<p>Sintiéndose identificada plenamente con la música vernácula tradicional y el regional mexicano, Sofía Garza se considera agradecida por poder explorarse en su faceta de cantante al mismo tiempo que lo hace como actriz. Para muestra está <em>El rey, </em>serie biográfica de Netflix que aborda la vida de Vicente Fernández y en la cual ella da vida a <strong>Lorena Cruz, personaje que en la realidad se asocia a Lucha Villa.</strong></p>
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<p><strong>Es precisamente Lucha Villa una mujer que le atrajo a Sofía para querer trasladarla al cine con una película que viene en camino. </strong>La figura musical y cinematográfica de ‘la Ronca de Chihuahua’ quiso ser rescatada por Garza en la actualidad, especialmente porque con el resurgimiento de la música ranchera considera necesario ubicar a la generación actual con la imagen de una artista fundamental para la cultura mexicana.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/01/28/noticia_0009.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p><em><strong>“Lucha Villa es un personaje al que he analizado, estudiado, observado y admirado durante muchos años.</strong> En la serie de El rey se aborda como una artista que ayuda a Vicente Fernández para sobresalir, pero me parece que es una mujer que por sí misma merece su propia historia. Por eso preparamos una biopic para hablar de esta señorona que fue la máxima exponente de la música mexicana en su momento y que el público perdió de vista por el desafortunado accidente que sufrió”, </em>comenta Sofía a Spoiler.</p>
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<p>En 1997, como consecuencia de una cirugía estética, Lucha Villa sufrió un daño cerebral irreversible que la obligó a retirarse de los escenarios. <strong>Uno de sus últimos trabajos fue la saga de <em>El fiscal de hierro.</em></strong> Se trata de cuatro películas que protagonizó junto a Mario Almada y en las cuales representó a una poderosa matriarca de narcotraficantes que se distinguía por ser vengativa y hablar con lenguaje altisonante. Previamente participó en filmes emblemáticos de la cinematografía nacional como <em>El lugar sin límites</em> (1978) y <em>Lagunilla, mi barrio</em> (1981).</p>
<p><em>“Desde hace siete años mantenemos acercamiento con su familia para hacer este largometraje. Creo que es el momento idóneo para traer su nombre a la generación actual y así conozcan a una mujer que nos abrió camino a muchas para incursionar tanto en la música como en el cine con gran nivel. <strong>También me interesa descubrirla como ser humano, sus motivaciones y dolores”,</strong></em><strong> </strong>enfatiza.</p>
<p><strong>Sofía subraya que es importante no quedarse con el accidente en la memoria colectiva, </strong>sino con sus aportes artísticos. Por ello, según sus palabras, una película es buen vehículo para rescatar el valor de Lucha Villa en su periodo de esplendor.</p>


Se viene una película sobre Lucha Villa con Sofía Garza

Se viene una película sobre Lucha Villa con Sofía Garza - Spoiler

<p>Clavadistas de alto rendimiento sueñan con subir al podio olímpico y escuchar el himno nacional tras colgarse la medalla de oro. Pero esa ilusión se ve rota o en riesgo cuando aparece en el camino <strong>un depredador que aprovecha su imagen de poder para cometer abusos contra esas atletas.</strong></p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/10/29/noticia_0005.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>La actriz Fernanda Borches interpreta a Irene, madre de una de las víctimas de abuso por parte de un entrenador. Ella integra el universo de personas que quedan en medio entre víctima y victimario, <strong>es decir, la gente que decide creerle o no a las mujeres violentadas,</strong> ayudarles o abandonarlas en un proceso que comienza desde la aceptación de que fueron agredidas sexualmente.</p>
<p>En <strong>Spoiler</strong> platicamos con ella acerca de esa complejidad, además de tocar el tema de la maternidad en casos de abuso. De igual manera, Fernanda comparte qué reflexiones le ha dejado <em>La caída</em> como espectadora y como mujer con <strong>una historia basada en hechos reales que pone el dedo en la llaga de varias heridas nacionales.</strong></p>
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<h2 style="text-align: center">Entrevista con Fernanda Borches, actriz de <em>La caída</em></h2>
<p><strong>En un punto tenemos a las víctimas. En el otro al victimario. Alrededor y dentro de esos extremos hay personas que juegan un papel importante con las víctimas. ¿Qué tan complejo es creer o desestimar la denuncia de abuso desde el hogar?</strong></p>
<p><em>En esta película se muestran dos maternidades distintas. Una de ellas es mi personaje de Irene, una madre que intuye que algo malo le está pasando a su hija y decide actuar creyéndole por completo que es víctima de abuso. No lo pone en duda, lo entiende, pelea por eso y la protege.</em></p>
<p><em>Por otro lado vemos a una madre que ignora cualquier situación que lleve a considerar que su hija haya sido abusada. Es una mujer que prioriza la carrera deportiva de su hija. Entonces vemos a una mamá que procura la salud de su hija y a otra que procura el porvenir de la chica por encima de su integridad.</em></p>
<p><em>Creerle o no a las víctimas es un discurso que… Hay algo en esta sociedad que poco a poco se fragmenta y se reconstruye. Me refiero a que siempre las víctimas fueron puestas en duda. Creo que el proceso natural es que cada vez más las víctimas se sientan apoyadas y libres de poder alzar la voz. Obviamente eso implica una gran responsabilidad, pero sí hay que creerle a una víctima. Durante mucho tiempo la sociedad estuvo creyéndole al victimario o depredador. Eso debe de cambiar. También es momento de dejar de culpar a las víctimas por la violencia que recibieron.</em></p>
<p><strong>Fernanda, hemos crecido en una sociedad con generaciones de familias que ponen en duda la denuncia de sus seres queridos víctimas de abuso. Por el contrario, se ha culpado a la víctima e incluso se ha normalizado responsabilizar a la víctima por el abuso sufrido. ¿Cómo fue para ti construir una maternidad que elige creer y apoyar?</strong></p>
<p><em>Con esta tradición matriarcal y patriarcal en la que estamos sumergidos, la película puede contribuir en abrirle los ojos a maternidades y paternidades la posibilidad de construir un diálogo entre padres e hijos para que los hijos tengan la confianza de decirle a sus papás o mamás los que les está pasando y su voz no sea puesta en duda.</em></p>
<p><em>El apoyo de la familia y de sus núcleos íntimos son fundamentales para denunciar un caso de abuso. Es absolutamente necesario. Algo que aprendí con esta película es lo que tiene que ver con el proceso interno de la víctima, entiéndase el viaje de Mariel que parte de la negación con un “esto no me pasó a mí”, pasando por la catarsis de la aceptación, hasta llegar a encontrar su propia voz para denunciar un hecho así.</em></p>
<p><em>Cuando uno se espejea con alguien dándose cuenta de que lo que le está pasando no está bien, tiene que ser dicho o denunciado para que no siga ocurriendo. En ese sentido, </em>La caída <em>lo acentúa muy bien a través del camino de Mariel, así como de los personajes involucrados, como en este caso el de la madre que represento. Para iniciar a construir mi papel, lo primero que hice fue generar empatía con las víctimas.</em></p>
<p><strong>En el marco de una víctima de abuso cuya madre ha decidido creer en ella, la propia mamá también sufre. ¿Cómo se trabaja ese recorrido interno?</strong></p>
<p><em>Durante el proceso de la construcción del personaje, luego de leer el guion en repetidas ocasiones, me di cuenta que en Irene convivían dos fuerzas muy poderosas: el instinto por proteger a su hija y la angustia de no arruinarle su carrera deportiva. Se trata de dos fuerzas que demandan un balance constante. Esa confrontación se ve en las escenas y en el personaje.</em></p>
<p><em>Fue un trabajo muy sutil para contar la historia de Irene desde un lugar donde ella no juzga. Vaya, ni siquiera juzga al personaje que defiende al entrenador abusador. Comprende y siente que algo no está bien para que exista esa defensa. Sin duda fue un trabajo de mucha sutileza tomando en cuenta los matices que tiene mi personaje. Ahí le debo demasiado a Lucía Puenzo porque fue una directora que me supo guiar para no salirme del tono confrontativo que Irene tenía en su interior. Es complejo estar en una situación así.</em></p>
<p><strong>La película está confeccionada por un equipo de mujeres que alza la voz para denunciar, en este caso mediante la vía cinematográfica. Productoras, guionistas, actrices y un respaldo en el trabajo periodístico de Beatriz Pereyra.</strong></p>
<p><em>Me siento orgullosa de ser parte de esta historia. Cuando vi la película como espectadora quedé en shock de lo bien hecha que está. Noté que es una historia muy comprometida con un tema tan álgido y tan duro. En gran medida eso pudo ser posible debido a que está contada desde el punto de vista de la mujer. El brazo fuerte de la película para ser narrada de forma tan puntual es femenino; guion y dirección son mujeres.</em></p>
<p><em>Hubiera sido una película diferente en caso de haber sido escrita y dirigida por un hombre. Ojo, un hombre también puede hacerlo y sus intenciones pueden ser las mejores, pero posiblemente el resultado quede incompleto por una cuestión: la exposición y el riesgo que tenemos las mujeres de ser abusadas. Tiene que ver también con el tema de la sensibilidad y la profundidad que podemos darle a facetas como la maternidad.</em></p>
<p><strong>¿Qué sensación o qué nueva lectura le diste a La caída después de haberla visto como espectadora?</strong></p>
<p><em>Como actriz sucede que entras a un proyecto visualizándolo de una forma y cuando ves el resultado termina siendo algo completamente distinto a lo que imaginaste. En este caso en particular, el guion era poderosísimo desde que llegó a mis manos, pero verlo materializado en pantalla me pareció extremadamente bueno como la película que es. Sin embargo, asimilarlo como espectadora, te deja un nudo en la garganta por el tema tan difícil que retrata.</em></p>
<p><em>Verla tan bien hecha y compartiendo un mensaje que no pierde de vista la idea de que es una película, lo agradezco. Más allá de que el cine es una herramienta para denunciar, no nos olvidemos que la gente entra a la sala para olvidarse de su vida por un ratito y sumergirse en lo que le cuenta la ficción. Eso a mí me pasó. Salí de verla con la comprensión de que había reflexionado cosas nuevas sobre el abuso. Por ejemplo, el proceso marginal y solitario que vive una víctima es un dolor que yo no había contemplado o imaginado. Con la protección que genera la ficción pude vivirlo, sentirlo, y me puso a concientizar sobre la transición dolorosa de ser anulado como ser humano porque nadie te cree, o porque te cuestionan todo para ponerte en duda. Fue una lectura que me llevé a casa y sigo procesándola.</em></p>
<p><strong>Tu participación en esta película te pone en el mapa de cierto público y a la vez ayuda a vencer prejuicios. ¿Como cuáles? Por ejemplo, la discusión de que una actriz de televisión no puede hacer cine.</strong></p>
<p><em>Las plataformas de streaming trajeron algo buenísimo: la posibilidad de saltar de distintos ámbitos. A mi entender, ya no hay esa separación evidente que había sobre ser actor de teatro, actor de cine y actor de televisión. Afortunadamente esa división desaparece o se diluye. A final de cuentas una es actriz donde se pare, ya sea frente a un público o frente a una cámara. Esta apertura me está resultando divertida pero también de mucho compromiso porque te vuelves más versátil. Pasar de hacer una obra a hacer una película con historias distintas demanda una versatilidad que en lo personal me agrada, me exige más a mí misma para no verme igual entre un proyecto y otro.</em></p>
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“Hay que creerle a las víctimas”: Fernanda Borches, actriz de ‘La caída’

