los abusos sexuales cometidos por <a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Harvey-Weinstein-sentenciado-a-23-anos-de-prision-20200312-0004.html" target="_blank" rel="noopener">Harvey Weinstein</a></strong><a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Harvey-Weinstein-sentenciado-a-23-anos-de-prision-20200312-0004.html" target="_blank" rel="noopener"> </a>en contra de muchas mujeres de la industria cinematográfica. Respaldadas por sus superiores y editores para llevar a cabo la investigación, ambas emprenden una laboriosa búsqueda de pruebas y testimonios para hacer públicos los delitos cometidos por el magnate y así las víctimas tengan posibilidad de justicia.</p>
<p>Una de las mujeres violentadas por Weinstein fue la actriz Ashley Judd, quien aceptó participar en esta película para representarse a sí misma en un plano metaficticio. La decisión de incluirla en este filme cobra el valor de un gran gesto con ella luego de que su carrera se viera afectada por negarse a las peticiones sexuales del productor, además de que fue la imagen de valentía para que otras mujeres violentadas se animaran a alzar la voz en<strong> el origen del movimiento Me Too en 2017.</strong></p>
<p>A diferencia de otras películas sobre periodistas en el mundo de las redacciones,<strong> María Schrader aquí hace hincapié en dos detalles: la labor reporteril femenina y la vida familiar de las reporteras. </strong>Mientras que con los hombres se utiliza el cliché del cigarro, los tragos, café con donas, el desorden y un exceso de ansiedad o neurosis, aquí la directora se olvida de todo eso. En primera porque no lo necesita, y en segunda porque sus personajes tienen la opción de ser pulcros en todos los sentidos; su personalidad y forma de trabajar también son herramientas de honestidad y confianza para su labor.</p>
<p>Aproximarse a sus núcleos conformados por pareja e hijos es un recurso que funciona para generar empatía con las periodistas y dimensionar lo que ponen en juego o sacrifican al mismo tiempo que ejercen un oficio apasionante pero demandante como lo es el periodismo. <strong>Los temores, lágrimas y distanciamientos con los suyos son muestras de la fragilidad y situaciones que las reporteras de cualquier fuente enfrentan.</strong> No es menor esa observación de Schrader tomando en cuenta que en el presente existen propietarios de medios, directores y editores en jefe que se amparan en el precepto de que “la noticia nunca duerme” para invalidar la vida privada de su fuerza reporteril. En este sentido, ojo al trato y las pequeñas líneas que brinda Rebecca Corbett (Patricia Clarkson) a Jodi Kantor y Megan Twohey. Aparte de tener pleno entendimiento de que trabaja con personas, rompe con esa idea de que a gritos se hace periodismo.</p>
<p>Prestar atención al desempeño periodístico de Jodi y Megan es prestarle atención a las víctimas, quienes deben ser las verdaderas protagonistas de <em>Ella dijo.</em> <strong>La película bien puede interpretarse como una crónica de la investigación del caso con la salvedad de que no es periodismo sino cine lo que se está viendo.</strong> Y en lo cinematográfico, Schrader recurre a algo que han hecho directoras como Patricia Balderas Castro<a href="https://spoiler.bolavip.com/reviews/Ahora-que-estamos-juntas-el-morado-como-transicion-de-las-heridas-causadas-por-el-acoso-callejero-20221025-0006.html" target="_blank" rel="noopener"> (<em>Ahora que estamos juntas,</em> 2022)</a> y Carla Larrea <a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Por-Magda-el-aborto-infantil-como-alternativa-al-embarazo-de-ninas-abusadas-20221025-0017.html" target="_blank" rel="noopener">(<em>Por Magda,</em> 2022). </a>¿Qué? No visibilizar ni darle mayor importancia al victimario, sino enfatizar como centro de atención a las víctimas. Aquí la realizadora lo hace mediante las reporteras, no obstante también con las mujeres afectadas. Y es que lo prioritario es la causa, que es no callar, así tenga quien tenga que caer, tal como pasó con Harvey Weinstein, actualmente en prisión.</p>

Ella dijo, el periodismo que destapó al verdadero Harvey Weinstein

Ella dijo, el periodismo que destapó al verdadero Harvey Weinstein - Spoiler