“Hay que creerle a las víctimas”: Fernanda Borches, actriz de ‘La caída’ - Spoiler

<p>Avenida Insurgentes, Calzada de Tlalpan, el Centro Histórico. Microbuses, metrobús, el Metro. Son lugares y medios de transporte de Ciudad de México, una urbe que nunca descansa, vive de forma acelerada y a cualquier hora del día, en donde sea,<strong> el acoso callejero hacia la mujer ocurre de forma indiscriminada. </strong>Más de lo que pensamos.</p>
<p>Acosar a las mujeres sin importar sus edades parece estar en el ADN de los hombres capitalinos. <strong>Durante décadas se ha normalizado violentar a niñas, adolescentes, jóvenes y adultas en la vía pública o el transporte público. </strong>Esas agresiones, derivadas de una educación machista que actúa con impunidad, son el centro de atención del documental<em> <a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Conoce-a-los-ganadores-del-Festival-Internacional-de-Cine-de-Morelia-FICM-2022-20221031-0015.html" target="_blank" rel="noopener">Ahora que estamos juntas, </a></em><a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Conoce-a-los-ganadores-del-Festival-Internacional-de-Cine-de-Morelia-FICM-2022-20221031-0015.html" target="_blank" rel="noopener">de Patricia Balderas Castro.</a></p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/10/25/noticia_0006.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>De ese tema se desprenden varios más que obligan a reflexionar sobre el papel violento que ha ejercido el hombre sintiéndose dueño de cuerpos y voluntades femeninas sin distinguir incluso si se trata de una menor. Por el contrario, y he ahí un punto clave de la película,<strong> el acoso y abuso se normaliza a partir de la infancia.</strong></p>
<p>Junto a otras mujeres, a través de sus testimonios y sus acciones, Patricia Balderas Castro nos introduce al despertar de una generación actual que ha reconocido el acoso como un delito que no es normal y lo confronta de distintas maneras,<strong> principalmente con la sororidad y una participación activa para contrarrestar esa violencia.</strong></p>
<p>Conversamos con ella para ampliar la conversación acerca de un tema que compete a hombres y mujeres prestarle atención con <strong>el objetivo de formularnos cuestionamientos y así propiciar diálogo que nos lleve a plantear soluciones.</strong></p>
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<div class="ck-twitter" id="twitter-68">
<blockquote class="twitter-tweet">
<p dir="ltr" lang="es">El documental <a href="https://twitter.com/hashtag/AhoraQueEstamosJuntas?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#AhoraQueEstamosJuntas</a> (<a href="https://twitter.com/AQEJ_Documental?ref_src=twsrc%5Etfw">@AQEJ_Documental</a>) se lleva el premio al Mejor Largometraje Documental realizado por una mujer en el <a href="https://twitter.com/FICM?ref_src=twsrc%5Etfw">@FICM</a>. <a href="https://twitter.com/hashtag/FICM2022?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#FICM2022</a> <a href="https://t.co/Oj8qm9iyZA">pic.twitter.com/Oj8qm9iyZA</a></p>
<p> — Spoiler (@Spoiler_Bolavip)    <a href="https://twitter.com/Spoiler_Bolavip/status/1586202369486094336?ref_src=twsrc%5Etfw">October 29, 2022</a>   </p></blockquote>
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<h2 style="text-align: center">Entrevista con Patricia Balderas Castro, directora de <em>Ahora que estamos juntas</em></h2>
<p><strong>El documental traza y desmenuza la normalización del acoso callejero desde que las mujeres son niñas. ¿Cómo fue para ti descubrir testimonios que coinciden en referir que sufrieron esa violencia desde la etapa infantil?</strong></p>
<p><em>Creo que una de las partes más tristes que se reflejan en el documental tiene que ver con el hecho de que las violencias se generan desde las infancias. No es solamente el acoso callejero, sino también el abuso sexual contra menores de edad y las consecuentes manifestaciones.</em></p>
<p><em>Es un tema duro. En </em>Ahora que estamos juntas<em> se ven niñas que contrastan esa realidad y puede llegar a ser incómodo para quien lo ve. Pero eso precisamente busca el documental. Se trata de poner sobre la mesa una violencia normalizada que ocurre a cualquier hora del día, frente a los ojos de muchísimas personas y que incluso puede suceder en un parque. Podemos comprarnos la idea de que las infancias están felices y protegidas, pero realmente no lo están.</em></p>
<p><em>Buscamos incidir en la manera que nos organizamos, sobre todo en la cuestión de la autodefensa, porque nos dimos cuenta que se requiere una reeducación social. Mientras eso sucede, no podemos poner nuestra vida en riesgo. Por eso es momento de comenzar a dejar de vernos como víctimas y empezar a construirnos como mujeres capaces de defendernos, de no dejarnos de nadie. Para ello hay que validar herramientas, compartirlas y cambiar la realidad de futuras generaciones. Tenemos que darle a las niñas herramientas para que aprendan y reconozcan que las violencias normalizadas no están bien, que nadie tiene derecho a violentarlas.</em></p>
<p><strong>Entre esos testimonios, el tuyo. Quisiste compartirlo.</strong></p>
<p><em>Tal como lo comparto en el documental, me tardé 25 años en darme cuenta de que fui víctima de esa violencia y otras. Desperté a través del enojo. Me dio coraje asimilarlo. Me cuestioné si era tonta como para no haberlo notado. Y no, no es que sea tonta, es que crecí con la idea de que eso era normal. La normalización que existe hacia estas agresiones y crímenes es de tal magnitud que tú como víctima te consideras culpable.</em></p>
<p><em>Pareciera que el acoso sexual callejero y el abuso sexual callejero no tienen ningún impacto después. ¡Por supuesto que lo tiene! Limita el espacio público, por ejemplo. Condiciona otros derechos como el acceso a la educación, al goce, a la recreación, al trabajo. Se ve afectada tu sexualidad porque después no sabes cómo relacionarte con otras personas. Psicológicamente te vulnera y repercute en tu manera de interactuar con los entornos en que te desenvuelves.</em></p>
<p><strong>Uno de los temas que se desprenden de esos testimonios es la culpa hacia la madre por no defender a sus hijas. Hablamos de familias en las cuales no existe el padre, que es otra herida que se asoma en el documental: somos una nación de madres solas, de ausencias paternas.</strong></p>
<p><em>Es increíble cómo este sistema opresor y patriarcal ha conseguido que entre nosotras las mujeres nos culpemos unas a otras sobre las violencias que se han ejercido en nuestra contra. Nos hemos convertido en personas muy duras con nosotras mismas por no saber defendernos, o por no poder actuar como quisiéramos. Es muy difícil romper eso. Es vergonzoso notar cómo solemos revictimizarnos en estos procesos. Se nos olvida que hay un agresor que es responsable. Se nos olvida que hay un Estado que no es responsable en brindar y poner en práctica las acciones necesarias para combatir y contrarrestar estas violencias. Por el contrario, creo que no tiene ningún interés en hacerlo.</em></p>
<p><em>¿Dónde están los hombres? Ya no digamos los padres, sino los hombres en general. ¿Se cuestionan acerca de estas violencias? ¿Cómo han sido educados para cuestionárselo o no? Con el documental mantuve retroalimentación con muchos hombres para saber qué reacción tenían. Varios se dieron cuenta que han sido acosadores en algún momento de su vida y lo reconocieron. Crecieron con el aprendizaje de que eso era normal, ya fuera porque lo hicieran en grupo o siendo adolescentes, es decir, actuaban en función de lo que aprendieron en un hogar, una escuela y una sociedad. Así les enseñaron que debía ser el trato hacia la mujer.</em></p>
<p><em>Urge transformar el comportamiento. Este documental, como otros más, tienen también la intención de que nos hagamos preguntas individuales, preguntas colectivas y entablar el diálogo. Es importante hacerlo porque vivimos en un país regido por una educación machista. Es evidente la diferenciación que existe entre la forma de educar a un hombre y la forma de educar a una mujer. Tenemos que cuestionarnos eso. No se trata de hacer una guerra, sino construir un diálogo para asumir realidades con el propósito de ayudar a las futuras generaciones.</em></p>
<p><strong>Patricia, desde el inicio hasta el final de <em>Ahora que estamos juntas,</em> te entregaste a descubrir, a dejarte sorprender constantemente por todas las mujeres que aparecen en pantalla. ¿Qué aprendiste a lo largo de este proceso? Y eso implica la exhibición del documental en un festival como el de Morelia.</strong></p>
<p><em>Uf, me cambió la vida por completo. Desde la parte del proceso creativo comprendí que no podía hacer cine sola. Es un proyecto independiente que se construyó con la voluntad de muchísimas mujeres que apoyaron sabiendo que no había recursos para retribuir su esfuerzo.</em></p>
<p><em>Aprendí que es importante generar vínculos con otras mujeres. Si bien en pantalla se ven bastantes, hubo muchas más en el camino de hacer la película. Y esos vínculos se establecen desde brindar tiempo sincero para escuchar sus historias. En algunos casos hubo que hacer acompañamiento. Ese acompañamiento fue posible gracias al respaldo de otras mujeres. Como consecuencia, en un efecto natural, surgió la retroalimentación para compartir experiencias, convivir, disentir y hallar unión.</em></p>
<p><em>Respecto al tema que abordo, he de decir que al principio había una distancia entre mi faceta de investigadora y el tema en sí. Comencé investigando, informándome. Recolecté datos, pero no pasaban de ser eso. En cuanto empecé a involucrarme en los testimonios, vidas y emociones de las mujeres que me permitieron explorar el acoso, me di cuenta que la historia me pedía enfocarme en ellas.</em></p>
<p><strong>Habrá quien crea que es un documental de mujeres para mujeres. Me parece que es una película pensada también para los hombres. ¿Es así?</strong></p>
<p><em>Sí, claro. Los hombres no pueden ni deben estar exentos o al margen. Tienen que incomodarse, reflexionar, pensar, dialogar y proponer. Hay una apuesta para que las próximas generaciones tengan una realidad muy distinta a la que nosotras tenemos. En eso tiene que ver la actuación del hombre, mayor aún si tomamos en cuenta que hay padres que no quieren eso para sus hijas. Los hombres tienen ante sí una oportunidad para romper con una educación machista y de violencias normalizadas. Un primer paso es asomarse y reconocer qué tipo de violencia ejerce, erradicarla y transformar su conducta. Eso es posible.</em></p>
<p><strong>¿Podemos asumir que<em> Ahora que estamos juntas </em>es además un ofrecimiento de disculpas a las mujeres de generaciones anteriores que no supieron cómo defender a las que vinieron después?</strong></p>
<p><em>Definitivamente sí, es una petición de perdón. Es pedir perdón a esas generaciones de mujeres que con lo que pudieron y tuvieron al alcance intentaron defendernos. De alguna u otra manera nos abrieron el camino para hacernos reaccionar y ver cómo fueron víctimas de una normalización más terrible de la que actualmente padecemos. Las herramientas que hoy tenemos, pocas o muchas, son por ellas.</em></p>
<p><em>Tenemos que valorar con empatía, si no es que hasta con amor, a esas mujeres que no tuvieron acceso a las posibilidades que en la actualidad poseemos para no dejarnos. Me parece que hemos sido duras en juzgarlas sin comprender los contextos tan hostiles que enfrentaron.</em></p>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/reel/CkM9xAguEHn/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Spoiler (@spoiler.bolavip)</a></p>
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"Se nos olvida que hay un agresor que es responsable": Patricia Balderas Castro, directora de 'Ahora que estamos juntas'

"Se nos olvida que hay un agresor que es responsable": Patricia Balderas Castro, directora de 'Ahora que estamos juntas' - Spoiler

<p>Creatividad, ganas de contar historias y aprovechamiento de los recursos al alcance para producir contenidos fueron cualidades que pudieron observarse a través de los trabajos exhibidos en SmartFilms México 2022. Quedó claro que los teléfonos celulares van más allá de ser una herramienta para mantenerse comunicados e informados. <strong>Son también materia mágica para hacer cine.</strong></p>
<p>El aparato móvil fue fuente de motivación para jóvenes y no tan jóvenes creadores que quisieron participar en este festival que les brinda la oportunidad de realizar películas de breve duración, o bien para poner en práctica ideas y ejercicios cinematográficos con <strong>proyección en áreas como dirección, guionismo, producción y edición.</strong></p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/11/04/noticia_0010.html" data-type="news"></span>  <p></p>
<div id="relatedNews-6">     </div>
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<p>Las instalaciones de Cinemanía, en Plaza Loreto (CDMX), fueron la conexión para ver y descubrir las diversas propuestas de competidores participantes. Ya sea con un teléfono iPhone o Android, los proyectos concursantes fueron hechos en su totalidad con celular. Talento hay, todo es cuestión de conocerlo. <strong>SmartFilms brinda esa posibilidad mediante el cine elaborado con móviles.</strong></p>
<p>De igual forma <strong>es una ventana para que expresiones artísticas como la música y la dirección de arte </strong>puedan ubicarse en el conocimiento de la gente. Algo similar ocurre con mentes creativas que quizá no quieran entrar de lleno a las artes cinematográficas pero sí al ámbito publicitario con el desarrollo de campañas, spots o videoclips.</p>
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<div class="ck-twitter" id="twitter-73">
<blockquote class="twitter-tweet">
<p dir="ltr" lang="es">“No se necesita de un crew grande y muchas cámaras para hacer cosas”: Sam Nicholson, CEO y fundador de <a href="https://twitter.com/StargateStudios?ref_src=twsrc%5Etfw">@StargateStudios</a>.</p>
<p> Es uno de los invitados de gala del Festival Smartfilms México 2022, el festival de cine hecho con celular (<a href="https://twitter.com/smartfilmsmx?ref_src=twsrc%5Etfw">@smartfilmsmx</a>). <a href="https://t.co/IoY81oyS72">pic.twitter.com/IoY81oyS72</a></p>
<p> — Spoiler (@Spoiler_Bolavip)     <a href="https://twitter.com/Spoiler_Bolavip/status/1588628187981893634?ref_src=twsrc%5Etfw">November 4, 2022</a>    </p></blockquote>
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<h2 style="text-align: center">Todos los ganadores de SmartFilms México 2022</h2>
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<p><strong>Profesional Motorola</strong></p>
<p>ROOMIES</p>
<p><strong>Spot publicitario Suzuki</strong></p>
<p>BOOSTER GREEN ME GUSTA</p>
<p><strong>Reportaje con celular N+</strong></p>
<p>CON EL CORAZÓN ENDIOSADO</p>
<p><strong>Filminuto vertical telekwai</strong></p>
<p>ENSAYO FINAL</p>
<p><strong>Aficionado</strong></p>
<p>UN VIAJE ANTES DEL FIN DEL MUNDO</p>
<p><strong>Mejor dirección</strong></p>
<p>MIGUEL</p>
<p>Marcelo Axel Gutiérrez Moreno</p>
<p><strong>Mejor actuación</strong></p>
<p>NUESTRA TIERRA</p>
<p>Mar Esteves</p>
<p><strong>Mejor banda sonora</strong></p>
<p>SOLO EL SILENCIO</p>
<p>Ares Rasec González Castillo</p>
<p><strong>Mejor dirección de arte</strong></p>
<p>DESTINO LIMINAL</p>
<p>Samuel Eduardo Rafael Calzada</p>
<p><strong>Mejor guion</strong></p>
<p>14 DÍAS</p>
<p>Raúl Bribiesca</p>
<p><strong>Mejor fotografía</strong></p>
<p>MIGUEL</p>
<p>Marcelo Axel Gutiérrez Moreno</p>
<p><strong>Mejor edición</strong></p>
<p>NUESTRA TIERRA</p>
<p>Ata</p>
<p><strong>Mejor póster</strong></p>
<p>LÁZARO</p>
<p><strong>Mejor documental</strong></p>
<p>TEKKIL BAJIOPO</p>
<p><strong>Mayor votación del público</strong></p>
<p>LISTÓN ROJO</p>
<p><strong>Mejor campaña publicitaria</strong></p>
<p>NO ESTOY LISTA</p>
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<div class="ck-twitter" id="twitter-31">
<blockquote class="twitter-tweet">
<p dir="ltr" lang="es">“Llevaremos a producción profesional al spot ganador”.</p>
<p> Erick González, gerente de Mercadotecnia de Suzuki, platicó con nosotros sobre cómo y el porqué la marca quiso ser sponsor de <a href="https://twitter.com/smartfilmsmx?ref_src=twsrc%5Etfw">@smartfilmsmx</a> y el cine hecho con celular. <a href="https://twitter.com/hashtag/SmartFilmsMX?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#SmartFilmsMX</a> <a href="https://t.co/D71GTfkhhW">pic.twitter.com/D71GTfkhhW</a></p>
<p> — Spoiler (@Spoiler_Bolavip)    <a href="https://twitter.com/Spoiler_Bolavip/status/1588664246564716544?ref_src=twsrc%5Etfw">November 4, 2022</a>   </p></blockquote>
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<h2 style="text-align: center"></h2><p></p>


Estos son los ganadores de SmartFilms 2022: Lo mejor del cine hecho con celular

Estos son los ganadores de SmartFilms 2022: Lo mejor del cine hecho con celular - Spoiler

<p>Bárbara es una migrante latina en España. Se desempeña como trabajadora del hogar. <strong>En sus ratos libres juega futbol en un equipo conformado por otras mujeres migrantes. También disfruta de bailar bachata ocasionalmente. </strong>Sostiene una relación amorosa con Maribel, una española con quien ha sabido hacer buena mancuerna. A la distancia, Bárbara se mantiene en constante comunicación con su familia y destina casi toda la totalidad de su salario a la manutención de sus hijos, dos chicos de los que debió separarse para poder ofrecerles una vida digna. Todo cambia cuando su hijo mayor debe irse a vivir con ella por andar en malos pasos.</p>
<p>Este personaje femenino es interpretado por la actriz mexicana Anabel Castañón. <strong>Desde hace 14 años radica fuera de México y <em>Santa Bárbara</em> representa una forma de reencontrarse con el cine mexicano a través de esta coproducción dirigida por Anaïs Pareto Onghena. </strong>La realizadora confió en ella para protagonizar esta historia que aborda temáticas que hasta la fecha son controversiales porque hay sectores conservadores que se oponen a la evolución de las mismas, tal como el concepto de familia.</p>
<p>Durante <a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Maria-fue-un-acto-revolucionario-para-mi-Teresa-Sanchez-Mejor-Actriz-en-el-FICM-2022-20221105-0008.html" target="_blank" rel="noopener">el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM)</a> pudimos entrevistar a Anabel Castañón para saber un poco más sobre su personaje y su reencuentro con el cine mediante <strong>un título que formó parte de la Selección Oficial del FICM.</strong></p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/10/24/noticia_0005.html" data-type="news"></span>  <p></p>
<div id="relatedNews-36">     </div>
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<h2 style="text-align: center">Entrevista con Anabel Castañón, protagonista de la película Santa Bárbara</h2>
<p><strong>Anabel, tu personaje de Bárbara es complejo, entre otras cosas, porque carga encima roles o temas que ponen a prueba nuestros prejuicios y juicios: maternidad, migración, amor por alguien del mismo sexo. Es, además, una mujer que se contiene mucho ante situaciones que son para explotar. ¿Cómo confeccionaste a Bárbara?</strong></p>
<p><em>La construcción del personaje se debió en gran medida a sus pensamientos, al mundo interno de Bárbara. Es una mujer tan llena de contradicciones que en eso me amparé para darle vida al universo complejo que enfrenta. En un principio, cuando me veía a cuadro, me shockeaba porque sentí que se me transformó la cara. Mi ceño hasta se notaba partido de la tensión que Bárbara acumulaba en su interior. Entonces comprendí que la cámara transmitía desde mi rostro, por lo que me enfoqué en continuar con la interiorización que demandaban las circunstancias y confrontaciones emocionales de Bárbara para que mi cara indicara su sentir. Era más la expresión facial que las acciones o los diálogos.</em></p>
<p><strong>Contrario a otras películas que sí lo hacen, <em>Santa Bárbara </em>se aleja del tono chantajista para abordar la migración. Por otra parte, los latinos hasta nos sentimos culpables al dejar la nación que nos vio nacer. ¿Cómo fue trabajar este tema para ti que, de alguna u otra manera, eres migrante?</strong></p>
<p><em>Justo a partir de mi propia experiencia.Yo soy migrante. Llevo 14 años fuera de México. En mi caso no lo hice por razones económicas, sino sentimentales. Pero influyó más el hecho de que soy hija, hermana, tía, sobrina y prima de migrantes. A través de ellas es como he podido ver esas historias de migración que implican penurias. Sin embargo, también está el otro lado: el de pasarla bien.</em></p>
<p><em>Sobre la culpa, es verdad. Muchas veces nos sentimos culpables por disfrutar cosas de la vida lejos de nuestro país con otro tipo de personas. Si bien es cierto que existe y no se puede negar la cara dolorosa de la migración, está esa otra cara de bienestar que muchos migrantes hemos encontrado fuera de nuestro país. En lo personal, tal como le ocurre a Bárbara, algo que me pasó es que pude ser otra mujer, es decir, hacer aquellas actividades o tomar ciertas decisiones que en mi lugar de origen no podrían ser posibles. La película, el guion en sí, le permite esa identidad a Bárbara como una mujer libre y capaz de ir a bailar sin que nadie la juzgue, por ejemplo.</em></p>
<p><strong>Podemos decir que Bárbara enfrenta dos maternidades con un mismo hijo. Primero cuando da a luz y lo tiene entre sus brazos, pero luego debe dejarlo para buscar el sustento en otro país y así mantenerlo. Después viene el reencuentro con ese hijo siendo un adolescente y es prácticamente un extraño porque han dejado de verse durante muchos años. ¿Cómo fue el choque materno para tu personaje?</strong></p>
<p><em>Fue muy duro. Para ella la maternidad había consistido en proveer de todo lo material y lo necesario para sus hijos. Cabe resaltar que Bárbara es una mujer austera, no gasta dinero en su persona porque todo se lo envía a sus hijos. Cree que esa es la mejor manera de estar presente y de ser una madre a distancia. Sin embargo, no se dio la oportunidad de ejercer su maternidad físicamente presente.</em></p>
<p><em>Estoy convencida que de alguna manera ella ha sido Ulises. Lo digo porque posiblemente su madre, que quizá estuvo físicamente ahí, no ejerció como tal la maternidad. Lo planteo de esta forma porque vamos repitiendo patrones, ya sea por aceptación o por negación. Con un tono intuitivo visualicé que Bárbara no supo ser madre porque ella tampoco tuvo una figura materna presente en materia emocional y esas carencias las refleja en la relación con sus hijos. La huida de Bárbara de su país, motivada por circunstancias extremas económicas, también puede ser una fuga impulsada por el inconsciente debido a que no sabía cómo hacer las cosas, ni cómo ser madre.</em></p>
<p><em>También es difícil ser mamá de un hijo del que conoces poco. Una cosa es lo que te digan o cuenten por teléfono de él, pero otro panorama muy distinto es cuando lo tienes frente a ti y no sabes quién es. Conectar con un hijo al que dejaste de ver por muchos años y puede reprochar la ausencia es complejo, doloroso para los dos. La maternidad duele, más aún cuando se toman decisiones fuertes pensando precisamente en el bienestar de los hijos.</em></p>
<p><strong>En una actualidad que facilita la comunicación con videollamadas, audios por WhatsApp y mensajes rápidos vía celular, Bárbara opta por mantenerse cerca de los suyos con llamadas a larga distancia desde una cabina telefónica. ¿Es su instante de demostrar el amor materno?</strong></p>
<p><em>El vínculo está ahí. Bárbara extraña a sus hijos, a su familia, y el único momento de intimidad que puede tener con ellos es en esa cabina. La voz es importante cuando se está fuera o lejos de casa, es la forma de mantenernos lo más unidos posibles. La voz te remite a un hogar, a un momento de unión. Llamar por teléfono es un acto íntimo de su toque amoroso. Sabe que no es la madre que quisiera o puede ser, pero es una madre que ama a sus hijos y por eso busca lo mejor para ellos. Claro, lo hace a su manera, con lo que tiene al alcance. Es una mujer que probablemente se siente mal en su interior, sin embargo encuentra una especie de sanación en esas llamadas.</em></p>
<p><strong>¿Qué significa para ti estar en un festival como el FICM reconectando con crítica, público y compañeros mexicanos?</strong></p>
<p><em>¡Muchos nervios! Por supuesto que entra el miedito por cómo vayan a recibir la película y cómo valoren mi trabajo. También estoy feliz por volver a México con un proyecto como</em> Santa Bárbara, <em>que fue hecho con un espíritu de mostrar cómo las mujeres migrantes nos desenvolvemos fuera de nuestra nación. Esta ficción se acerca a la realidad de lo que sucede. Repito, no todo es tristeza ni sufrimiento.</em></p>
<p><em>De igual manera me intrigan las reacciones que genere respecto a temas que aborda, como la conformación de nuevas familias, o no tradicionales. El cine es una ventana para tocar estos asuntos que merecen ser dialogados. En ese sentido, el festival de Morelia es una extraordinaria vitrina para mostrar películas que tocan temáticas relevantes y trascendentales en la actualidad.</em></p>
<p><span></span></p>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/reel/CkPBdK0OvvJ/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Spoiler (@spoiler.bolavip)</a></p>
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“Muchas veces nos sentimos culpables por disfrutar lejos de nuestro país”: Anabel Castañón, protagonista de Santa Bárbara