<p>En este cierre de 2022,<a href="https://spoiler.bolavip.com/series/Paramount-que-esperar-de-Gigolo-Americano-20220910-0007.html" target="_blank" rel="noopener"> Paramount Plus</a> culmina con un trancazo en su plataforma dentro de América Latina. Se trata ni más ni menos que de<em> <strong>Top Gun Maverick, </strong></em><strong>película que ha aparecido en las listas de críticos entre las 10 mejores del año.</strong> Para muchos es el contenido que realmente hizo que la gente volviera a las salas de cine tras los meses críticos de la pandemia.</p>
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<p><strong>Otro de sus grandes estrenos fue </strong><em><strong>Bosé,</strong> </em>serie que aborda la vida del músico español Miguel Bosé, un personaje que va más allá de la música al ser hijo del torero Luis Miguel Dominguín y la actriz Lucía Bosé. Recordemos que también es actor y ha aparecido en películas como <em>Suspiria, </em>de Darío Argento. Se convirtió en la serie más vista por el público en este 2022.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/12/15/noticia_0022.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>En cuanto a series de acción,<strong> la plataforma tiene a <em>Tulsa King</em> como su segundo gran hit. </strong>Es protagonizada por otra estrella consentida de los espectadores y el entretenimiento, <a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Por-que-jamas-hubo-secuela-de-El-Demoledor-20221020-0020.html" target="_blank" rel="noopener">Sylvester Stallone. </a>Ahora interpreta a un capo de la mafia que decide construir un nuevo imperio luego de ser exiliado a Oklahoma.</p>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/p/CmjhFpRthri/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Paramount+ Latinoamérica (@paramountplusla)</a></p>
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<p><strong>El reality <em>Acapulco Shore </em>es la sensación de la audiencia juvenil. </strong>Con <a href="https://spoiler.bolavip.com/tv/Acapulco-Shore-temporada-10-quienes-son-los-nuevos-participantes-20220903-0008.html" target="_blank" rel="noopener">su décima temporada</a> se posicionó como el cuarto contenido más visto en Paramount Plus. Superó a <em>Halo, </em>serie que en su primera temporada fue bien recibida por el público, lo que dio pauta para ser renovada con una segunda.</p>
<p>La película mexicana <em>Corazonada </em>también es un lanzamiento destacado de este año. Está basada en hechos reales de un suceso inédito y surrealista en la historia contemporánea de México. Cuenta<strong> la historia del fraude llevado a cabo por funcionarios del Melate en 2012 </strong>para hacerse de una suma de 160 millones de pesos.</p>
<p><strong><em>Yellowstone,</em> la serie número uno en Estados Unidos, </strong>está en el puesto número siete de las preferencias para los suscriptores de la plataforma. El éxito que ha tenido motivó a que haya una quinta temporada. La serie <em>The Handmaid’s Tale</em> ocupa el octavo sitio de lo más destacado. <em>iCARLY </em>y <em>Rupaul’s Drag Race</em> se posicionan en el noveno y décimo sitio respectivamente.</p>
<p>Los contenidos que van del puesto 11 al 20 son: <em>Spongebob, Defex Caribe, Resistiré, Killing Eve, la franquicia Star Trek, Paw Patrol la película, <strong>Se rentan cuartos, Super Pumped, </strong>The First Lady, The Offer, South Park.</em></p><p></p>

Esto fue lo más destacado de Paramount Plus en 2022

Esto fue lo más destacado de Paramount Plus en 2022 - Spoiler

Esto fue lo mejor del cine mexicano en este 2022

Esto fue lo mejor del cine mexicano en este 2022 - Spoiler

<p>En 2010 fueron asesinados dos estudiantes que además habían sido torturados por militares en Nuevo León. <strong>Intentaron desaparecerlos en una fosa común para no dejar rastro de ellos.</strong> En ese entonces, el gobierno mexicano manejó la información de que se trataba de dos sicarios fuertemente armados que fueron abatidos por las fuerzas armadas en cumplimiento de su deber. Sin embargo, hasta 2018 con el lanzamiento del documental <em>Hasta los dientes,</em> se dio a conocer que las autoridades mexicanas le mintieron a la sociedad y los chicos eran inocentes, pero fueron criminalizados de forma injusta, alevosa y cínica.