“Muchas veces nos sentimos culpables por disfrutar lejos de nuestro país”: Anabel Castañón, protagonista de Santa Bárbara - Spoiler

<p>Ventanas. Cortinas. Puertas. Más ventanas. De primera impresión la fotografía de Adrián Durazo nos incita a preguntarnos qué hay afuera, qué sucede en esos entornos que sabemos violentos.<strong> En una segunda lectura nos orilla a cuestionarnos para qué estar en el exterior a sabiendas de lo que ocurre sin necesidad de que nos lo muestre gráficamente. </strong>La opción de ofrecer al espectador la vertiente de asumirse como testigo lleva a una reflexión que arroja dos deducciones de nuestra decadencia social: elegir el miedo para no intervenir y así evitar el riesgo de ser una víctima más, o simplemente mirar de lejos una situación que nos resulta indiferente porque no nos ha alcanzado de puertas hacia dentro, es decir, mientras no afecte mi núcleo íntimo es un simple suceso de la cotidianidad externa, padecimiento de otros.</p>
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<p>La directora Natalia López Gallardo se apoya lo suficiente en su cinefotógrafo. En Durazo encuentra un buen cómplice para explorar desde el uso de la cámara a la violencia que azota a México. ¿Cómo lo hace? <strong>Apuesta por la forma más que por el fondo, más por lo subjetivo que por lo explícito, más por la elusión que por la intromisión. </strong>Y es que del fenómeno violento que tiene atrapado al país conocemos de su existencia, pero no lo hemos experimentado igual que miles de sus víctimas. El contorno es también una manera de observar ese mal que en mayor o menor medida nos tiene a su merced, que es parte de nuestro día a día como nación, sin embargo distinto en sus afectaciones directas.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/10/28/noticia_0016.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>Isabel (Nailea Norvind) es una mujer de buena posición social que atraviesa un divorcio e intenta ayudar a María (Antonia Olivares) en la búsqueda de su hermana, quien ha sido reportada como desaparecida. Roberta (Aída Roa) es una policía local que investiga el caso y padece en el hogar <strong>un fuerte conflicto con su hijo porque éste se entusiasma con la idea de ser narco.</strong></p>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/reel/CkQvMBRtyPl/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Spoiler (@spoiler.bolavip)</a></p>
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<p>Son estas mujeres las encargadas de transitar en un microcosmos donde abundan preguntas e incertidumbres y pocas respuestas. Recorren también los caminos que la violencia ha impuesto: desapariciones, secuestro, muerte, impunidad, miedo. Las tres poseen rostros pétreos, inanimados. Parecen muertas en vida. <strong>A Isabel la consume la desidia; a María la angustia permanente; a Roberta la desesperanza.</strong></p>
<p><strong><em>“Es mejor hacerse de la vista gorda, ¿para qué te afectas?”, </em>le dice un compañero policía a Roberta para que acepte el peor panorama con su hijo. </strong>Se le olvida por completo que es una madre sufriente. Así, a través de pocas líneas pero contundentes, López Gallardo utiliza la palabra oral para subrayar el machismo y la indolencia que se asoman en un territorio acostumbrado al terror y que ha normalizado ver y tratar a la mujer como el ser más lacerado en estos contextos.</p>
<p>Hay una escena que sintetiza los penares y las tragedias. Ocurre en una especie de comisaría donde muchas personas denuncian y piden solución a los casos de familiares desaparecidos. Exigen justicia ante autoridades que parecen ser más una fachada que una figura de ley confiable. En el interior de ese espacio convergen los rostros de Isabel, María, Roberta, así como de otros individuos que son presas del desconsuelo, <strong>de la lenta agonía por la cruel resignación de asimilar que probablemente no retorne el ser querido desaparecido.</strong></p>
<p>En esa comisaría, en ese interior,<strong> la violencia nos muestra de golpe cómo puede introducirse a nuestras vidas a través de otros. </strong>Las ventanas y puertas de ese espacio no son para pensar en lo que ocurre afuera, sino en lo que remueve en nuestro interior como testigos o espectadores inactivos del horror ajeno que el día menos pensado nos elige como sus siguientes víctimas.</p>