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/12/11/noticia_0001.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>Dicho documental fue dirigido por Alberto Arnaut, quien en este 2022 vuelve con un nuevo trabajo que revela y denuncia la incapacidad, complicidad e inoperancia de las autoridades para investigar un caso, en esta ocasión <a href="https://spoiler.bolavip.com/tv/A-plena-luz-documental-que-explora-el-multihomicidio-de-Narvarte-20221115-0001.html" target="_blank" rel="noopener">el multihomicidio de Narvarte. </a>Se trata de<em> A plena luz,</em> lanzado en Netflix. Este contenido muestra cómo los encargados de procurar e impartir justicia ocultaron información, perdieron pistas, actuaron con dolo e interfirieron para que no se supiera la verdad detrás de<strong> los crímenes de Nadia Vera, Yesenia Quiroz, Alejandra Negrete, Mile Martín y Rubén Espinosa.</strong></p>
<p>En Spoiler platicamos con Alberto Arnaut sobre sus motivos para investigar de manera profunda la negligencia de las autoridades y su mal desempeño con intención de cerrar <strong>un caso que, de acuerdo a familiares de las víctimas y representantes legales, sigue abierto.</strong></p>
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<h2 style="text-align: center">Entrevista con Alberto Arnaut, director de <em>A plena luz</em></h2>
<p><strong>Alberto, ¿cómo surge la idea de poner el dedo en la llaga con el caso Narvarte? ¿Qué te motivó a prestar atención en esta herida?</strong></p>
<p><em>En el momento en que ocurren los feminicidios y el homicidio de la Narvarte, yo vivía muy cerca del departamento. Por otra parte, me sentía muy identificado con Rubén Espinosa y Nadia Vera, un fotoperiodista y una activista que venían huyendo de la represión política de Javier Duarte en Veracruz. Me sentía cercano a ellos porque estábamos en las mismas luchas, tales como la exigencia de aparición con vida de los 43 normalistas de Ayotzinapa y la postura contra la reforma educativa de Enrique Peña Nieto. Sin embargo, de manera muy puntual, las luchas que nos unían eran las protestas contra el asesinato de periodistas y desapariciones forzadas.</em></p>
<p><em>Cuando sucedieron los crímenes sentí como si la muerte me tocara a la puerta, como si se acabara el mito de que la Ciudad de México era un lugar seguro para quienes huían de la violencia política y la violencia perpetrada por el narcotráfico. Teníamos la idea de que en la capital a lo mucho nos podían golpear o detener de manera arbitraria, pero no corríamos el riesgo de ser desaparecidos o asesinados.</em></p>
<p><em>Después de lo sucedido, activistas y periodistas que vivíamos en la ciudad comenzamos a tener mucho miedo. Nos reuníamos y llorábamos porque, tras ver lo que pasó con Nadia y Rubén, nos sentíamos vulnerables. Teníamos demasiado miedo. Eso fue lo que provocó que pusiera en mi mente la idea de hacer una película sobre lo que pasó en Narvarte, especialmente porque luego de haber hecho Hasta los dientes quería continuar indagando en heridas que nos competen como sociedad y las cuales no pueden quedar en el olvido.</em></p>
<p><strong>¿Cómo venciste o enfrentaste ese miedo para iniciar la investigación? Te pregunto porque dado el contexto resulta difícil lanzarte a lo desconocido en aras de saber qué pasó.</strong></p>
<p><em>Cuando iniciamos el proyecto no sabíamos bien a bien con qué nos íbamos a encontrar. Nosotros estábamos muy clavados con la premisa de que el asesinato de las cinco personas tenía que ver únicamente con el tema de la represión política en Veracruz. Sin embargo, en cuanto iniciamos a introducirnos en la investigación, notamos que habían otras aristas que tenían que ver con grupos criminales de la Ciudad de México, e incluso dentro de la Procuraduría.</em></p>
<p><em>Antes que cualquier otra cosa, lo primero que hicimos fue hablar con los representantes de las víctimas y posteriormente con los familiares de las víctimas. Para nosotros era muy importante que participaran las familias de las cinco personas asesinadas, que ninguna se quedara fuera. Para nuestra sorpresa, todo fluyó rápido y las cinco familias aceptaron de inmediato. Para que así fuera, se les preguntó si estaban de acuerdo en que se hiciera una película sobre el caso y si lo creían necesario. Consideraron que sí. Digamos que ese respaldo y decisión de las familias es lo que ayudó a vencer el miedo. Teníamos una causa para comprometernos.</em></p>
<p><em>Entonces solicitamos permiso para acceder a la averiguación previa que ni las propias familias ni los abogados conocían a profundidad. Acto seguido pedimos acceso a una serie de videos que poco a poco la fiscalía fue proporcionando a las familias y a los representantes legales. Conforme fuimos viendo lo que teníamos al alcance, nos dimos cuenta que no íbamos a poder acceder a la verdad porque la averiguación estaba mal hecha y muchos datos relevantes se extraviaron sin posibilidad de recuperarse. El trabajo hecho por las autoridades para la investigación del caso estaba dejándonos en claro que era imposible llegar a la verdad.</em></p>
<p><em>Por eso fue que decidimos contar los hechos del porqué no podemos saber hasta el momento qué fue lo que sucedió en la Narvarte y quiénes son las personas involucradas. La mala investigación que hizo la procuraduría no fue por incapacidad, sino por complicidad o encubrimiento de las autoridades respecto a los autores intelectuales del multihomicidio. Ya no solamente era un compromiso con las familias y la búsqueda de la verdad, sino con las propias víctimas y su memoria.</em></p>
<p><strong>¿Cómo fue el trabajo de sensibilidad con las familias? Escarbar en su dolor no es fácil. ¿Cómo se logró ese proceso de generar una sensibilidad manifiesta y generosa entre familiares, abogados, peritos, equipo de investigación y tú?</strong></p>
<p><em>Poco a poco fuimos agarrando confianza. Era un momento en el cual parecía que el caso estaba olvidado. Nos acercamos con suma honestidad y sinceridad a las familias. Fuimos claros desde el principio y lo percibieron. Eso ayudó a que fueran abriéndose y a ser partícipes.</em></p>
<p><em>Cuando empezamos a revisar la averiguación previa fuimos aportando elementos de interés a las familias, lo que detonó mayor participación e interés de su parte en contribuir con el documental. Esta conjunción nos solidarizó. También fuimos comulgando en parejo con la indignación de saber que las autoridades hicieron mal su trabajo, por lo que la exigencia de justicia se incrementó entre todos por igual. Pasamos del dolor al coraje, a la rabia.</em></p>
<p><em>Hay organizaciones y autoridades que menosprecian el dolor de las víctimas. Lo que no saben es que las víctimas tienen mayor claridad y mayor fortaleza emocional de lo que podemos creer. Pueden llegar a sorprender sus actitudes fuertes, valientes y decisivas. Eso lo descubrimos en cuanto fuimos aportándoles datos de nuestra investigación; las familias se empoderaron con la información brindada. Se volvieron más fuertes en sus reclamos de justicia.</em></p>
<p><strong>Recientemente vimos el impacto y la trascendencia que puede tener un documental con <em>Duda razonable, </em>cuyo caso que plantea fue atraído por la Suprema Corte de Justicia. Con <em>A plena luz</em> vemos otro documental más que trasciende no solamente como un contenido, sino también como un manual sobre cómo actuar y proceder para buscar la verdad ante una investigación fallida por parte de las autoridades. ¿Puede ser el streaming, mediante la realización de documentales, un nuevo objeto de estudio para la búsqueda e impartición de justicia?</strong></p>
<p><em>Presentimos que podíamos ayudar a poner más alto el nivel de investigación con este tipo de casos. Este documental en sí, no debió haber existido. ¿Por qué? Porque toda la investigación que hicimos a lo largo de cuatro años no era nuestra responsabilidad. Es algo que debieron haber hecho las autoridades desde un principio. Si las autoridades hubieran trabajado, los documentalistas y los periodistas no tendríamos que ser quienes demos confianza, respuestas y seguridad a las víctimas.</em></p>
<p><em>Con la llegada del streaming y sus plataformas, se abrió un recurso para dedicarle más tiempo a una investigación con mayor profundidad. Implica poner mayor esfuerzo a nuestras emociones, poner tiempo de nuestras vidas y concentrarnos de lleno en el caso a abordar para poner la vara más alta a las autoridades.</em></p>