Manto de gemas, puerta y ventana para asumirnos ante la violencia

Manto de gemas, puerta y ventana para asumirnos ante la violencia - Spoiler

<p>María es heredera de la tradición empresarial tequilera en Jalisco. El negocio se ve en riesgo por la intromisión de compañías extranjeras en la región que acaparan de manera injusta los recursos al alcance para sus intereses. <strong>Esto propicia que ella se vea en la necesidad de cuestionarse cómo hacer frente a esa amenaza y cómo sostener la empresa familiar.</strong></p>
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<div class="ck-twitter" id="twitter-33">
<blockquote class="twitter-tweet">
<p dir="ltr" lang="es">“Por un cine con amor, por favor”</p>
<p> Teresa Sánchez ganó a Mejor Actriz de Largometraje Mexicano de Ficción por <a href="https://twitter.com/hashtag/DosEstaciones?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#DosEstaciones</a>. Sus palabras fueron emotivas en la ceremonia de premiación del <a href="https://twitter.com/FICM?ref_src=twsrc%5Etfw">@FICM</a>. <a href="https://twitter.com/hashtag/FICM2022?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#FICM2022</a> <a href="https://t.co/ZETXHVABYK">pic.twitter.com/ZETXHVABYK</a></p>
<p> — Spoiler (@Spoiler_Bolavip)    <a href="https://twitter.com/Spoiler_Bolavip/status/1586212405440565248?ref_src=twsrc%5Etfw">October 29, 2022</a>   </p></blockquote>
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<p>Teresa Sánchez personifica a María. Darle vida a esta mujer de carácter recio, hosco y de pocas palabras le ha merecido ser galardonada en la categoría de Mejor Actriz en el Festival de Sundance y <a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Conoce-a-los-ganadores-del-Festival-Internacional-de-Cine-de-Morelia-FICM-2022-20221031-0015.html" target="_blank" rel="noopener">el Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM).</a> No es para menos. <strong>Su interpretación es brutal.</strong></p>
<p>Previo a recibir el premio en el FICM platicamos con ella. Lo hicimos justo después de un emotivo discurso que brindó en conferencia de prensa al grado de romper en llanto. Tere había tenido participación en películas como <em>La camarista </em>(de Lila Avilés, 2018) y <em>Fauna </em>(de Nicolás Pereda, 2020), sin embargo recibió con <em>Dos estaciones</em> la oportunidad de un protagónico que la ha colocado en el mapa visual de la crítica y público mexicanos. <strong>Es un proyecto que igualmente la ha llevado a pronunciarse para hacer más cine con amor en México, es decir, con trato respetuoso y digno entre todas las partes.</strong> </p>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/reel/CkN_sMUjtju/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Spoiler (@spoiler.bolavip)</a></p>
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<h2 style="text-align: center">Entrevista con Teresa Sánchez, ganadora del Ojo a Mejor Actriz en el Festival Internacional de Cine de Morelia 2022</h2>
<p><strong>Tere, entrevisté a Gerardo Guerra, fotógrafo de <em>Dos estaciones. </em>Comentó que es su primer largometraje como director de fotografía. Para él fue fundamental haberte tenido como actriz porque le ayudaste a sentirse seguro y a que la cámara encontrara con facilidad lo que necesitaba tu personaje de María.</strong></p>
<p><em>Imagínate la sensación tan grande de sentir repentinamente que el trabajo que has elegido hacer con la convicción de decir “aquí estoy y no me muevo” pueda generar esto. Para mí es una especie de premio que me está dando la vida a través del cine.</em></p>
<p><em>Me siento agradecida de haber trabajado en un proyecto así, tan profundo y tan significativo para quienes participamos en él. </em>Dos estaciones<em> es una película que se hizo con mucha alma detrás. Todas las personas teníamos un motivo interno que nos conectó para poderla hacer posible. En lo personal puedo decir que es un proyecto que me llenó muchísimo por todo el amor que le pusieron mis compañeros. A veces hay proyectos que te impactan por el gran presupuesto y producción que tienen, pero carecen de esa comunión amorosa que tenemos las personas, que a final de cuentas somos quienes hacemos realidad lo que se ve en pantalla. Eso incluye desde el técnico que carga a un cable hasta el director. Cuando todo encaja, la experiencia vale doble. Si la cámara me quiso es porque Gerardo quiere mucho a su cámara.</em></p>
<p><strong>Te vi en <em>Fauna,</em> de Nicolás Pereda. Te veo ahora en <em>Dos estaciones, </em>de Juan Pablo González. Son dos películas en que te has explorado a nivel actoral haciendo lucir a tus compañeros en cuadro, sobresaliendo tú y, sobre todo, procurando la historia. ¿Cómo eliges tus proyectos? ¿Es intuición?</strong></p>
<p><em>Siento que la intuición es algo que todos tenemos. Pero de repente pasa que nos perdemos. El ego, por ejemplo, provoca que nos extraviemos. El ego nos puede exterminar, generar miedo, o una ambición desmedida que no tiene cabida para este tipo de situaciones que van más allá. Con “situaciones” me refiero a la lectura de un guion, un casting, ensayos, acción.</em></p>
<p><em>He vivido varias experiencias a lo largo de mi vida que creo me han ido llevando a desarrollar algunos aspectos de mi persona, como generar un constructo que me permite olfatear por dónde va la cosa desde el primer mensaje que recibo o desde el primer acercamiento que hay para un proyecto. Hay cosas que las percibes de inmediato para decirle sí o no a una película, y te puedes equivocar incluso, pero ya no caes en tantas trampas o frustraciones que padeciste antes. Esa misma experiencia, que implica un plano emocional sensible, te orienta sobre el personaje que te ofrecen, o la historia que te plantean.</em></p>
<p><strong>Con <em>Dos estaciones</em> construyes a María, un personaje doblemente fuerte. Primero por la tradición que trae encima y en segunda por la adversidad que enfrenta para sacar adelante a la empresa. Para ti, que eres una mujer muy sensible, ¿cómo fue el proceso de abrazarte a esta mujer que tiene que ser dura porque no tiene de otra?</strong></p>
<p><em>Fue complejo ese choque para mí. Pero me dejé llevar y guiar por Juan Pablo (González). Es un hombre que creció entre los paisajes que muestra la película, proveniente de una familia de tradición tequilera. Lo que yo me pregunté fue cómo podía generar conexión con alguien como María. Entonces comencé un proceso de investigación y estudio sobre el lugar, sobre las personas que viven en estos entornos. Me acerqué a los trabajadores de empresas tequileras para aproximarme a su mundo, convertirme en su universo.</em></p>
<p><em>También me acerqué a las comunidades de Atotonilco, que es el lugar donde grabamos. Quería oler, respirar, ver y escuchar todo para absorber y depurar lo que demandaba mi personaje. Eso se compenetra con la historia de vida del propio Juan Pablo, quien además tenía una clara idea de la María que quería como protagonista. En ese trayecto conocí mujeres llenas de una fortaleza admirable que me enseñaron o mostraron que la rigidez que transmiten es un mecanismo de defensa. En México, tristemente, las mujeres estamos expuestas a un sinfín de peligros y abusos que nos obligan a no sonreír si es necesario.</em></p>
<p><strong>Tere, un mensaje colateral que envía <em>Dos estaciones</em> tiene que ver con la ruptura de esquemas, o con la confrontación del estereotipo en el cine nacional. La película nos pone como protagonista/actriz a una mujer mayor, morena y su físico tal cómo es. ¿Qué opinión te merece esta observación?</strong></p>
<p><em>Basta darse una vuelta por el país y ver a sus mujeres. Se darán cuenta que hay miles de mujeres como yo, existimos. El hecho de que Juan Pablo dijera que encontró en mí a la actriz que iba sacar adelante a su personaje fue sorpresivo porque en efecto rompía con un estereotipo. Estamos habituados a ver un perfil de actrices para este tipo de papeles.</em></p>
<p><em>Que se fijara y confiara en mí por mis capacidades, no por otros aspectos, fue muy fuerte. Era una manera de decirme “nosotros podemos, lo vamos a lograr” y eso implica una responsabilidad. La asumí como actriz y como mujer perteneciente a una industria que actualmente se ha abierto a que la mujer cuente las historias. Al paso del tiempo, ahora que la película se ha estrenado, puedo considerar que María fue y es para mí un acto revolucionario. Si se rompió un esquema, se pueden romper varios más.</em></p>
<p><strong>Desde que ganaste el premio a Mejor Actriz en el Festival de Sundance hasta ahora que presentan la película en el FICM, el director y resto de crew no dejan de agradecerte. Fuiste el sostén de ellos en varios sentidos: primera ficción de Juan Pablo González, primer largometraje de Gerardo Guerra, primer proyecto de otros integrantes del reparto. ¿Pesa un compromiso así?</strong></p>
<p><em>No, al menos no en esta película. Pesaría si hubiera sido una filmación caótica y sin tacto humano. Acá ocurrió todo lo contrario. Hubo humildad de todos y demasiada honestidad para ayudarnos unos a otros en nuestros momentos de dudas. Conformamos un equipo sincero, de transparencia en varios sentidos, principalmente en lo emocional. Esa sinceridad nos hizo fuertes. Así como ellos agradecen mi conexión con ellos, yo les agradezco haberme permitido estar ahí para explorarme como actriz a su lado. Me hicieron sentir segura, amada. Que te hagan sentir amada en un set es un privilegio. Y ese mismo amor daré a esos nuevos talentos que lleguen con ganas de hacer cine desde el trato amoroso hacia sus historias y hacia quienes las harán posibles.</em></p>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/reel/CkUQZp9pz9s/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Spoiler (@spoiler.bolavip)</a></p>
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“María fue un acto revolucionario para mí”: Teresa Sánchez, Mejor Actriz en el FICM 2022

“María fue un acto revolucionario para mí”: Teresa Sánchez, Mejor Actriz en el FICM 2022 - Spoiler

<p>Con la actriz Paloma Petra subiendo y bajando escaleras para recoger los premios otorgados a <em>El norte sobre el vacío, </em><strong>la película dirigida por Alejandra Márquez Abella fue la gran ganadora del Festival Internacional de Cine de Morelia (FICM). </strong>Otro largometraje que mereció más de una distinción fue el documental <em>Ahora que estamos juntas, </em>de Patricia Balderas Castro.</p>
<p><strong>El momento emotivo de la ceremonia de premiación corrió a cargo de la actriz Teresa Sánchez,</strong> protagonista de <em>Dos estaciones, </em>de Juan Pablo González. Pronunció un discurso sincero sobre lo que significó trabajar en esta producción y enfatizó que en México se produzca “por un cine con amor”.</p>
<p>José Esteban Pavlovich, director de<em> Una mano bajo la nieve, </em>resaltó la importancia de que se mire hacia otras entidades del país para producir y contar historias.<strong> Consideró que el festival ha sido una gran ventana para mostrar al público que se puede descentralizar el cine nacional.</strong></p>
<p><span></span></p>
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<div class="ck-twitter" id="twitter-45">
<blockquote class="twitter-tweet">
<p dir="ltr" lang="es">“Por un cine con amor, por favor”</p>
<p> Teresa Sánchez ganó a Mejor Actriz de Largometraje Mexicano de Ficción por <a href="https://twitter.com/hashtag/DosEstaciones?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#DosEstaciones</a>. Sus palabras fueron emotivas en la ceremonia de premiación del <a href="https://twitter.com/FICM?ref_src=twsrc%5Etfw">@FICM</a>. <a href="https://twitter.com/hashtag/FICM2022?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#FICM2022</a> <a href="https://t.co/ZETXHVABYK">pic.twitter.com/ZETXHVABYK</a></p>
<p> — Spoiler (@Spoiler_Bolavip)    <a href="https://twitter.com/Spoiler_Bolavip/status/1586212405440565248?ref_src=twsrc%5Etfw">October 29, 2022</a>   </p></blockquote>
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<h2 style="text-align: center">Lista de ganadores del FICM 2022</h2>
<p><strong>Concurso Michoacano de Guion de Cortometraje</strong></p>
<p>Mención especial: <em>Contratiempo, </em>escrito por Emilio Braojos</p>
<p>Ganador: <em>Visiones infantiles, </em>escrito por Felipe de Jesús Godo y Castillo.</p>
<p></p>
<p><strong>Sección Michoacana</strong></p>
<p>Mención especial: <em>Hombres de sal, </em>dirigida por Luis Armando Sosa Gil.</p>
<p>Premio Ojo al ganador: <em>La Colonial,</em> dirigida por David Buitrón Fernández.</p>
<p></p>
<p><strong>Premio de la Asociación de Mujeres en el Cine y la Televisión de México</strong></p>
<p>Mejor largometraje documental realizado por una mujer: <em>Ahora que estamos juntas,</em> de Patricia Balderas Castro.</p>
<p><span></span></p>
<div style="text-align:center">
<div class="ck-twitter" id="twitter-57">
<blockquote class="twitter-tweet">
<p dir="ltr" lang="es">El documental <a href="https://twitter.com/hashtag/AhoraQueEstamosJuntas?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#AhoraQueEstamosJuntas</a> (<a href="https://twitter.com/AQEJ_Documental?ref_src=twsrc%5Etfw">@AQEJ_Documental</a>) se lleva el premio al Mejor Largometraje Documental realizado por una mujer en el <a href="https://twitter.com/FICM?ref_src=twsrc%5Etfw">@FICM</a>. <a href="https://twitter.com/hashtag/FICM2022?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#FICM2022</a> <a href="https://t.co/Oj8qm9iyZA">pic.twitter.com/Oj8qm9iyZA</a></p>
<p> — Spoiler (@Spoiler_Bolavip)    <a href="https://twitter.com/Spoiler_Bolavip/status/1586202369486094336?ref_src=twsrc%5Etfw">October 29, 2022</a>   </p></blockquote>
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<p></p></div>
<p><strong>Cortometraje Mexicano</strong></p>
<p>Mención especial a animación: <em>Los cuervos, </em>dirigido por Héctor Dávila Cabrera.</p>
<p>Premio Ojo al ganador en animación: <em>La ciudad, </em>dirigido por Camila Uboldi y Andreas Papacostas.</p>
<p>Mención especial a documental: <em>Trazos de silencio, </em>dirigido por Valentina Pelayo Atilano.</p>
<p>Premio Ojo al ganador en documental: <em>Las cosas que te digo, </em>dirigido por Daniela Silva Solórzano.</p>
<p>Mención especial a ficción: <em>Verano,</em> dirigido por Luis Pacheco y Rafael Ruiz Espejo.</p>
<p>Premio ojo al ganador en ficción: <em>Una mano bajo la nieve, </em>dirigido por José Esteban Pavlovich.</p>
<p>Premio especial del jurado: <em>El cortometraje, </em>dirigido por José Luis Isoard Arrubarrena.</p>
<p><span></span></p>
<div style="text-align:center">
<div class="ck-twitter" id="twitter-24">
<blockquote class="twitter-tweet">
<p dir="ltr" lang="es"><a href="https://twitter.com/hashtag/UnaManoBajoLaLluvia?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#UnaManoBajoLaLluvia</a>, de José Esteban Pavlovich, ganó a Mejor Cortometraje de Ficción Mexicano en el <a href="https://twitter.com/FICM?ref_src=twsrc%5Etfw">@FICM</a>.</p>
<p> El director resaltó la importancia de la descentralización del cine por parte del <a href="https://twitter.com/hashtag/FICM2022?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#FICM2022</a>. <a href="https://t.co/RMGj4DLXFO">pic.twitter.com/RMGj4DLXFO</a></p>
<p> — Spoiler (@Spoiler_Bolavip)    <a href="https://twitter.com/Spoiler_Bolavip/status/1586364491604045824?ref_src=twsrc%5Etfw">October 29, 2022</a>   </p></blockquote>
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<p></p></div>
<p><strong>Largometraje Documental Mexicano</strong></p>
<p>Mención especial:<em> Teorema de tiempo,</em> dirigido por Andrés Kaiser.</p>
<p>Premio del público: <em>Ahora que estamos juntas,</em> de Patricia Balderas Castro.</p>
<p>Premio Ojo al ganador: <em>Malintzin 17, </em>dirigido por Mara Polgovsky y Eugenio Polgovsky.</p>
<p><span></span></p>
<div style="text-align:center">
<div class="ck-twitter" id="twitter-74">
<blockquote class="twitter-tweet">
<p dir="ltr" lang="es">A nombre de <a href="https://twitter.com/MPolgovsky?ref_src=twsrc%5Etfw">@MPolgovsky</a>, <a href="https://twitter.com/jchavezmontes?ref_src=twsrc%5Etfw">@jchavezmontes</a> recogió el premio a Mejor Largometraje Documental Mexicano otorgado a <a href="https://twitter.com/hashtag/Malintzin17?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#Malintzin17</a> en el <a href="https://twitter.com/FICM?ref_src=twsrc%5Etfw">@FICM</a>. <a href="https://twitter.com/hashtag/FICM2022?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#FICM2022</a> <a href="https://t.co/0FSvzuVVxp">pic.twitter.com/0FSvzuVVxp</a></p>
<p> — Spoiler (@Spoiler_Bolavip)    <a href="https://twitter.com/Spoiler_Bolavip/status/1586210624165380096?ref_src=twsrc%5Etfw">October 29, 2022</a>   </p></blockquote>
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<p><strong>Largometraje Mexicano de Ficción</strong></p>
<p>Premio del público:<em> Huesera, </em>de Michelle Garza Cervera.</p>
<p>Mejor guion: Gabriel Nuncio y Alejandra Márquez Abella por <em>El norte sobre el vacío.</em></p>
<p>Mejor actriz: Teresa Sánchez por <em>Dos estaciones.</em></p>
<p>Mejor actor: Gerardo Trejoluna por <em>El norte sobre el vacío.</em></p>
<p>Mejor dirección: Natalia López Gallardo por <em>Manto de gemas.</em></p>
<p>Premio Ojo al ganador: <em>El norte sobre el vacío, </em>dirigida por Alejandra Márquez Abella.</p>
<p><span></span></p>
<div style="text-align:center">
<div class="ck-twitter" id="twitter-77">
<blockquote class="twitter-tweet">
<p dir="ltr" lang="es">Si de hacer cardio en el <a href="https://twitter.com/FICM?ref_src=twsrc%5Etfw">@FICM</a> se trataba, <a href="https://twitter.com/paloma_petra?ref_src=twsrc%5Etfw">@paloma_petra</a> fue el ejemplo. Subió y bajó por premios sin descanso.</p>
<p> Leyó un mensaje de <a href="https://twitter.com/marquezabella?ref_src=twsrc%5Etfw">@marquezabella</a> con motivo del premio a Mejor Guion de Largometraje Mexicano de Ficción. <a href="https://twitter.com/hashtag/FICM2022?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#FICM2022</a> <a href="https://t.co/g5YEjbh6Ir">pic.twitter.com/g5YEjbh6Ir</a></p>
<p> — Spoiler (@Spoiler_Bolavip)    <a href="https://twitter.com/Spoiler_Bolavip/status/1586220286579732480?ref_src=twsrc%5Etfw">October 29, 2022</a>   </p></blockquote>
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<p><strong>Largometraje Internacional</strong></p>
<p> Premio del público a: <em>Close,</em> de Lucas Dhont.</p>