<p><em>Si las autoridades fueran capaces de trabajar, los documentales no tendrían que ocupar su lugar. Pero ellos así lo han querido. Existe una pereza institucional que plantea que los casos no se tienen que resolver bien, sino rápido. Eso a la larga termina siendo más lento. Como lo hacen mal desde el comienzo, acumulan error tras error que al final les impide llegar siquiera a conclusiones.</em></p>
<p><em>Ante el documental que mencionas, </em>Duda razonable,<em> y este de </em>A plena luz,<em> una reflexión inmediata que hago es la invitación para que estudiantes universitarios y adolescentes con intenciones de estudiar una carrera profesional opten por meterse al análisis forense, que se dediquen a este tipo de materias olvidadas en nuestro país pero que son vitales para la búsqueda de justicia. En este sentido, este tipo de contenidos bien pueden funcionar para replantear planes de estudios en ciertas carreras allegadas a investigar y esclarecer crímenes.</em></p>
<p><strong>En sus testimonios, la madre de Yesenia Quiroz hace hincapié en un aspecto fundamental. Me refiero a cuando menciona que no le importa si su hija eligió o no el trabajo del servicio sexual y que haya ejercido o no la prostitución nadie tenía derecho de asesinarla. Y tiene razón. A la figura de la prostituta en este país se le considera nada, poca cosa, y las autoridades tienden a estigmatizarla como provocadora de un crimen. ¿Por qué decidiste incluir o dejar en edición esa observación que es muy puntual?</strong></p>
<p><em>Las autoridades a eso apelan. Cuando estigmatizan o criminalizan a una víctima, lo primero que quieren quitarles es el apoyo social a la causa. Construyen la narrativa de que son malas, o que en algo malo andaban, y son personas moralmente reprobables que merecen morir. Desgraciadamente un sector de la sociedad cae en esa trampa, se compra la idea de lo negativo antes de cuestionar otras cosas. Somos una sociedad conservadora y, por ende, todo aquello que no encaja con lo moralmente aceptado es descalificado de inmediato.</em></p>
<p><em>También existe la falsa idea o creencia de que al no pertenecer a un rubro estigmatizado por las autoridades nada nos va a pasar. Y no hay nada más falso que eso. Puedes ser una persona que moralmente cumpla con el perfil y se comporte como un ejemplo, pero de igual manera eres propensa a que el día menos pensado alguien acabe tu vida porque sí, ya sea por un asalto, un ataque de furia o una bala perdida.</em></p>
<p><em>Este tema del trabajo sexual se tocaba con pinzas, casi no se comentaba. Fue tratado con mucho recelo porque era muy delicado. No se nombraba explícitamente incluso por las propias autoridades que construyeron los estigmas. Sin embargo, la mamá de Yesenia dio un fuerte golpe y pidió dignidad hacia su hija al comentar que aunque fuera cierto que se prostituyera, no merecía ser asesinada. Consideramos pertinente respetar su voz, su sentimiento, porque no se nos olvide que también hablamos de un feminicidio. No podíamos ni debíamos dejar de matizar eso en un país donde día tras día se asesinan mujeres.</em></p>
<p><strong>Alberto, finalmente te quiero preguntar sobre el tiempo. Los hechos ocurrieron en 2015 y este documental llega en 2022. ¿Qué cambios sientes en la sociedad en estos siete años respecto a su interés o empatía con este caso y con la búsqueda de justicia en general?</strong></p>
<p><em>Ha habido cambios políticos, pero la sociedad sigue siendo la misma. Tenemos los mismos problemas, los mismos prejuicios, las mismas autoridades y las mismas instituciones que son cómplices de los victimarios. Lo ocurrido en el caso Narvarte pudo haber pasado ayer mismo, no ha cambiado nada. Es imposible dejar de pensar en que algo así vuelva a suceder.</em></p>
<p><em>La estructura social de sociedad-autoridades-crímenes continúa estando igual. Seguimos viviendo situaciones de vulnerabilidad por ser mujeres, por ser jóvenes, por ser homosexuales, por ser estudiantes, por ser periodistas, activistas, trabajadores sexuales, gente humilde. Cualquier característica que tengamos es sinónimo de vulnerabilidad para ser asesinados en este país. Triste pero cierto: no hemos avanzado nada.</em></p>
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