Conoce a los ganadores del Festival Internacional de Cine de Morelia FICM 2022

Conoce a los ganadores del Festival Internacional de Cine de Morelia FICM 2022 - Spoiler

<p>Lo que el periodismo deportivo mexicano no hace y debería hacer, lo hace el cine. <strong>De entrada, la cinematografía ha entendido perfectamente que el espectro de deportes es amplio y no se centra en uno solo, tal como ocurre en México con el futbol. </strong>También comprende que la práctica de una actividad física no es un simple espectáculo esporádico sin pauta para análisis, investigación, reflexión y dimensión de los acontecimientos que de ella se desprenden. De igual forma concibe que el campo de exploración no se reduce a las redes sociales ni a la reproducción de contenidos digitales cuyo único interés es la viralización. Por irónico que se lea: la pantalla grande recurre a la realidad para poder contar sus historias en la ficción. Se trata de una realidad que se ignora o no importa en redacciones o coberturas periodísticas mientras se publique rápido la selfie, un juicio de valor sin sustento o una pregunta incendiaria para generar interacciones.</p>
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<p></p></div>
<p><strong>El cine observa a lo que el periodismo deportivo ha dejado de tomar en cuenta, las personas.</strong> Son seres humanos quienes compiten en cualquier disciplina. Por lo tanto, personajes de carne y hueso que construyen sus proezas o fracasos sosteniéndose en situaciones que desconocemos pero que pueden ser incluso más trascendentales e importantes que los resultados deportivos, esto si se toma a consideración que forman parte de una sociedad, por ende de las problemáticas sociales. Por ejemplo, el abuso sexual hacia las atletas de alto rendimiento.</p>
<p><span></span> </p>
<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/10/28/noticia_0016.html" data-type="news"></span>  <p></p>
<div id="relatedNews-60">     </div>
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<p></p>
<p>La directora Lucía Puenzo y las guionistas Mónica Herrera y Samara Ibrahim enfocan su mirada en los clavados, disciplina deportiva que en nuestro país únicamente se atiende cuando son Juegos Olímpicos por dos propósitos: subirnos al barco instantáneo por la obtención de una medalla o juzgar sin piedad al clavadista que no logra subir al podio. <strong>Ellas canalizan su historia hacia los casos de abuso perpetrados contra mujeres que sueñan con alcanzar la gloria desde el trampolín.</strong> Mariel (una Karla Souza que ofrenda su rostro para plasmar el trance emocional de su personaje) es la protagonista de una trama que apunta hacia el planteamiento de un sistema que convierte a las menores y jóvenes en víctimas potenciales de abusadores amparados en su faceta de entrenadores dentro del deporte de alto rendimiento.</p>
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<p></p></div>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/p/Cjlouwrrlql/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Lucia Puenzo (@lucia.puenzo)</a></p>
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<p><strong>La caída se basa en hechos reales.</strong> Nos remonta a la víspera de los Juegos Olímpicos de Atenas 2004, periodo en que se dio a conocer la denuncia por parte de los padres de la clavadista Laura Sánchez en contra del entrenador Francisco Rueda acusándolo de haber mantenido relaciones sexuales con su hija como chantaje para llevarla a la justa deportiva. Sin embargo, como efecto colateral, también motiva a recordar los casos de Carolina Mendoza y Azul Almazán, ésta última señalando igualmente a Rueda como su violentador.</p>
<p>La complejidad de elaborar la transmisión de lo que implica ser mujer, atleta y víctima de un engranaje perverso por parte del poder masculino que toma decisiones en los clavados, se trazó y confeccionó desde el espíritu femenino que compaginó a Puenzo (dirección), Herrera e Ibrahim (guion) y Souza (actuación). <strong>Eso se siente a cuadro debido al enojo manifiesto en el desmenuzamiento del duro escenario que enfrenta Mariel </strong>ante un trauma y una verdad ventilada que de manera inevitable la coloca en situación de crisis.</p>
<p>Se complementan con dos contrapartes masculinas. Una es la fotografía de Nicolás Puenzo, que hace de la piscina, las regaderas y los casilleros espacios incómodos, de confrontación. El agua en sí (como cuando está cerca o encima del cuerpo de Mariel) es molesta, pesada. Son sitios y elementos que emanan inseguridad, intranquilidad. La otra es Hernán Mendoza en su papel de Braulio, <strong>un entrenador que puede parecer exagerado por instantes, no obstante así manipulan los supuestos forjadores de medallistas.</strong></p>
<p>No es menor que haga un cameo la periodista deportiva Beatriz Pereyra -PERIODISTA con mayúsculas-, una de las mejores que tiene México para dignificar la profesión periodística y el oficio de reportera en el ámbito deportivo. <strong>Sus investigaciones, reportajes y artículos han abordado precisamente casos como los narrados por Puenzo en la película.</strong></p>
<p>Si bien su aparición puede interpretarse como un homenaje a la propia Pereyra, lo que es más que merecido, asimismo tiene la posibilidad de asumirse como una metáfora de que el cine varias veces hace el trabajo que el periodismo deportivo dejó de hacer, o no quiere hacerlo. Y si no hay cabida para periodistas como Beatriz en la realidad, en la ficción son bienvenidas. <strong>Por fortuna, grata excepción, Pereyra encaja en ambos universos.</strong></p>
<p> En un país donde la mayoría de películas con temáticas deportivas son abordadas desde la comedia (como todo lo que se hace sobre futbol) y la romantización, <strong><em>La caída </em>es una luz al final de un túnel que resguarda un sinfín de historias por contar y atropellos por denunciar.</strong> Seguramente el cine lo hará, tal como está haciéndolo, porque el periodismo deportivo sólo tiene una Beatriz Pereyra.</p>


La caída, una mirada al abuso en atletas y una llamada de atención al periodismo deportivo

La caída, una mirada al abuso en atletas y una llamada de atención al periodismo deportivo - Spoiler

<p>En cuanto una mujer mexicana como Valeria (Natalia Solián) revela a la familia que está embarazada, la maternidad deja de ser exclusivamente de ella. La tribu se apropia de ese rol. <strong>El núcleo familiar se toma la molestia de intervenir para decidir y ordenar sobre una etapa que no es suya y de un cuerpo que no les pertenece.</strong> Se vuelven una pesadilla para quien va a maternar. Algo así como la pareja anciana de los Castevet en <em>El bebé de Rosemary.</em></p>
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<p>Esa invasión en una maternidad que no les corresponde es precedida por la exigencia hacia Valeria de que sea el ejemplo a seguir.<strong> La opresión tribal dicta que primero debe lograr lo que nadie ha podido en el círculo familiar: graduarse como universitaria.</strong> Conquistada esa meta impuesta para satisfacción del resto y no de ella, posteriormente debe proseguir a embarazarse porque así lo concibe la visión tradicional de lo que es ser una buena mujer. Estudiar para ser una profesionista no sirve para nada porque la verdadera validación como persona del sexo femenino es ser mamá. La presión ejercida incluye a su pareja, Raúl (Alfonso Dosal), quien encaja perfecto en la construcción social que se hace de la mujer con relación a lo que es la conformación de un hogar (renunciar a su empleo, por ende a su evolución profesional, con tal de cumplir con el perfil de madre abnegada).</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/10/27/noticia_0021.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>El agobio que asfixia a Valeria tiene un fenómeno colateral extraño pero revelador como una manifestación de la presión que se ejerce contra su persona: su cuerpo y todo lo que hay en su entorno empieza a tronar. Truena la comida, como los huesos del pollo, pero también truenan los huesos de sus propio esqueleto. <strong>La imposición de ser una madre tradicional, figura romantizada y cimentada en un control e intromisión de la mujer embarazada, no es más que una cultura quebrantahuesos.</strong></p>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/reel/CkI8oYdJggY/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Spoiler (@spoiler.bolavip)</a></p>
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<p>Dicha cultura es abordada por Michelle Garza Cervera en un género que describe perfectamente lo que padecen y han padecido miles de mujeres como Valeria en este país. Se ha perpetuado la idea y la práctica de moldear a una futura madre bajo el pretexto del cobijo familiar vendido como amor, sin embargo puede ser terrorífico para quien dará a luz.<strong> La directora encuentra una extraordinaria complicidad con la fotógrafa Nur Rubio Sherwell, quien matiza con precisión, a través de la iluminación y los colores disonantes, que el núcleo familiar es sombrío, no acogedor. </strong>Si bien no en todas las familias, sí en este modelo de familias que sabemos que existe.</p>
<p>La trama plantea a un ente esquelético como amenaza hacia Valeria. Es un acertado recurso para hacerle creer al espectador que el horror está ahí. No obstante, lo que en verdad da miedo es la edificación avasallante de la maternidad tradicional a manos de aquellas y aquellos que se creen dueños de la voluntad ajena.<strong> Y la primera piedra de esa práctica dominante está en la religiosidad con que concebimos a la madre mexicana, homologada como la Virgen María (la película abre con una enorme efigie de la Virgen de Guadalupe más temible que enternecedora).</strong></p>
<p><strong>El cuerpo de Valeria es el cuerpo de otras mujeres.</strong> Sus huesos son los de muchas más. Si su organismo truena es porque quiere romper con el esquema tradicionalista de la maternidad que únicamente le concede a la futura madre dolor, confusiones, dudas, pánico y culpa en su plano individual.</p>


Huesera, el quebranto óseo como reclamo a la construcción de la maternidad tradicional

Huesera, el quebranto óseo como reclamo a la construcción de la maternidad tradicional - Spoiler

<p>Tacho (un sorprendente Eustacio Ascacio) hace lo que haría cualquier hombre de campo ante una fatídica noticia informada en papel: quemarlo. <strong>¿De qué sirve una hoja llena de letras cuando lo realmente importante ya no volverá a su vida? </strong>Un escrito no le devolverá a su hija. Deja que el fuego consuma el aviso de que debe recoger el cadáver en una ciudad muy lejana a su pueblo, la Ciudad de México.</p>
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<p>Desconoce por completo que en la capital mexicana los papeles lo son todo por encima de cualquier dolor.<strong> No tiene mínima idea de que es la entidad a la que únicamente le falta edificar el monumento al trámite. </strong>La indolencia es uno de los sellos de la burocracia, y a eso habrá de enfrentarse en un ambiente burocrático urbano que además no tiene empatía por los ancianos ni por los campesinos. Y de eso tampoco sabe el fuego.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/10/24/noticia_0005.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p><strong><em>“Nime dio el pésame. Solamente me dio unos quesos”,</em> expresa Tacho con una voz seca, resignada a la apatía del otro. </strong>Le cuenta a un conocido que el ranchero millonario del pueblo no quiso prestarle dinero para ir por el cuerpo de su hija y a manera de lástima le dio el producto lácteo. Ese gesto miserable e indiferente hacia su persona, no sin antes un intento de gandallismo por parte de ese hombre ruin, es un acto preparatorio del calvario a enfrentar. Un infierno más al que le aprisiona en su interior.</p>
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<p>En ese recorrido dentro del sórdido, molesto y decadente rumbo de la tramitología, Tacho conoce a Damiana (Natalia Solián), una joven prostituta que siente compasión por su situación y se dispone a ayudarlo. Pero, ¿por qué lo hace? ¿Acaso en ese campesino envejecido encuentra el respeto que no le dan otros hombres y eso le hace sentir que por un ratito es digna? <strong>Cualquiera que sea su motivación, ella desnuda aquello que no le interesa a sus clientes: la humanidad.</strong></p>
<p>La complicidad entre Tacho y Damiana durante el proceso inhumano e insensible que deben soportar para reclamar el cadáver los lleva a sostener un diálogo desgarrador, pero tan honesto y brutal que nos orilla a comprender con profunda tristeza que<strong> el dolor es un lenguaje en búsqueda de empatía para sostenerse unos a otros en medio de tres frentes dominados por la indolencia: el Estado, la delincuencia y un sector de la sociedad.</strong>La interpretación de Natalia Solián al narrar su relato es impresionante.</p>
<p>Esa misma relación, compaginada por la causa que tiene a Tacho soportando lo indeseable debido a la burocracia, abre una puerta para pensar en las paternidades mexicanas que son víctimas de la tragedia nacional (feminicidios, desapariciones).<strong> Es un complemento a las narrativas que recrean las historias de la violenta realidad y sus estragos entre quienes quedan muertos en vida.</strong></p>
<p>El peregrinar de Tacho (reiterar la transmisión emocional tan natural que brinda Eustacio Ascacio) lo sentimos cercano, convulso, conmovedor e irritante por otro factor a considerar, la fotografía de Serguei Saldivar Tanaka. <strong>Con su cámara no crea tomas, sino atmósferas que desde el ámbito rural hasta el urbano nos hacen partícipes de ese acompañamiento.</strong> Probablemente la forma directa de recordarnos que no es necesario experimentar el dolor en carne viva para sentirlo, para no mirarlo ajeno a nosotros.</p>


Zapatos rojos, la indolencia como síntoma de una derrota social

Zapatos rojos, la indolencia como síntoma de una derrota social - Spoiler

<p>Un peluquero tradicional y heredero de ese oficio ejercido por los antecesores de su linaje -una familia reconocida por el famoso corte Cisó- le insiste a su hijo continuar con ese legado. <strong>Presiona al muchacho para que perfeccione el estilo que caracteriza el sello de Bouclette,</strong> el negocio familiar.</p>
<p>Por más ganas que le pone el chico para ser peluquero,<strong> el destino se encarga de hacerle saber que eso no es lo suyo. </strong>Le muestra que su camino está en la repostería, arte de la gastronomía que le apasiona y para la que tiene un toque especial. El problema es que a su padre no le agrada la idea de que rompa con la tradición, mucho menos para dedicarse a hacer postres y pasteles.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/10/24/noticia_0001.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>Esa irrupción en la historia familiar habrá de llevar a una confrontación necesaria para beneficio de ambos. En el marco de esa relación entre padre e hijo también se desprenden temas como<strong> la reinvención, la construcción del diálogo y la conciliación.</strong><em></em></p>
<p>Conversamos con Fernanda Lozada, directora de <em>Bouclette, </em>acerca de su cortometraje y el presente del cine de animación en México.</p>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/p/CiyAmw_Plqj/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Bouclette Shortfilm (@bouclette_shortfilm)</a></p>
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<h2 style="text-align: center">Entrevista con Fernanda Lozada, directora de <em>Bouclette</em></h2>
<p><strong>Fernanda, ¿por qué elegiste los oficios de peluquero y repostero para tus protagonistas?</strong></p>
<p><em>Fue una suerte de estar en el momento y en el lugar correcto. Cuando empecé a escribir </em>Bouclette,<em> sin saber que iba a convertirse en esta historia, acudía a un café que me gustaba mucho en la colonia Juárez, Ciudad de México. Recién había regresado de haber estudiado animación en París.</em></p>
<p><em>Me había encontrado a Guillermo del Toro en Francia. Entonces volví con toda la nostalgia de ese imaginario a México y con una fascinación por comer pan, sobre todo el pan. Así que iba cada miércoles a ese café porque vendían un pan delicioso. Es allí donde escucho que el panadero es francés y que su oficio anterior fue el de peluquero. Me pareció algo muy interesante.</em></p>
<p><em>Eso fue una linda pauta que conecté con mi mamá, una mujer que se dedicó 15 años a hacer panadería y repostería. Con ella aprendí a hacer pasteles, a agarrarle gusto a la cocina, pero especialmente a conocer el vocabulario de la repostería. Por eso cuando oí que el panadero había sido peluquero, me vino a la mente la similitud que tienen esos dos oficios. Por ejemplo, el peluquero pone crema en el cabello con un movimiento manual casi idéntico al que hace un pastelero al untarla. O vemos que en la peluquería usan una toallita para echar aire después de poner alcohol, un movimiento que es casi igual al del pastelero para hacer masa de pizza. Me emocionó explorar esas similitudes.</em></p>
<p><strong>Estamos habituados a ver contenidos donde la figura paterna luce por su ausencia porque así es la realidad de muchas familias. Tú, en cambio, la pones como eje central. ¿Por qué decidiste plantear esta relación padre-hijo?</strong></p>
<p><em>Ligué lo emocional con la figura de la madre, pero lo físico con el padre porque es la imagen estricta.</em></p>
<p><em>Me gustaba la idea de abordar la conciliación de dos partes, la unión de dos mundos. Es la conciliación de repostería con peluqueria, de padre con hijo, del pasado con el presente. Me interesaba plasmar una unión en la que no todo fuera blanco o negro por completo. Siempre hay un punto medio en el que podemos encontrar un espectro de grises. Lo bonito es hallar dónde cabemos todos y cómo nos apoyamos o agarramos de nuestros trasfondos para ser felices y hacer algo que realmente nos llene.</em></p>
<p><em>Mostrar esa relación entre padre e hijo surgió así, de pensar en personajes que requerían de una unión.</em></p>
<p><strong>Y es complejo. Vivimos en una sociedad que sigue arraigada a esa intervención de un padre para decidir por un hijo en sus elecciones de futuro sin darle a éste otra alternativa que acatar o acatar. Tú le das a esos padres e hijos una vía distinta para romper con esa práctica.</strong></p>
<p><em>Me agrada haber llegado a esa complejidad. Lo fácil era haber terminado la historia con la repostería ganando sobre la peluquería, o bien con la tradición familiar imponiéndose para desaparecer los sueños de la nueva generación. Lo lindo de </em>Bouclette <em>es que muestra que existe un punto medio en la vida, y el punto medio es reconfortante, pero no deja de ser complejo llegar a él. Creo que se puede aprender más escuchando al otro que imponiendo. Hay opciones para romper con esa cultura de obligar a los hijos que sean lo que no quieren ser, tal como lo es el diálogo.</em></p>
<p><strong>¿Pensaste <em>Bouclette </em>para un público en específico? Lo pregunto porque es tan entretenido para un niño como para un adulto. Además de permitirle lecturas distintas a cada edad.</strong></p>
<p><em>Ha sido muy lindo asistir a funciones y ver que todo mundo disfruta </em>Bouclette.<em> Hay una escena en especial que provoca la risa de la gente. No importa la edad, la nacionalidad o la cultura. Lo han disfrutado por igual en los lugares donde lo he presentado. Eso me lleva a comprobar que conecta con todo el público.</em></p>
<p><em>Durante mucho tiempo se ha confundido que el cine de animación es únicamente para niños. Y no. Una buena animación, para mí, es aquella que conecta con el público en general. ¿Qué pasa cuando sale una película de Pixar? Toda la gente espera ver la película de Pixar que se estrenó. Niños, adolescentes y adultos por igual. Ya sabemos que aunque tengamos 10, 20, 30, 40 o 50 años, vamos a querer estar en la sala de cine con un nuevo estreno para llorar, ya sea por nostalgia o por las historias. A eso aspiro yo también.</em></p>
<p><strong>Para ser ese Pixar, bueno, primero hay que creer en el cine de animación mexicano. Talento hay, pero falta impulsarlo y darle los medios, además de visibilidad. ¿Dónde se encuentra actualmente la animación dentro de la industria?</strong></p>
<p><em>Definitivamente hay talento, muchísimo talento. Hay que decir también que existe una gran fuga de talentos. Hay gente que se va y nunca regresa. Están los casos de otras personas que quieren irse para poder hacer lo que les gusta pero no los aceptan por la nacionalidad que tienen o por no haber estudiado en escuelas prestigiosas. O eres afortunado y te fugas, o eres afortunado y te quedas en México justo ahora. Estamos viviendo un momento en que la industria se ha levantado.</em></p>
<p><em>Tenemos talento en animación, ilustración, producción, fondos, fotografía. Me agrada ver que vamos mejorando. Hemos visto largometrajes exhibiéndose en salas comerciales, lo cual es motivante para quienes nos dedicamos a esto. Falta entrarle de lleno, sin duda, pero vamos dando pasos.</em></p>
<p><strong>¿Qué representa la animación para ti?</strong></p>
<p><em>Para mí hacer animación es un acto de servicio. Conecto demasiado con mi infancia, un periodo en el que llegaba de la escuela a la casa y me ponía a ver caricaturas para relajarme, para ser feliz. Mientras comíamos, mi mamá me ponía mis favoritas y platicábamos alrededor de lo que veíamos, de lo que nos contaban esas historias. Digo que es un acto de servicio porque me esfuerzo ocho o nueve horas de trabajo para sacar dos segundos sabiendo que ese momento se le puede quedar grabado para siempre a alguien más, tal como me pasó a mí. La animación que hago es un intento por ayudar al espectador a que se serene de un mal día, a que sonría, a que vea que no todo está perdido.</em></p>
<p><em>Tengo un agradecimiento profundo por toda la gente que trabajó en las caricaturas que vi en los noventa y la década del 2000. Me brindaron felicidad. ¡Cuántas horas habrán laborado esas personas para que una niña como yo pudiera tener instantes hermosos mientras comía mi cereal! Eso es mi motor para hacer animación. Quiero contar historias memorables, que traigan un respiro o un abrazo a chicos y grandes.</em></p>
<p><strong>Sin que esa sea su intención, <em>Bouclette </em>lanza una invitación particular a los hombres de mi generación. ¿Cuál? La de empezar a cerrar ciclos de la mejor manera con nuestros viejos. Somos una generación que ya estamos enterrando a nuestros padres o viéndolos cerca de ese destino al que todos llegaremos. Vale pedir perdón y conciliar, ¿no?</strong></p>
<p><em>¡Claro! Si estás aquí entero, vivo, y con tu papá todavía con vida, ¡¿por qué seguir generando conflictos?! </em>Bouclette <em>funciona como un llamado a derrumbar muros, a dejar de ser tercos o rencorosos y buscar la forma de llegar a un punto medio para ayudarse uno a otro en construir nuevos vínculos o reconocerse en una relación fracturada. Por más que nos despeguemos de ese conflicto, siempre hay la opción de hallar un punto para coincidir y comenzar de nuevo.</em></p>
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Bouclette, romper con las tradiciones tiene consecuencias positivas

Bouclette, romper con las tradiciones tiene consecuencias positivas - Spoiler

<p>Una madre y su hija llegan a refugiarse en un modesto y tranquilo lugar ubicado en las montañas andinas. Huyen de algo, o de alguien. Magda (Julieta Santamaría) es una niña que se lamenta porque no podrá jugar como delantera con su equipo de futbol, quiere estar en la cancha. <strong>Su madre, Josefina (Salomé Aguirre), se mortifica por otra poderosa razón.</strong></p>
<p><strong>Josefina está convencida de que debe tomar una decisión contundente a nombre de Magda. </strong>Comprenderemosdespués que lo tiene que hacer lejos de la sociedad para protegerlas a ambas, especialmente a la menor. Son una con la otra, tienen que estar juntas en una inesperada experiencia para ellas.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/10/25/noticia_0006.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p><strong>La directora Carla Larrea deja el acecho de los peligros externosfuera de pantalla con la intención de no desviar la atención de lo primordial, es decir, sus protagonistas. </strong>De igual forma lo plantea así para poner de forma directa y sobre la mesa el tema del aborto infantil, que es tan poco explorado y debatido debido a la intromisión de grupos conservadores y de ultraderecha para que no se difunda.</p>
<p>En Spoiler conversamos con la realizadora para explorar su discurso en una historia que visibiliza otro escenario sobre <strong>el abortoen América Latina.</strong></p>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/p/ChulIRdLgZF/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Carla Larrea Sánchez (@carlilasan)</a></p>
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<h2 style="text-align: center">Entrevista con Carla Larrea, directora de Por Magda</h2>
<p><strong>Carla, ¿por qué quisiste abordar el aborto infantil? No sé si quepa concebir tu corto como una denuncia también ante el abuso sexual perpetrado contra niñas.</strong></p>
<p><em>Más que una denuncia es una invitación a reflexionar sobre el embarazo infantil y el aborto infantil. Quise contar la historia basándome en lo que ocurre en Ecuador, mi país de origen. Allá, al igual que en México y toda Latinoamérica, se registra cada vez con más frecuencia el número de niñas que se convierten en mamás a corta edad porque fueron víctimas de violación.</em></p>
<p><em>El tema del aborto como una opción para esas menores es complejo por muchas razones. Una de ellas tiene que ver con la salud pública debido a que no hay seguridad sanitaria para que puedan interrumpir el embarazo con calma y atención médica. Otro aspecto a considerar es el linchamiento social que existe hacia esa alternativa. Un linchamiento que no es igual hacia los agresores.</em></p>
<p><em>También partí de dos problemas que me resultaron urgentes por atender. Uno tiene que ver con que los derechos de la mujer están retrocediendo. El segundo es sobre quién debe tomar la responsabilidad de un aborto femenil. Mi postura es que una niña de 11 años no está en edad ni condiciones para decidir si quiere ser mamá o no. Esa facultad le corresponde a los padres o madre de la menor. Estoy consciente que no es sencillo hablar de esto, pero es necesario mostrar que existen variantes para profundizar en el incremento de embarazos infantiles. Los abusadores se van y listo. Pero las niñas quedan sujetas a vivir una vida que no les corresponde.</em></p>
<p><strong>Toda vez que lo narras, las preguntas surgen. ¿Cómo se actúa en una situación así? ¿Cómo hablar de comprensión y contención en esos casos?</strong></p>
<p><em>En el debate público no hemos puesto estas complejidades sobre la mesa. Es una apuesta arriesgarme a posicionarme desde el cine, pero tengo firme la idea de que ninguna niña debe estar en esa situación. ¿Qué estamos haciendo mal para llegar a eso? ¿Qué hacemos mal para seguir reproduciendo los abusos y la condena a menores abusadas sexualmente?</em></p>
<p><em>Me pregunté muchas veces en la sala de montaje qué haría si mi sobrina de 11 años viene y me dice que sí quiere ser mamá. ¿Realmente tiene la dimensión de lo que implica la maternidad? ¿Como sociedad estamos condicionados para sostener ese tipo de maternidades? Definitivamente no.</em></p>
<p><em>La decisión que toma la mamá es una decisión de vida digna para su hija. En ese sentido hay que poner el foco en lo que es una vida digna. No es lo mismo vivir que vivir dignamente.En esta ficción le ofrezco esa posibilidad que en el mundo real se la impedirían.</em></p>
<p><strong>A nivel de guion y dirección centras la trama en la relación de madre-hija para reinventarse entre ambas después de algo que les ha sucedido. ¿Por qué lo planteaste así?</strong></p>
<p><em>El trauma del aborto no tiene que ver precisamente con el dolor físico. Lo que ademáspesa es la condena y el estigma social, el trauma que te genera una sociedad a partir de cómo concibea la mujer violada. No se trata nomás de que un cuerpo ajeno te violentó para ponerlo encima del tuyo. Es también una sociedad que te aplasta criminalizando a tu persona y adjudicándote culpas.</em></p>
<p><em>Vivimos en una sociedad en la cual decirle “violador” y “abusador” a un hombre no es tan grave como cuando a una mujer le dices “abortaste”. El trato hacia una y otra personaes incluso diferente. Al violador se le concede beneficio de la duda en su redención. No pasa así con la mujer que aborta. Es tratada como si fuera lo peor.</em></p>
<p><em>Abortar es una opción, pero socialmente lo vemos al revés. Pareciera que abusar es la alternativa y no tener un hijo es un crimen. Por eso no quise mostrar al abusador. Mi intención era priorizar la idea de poner enel mapa de las conciencias a las víctimas para cuestionarnos cómo reparar, sostener y apoyar a esas mujeres violentadas. </em>Por Magda <em>es una historia de acompañamiento. Hay que sensibilizarnos con el acompañamiento.</em></p>
<p><strong>Recurres al futbol como subtrama con Magda. ¿Por qué añadir la pelota a tu personaje infantil? Tiene relación si consideramos que la lucha por equidad en el futbol femenil ha ventilado abusos de distinta índole.</strong></p>
<p><em>En el diseño de personajes queríamos que Magda se viera impedida a llevar a cabo alguna actividad que pusiera en riesgo su organismo y que al mismo tiempo fuera de gran valor sentimental para ella. Recordé entonces que yo jugaba futbol con mis primos. Era natural para nosotros, no había distinción de géneros. Puede decirse que la pelota es un símbolo de libertad. Por eso Magda añora esa libertad a sabiendas de que no podrá jugar por unos días. Sin embargo, el futbol ahí está esperándola para cuando pueda volver a una cancha.</em></p>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/reel/CkGhIY1LqUj/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Spoiler (@spoiler.bolavip)</a></p>
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Por Magda, el tema del aborto infantil puesto en la mesa de reflexión

Por Magda, el tema del aborto infantil puesto en la mesa de reflexión - Spoiler

<p>El primer paso para la sororidad es acercarse a las mujeres. Se lee lógico, pero no es tan sencillo. Implica una confrontación con pensamientos, ideologías y creencias propias respecto a lo que contrasta con las otras, las pares. Una forma de aminorar esa carga de construcciones es escuchándolas, prestándole oídos a historias ajenas. Entre esos relatos <a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Dificil-decirle-a-una-nina-que-suene-cuando-su-realidad-muestra-otra-cosa-Fernanda-Rivera-actriz-de-Manchester-Acatitla-20221002-0009.html" target="_blank" rel="noopener">surgen coincidencias que generan sentimientos similares</a> ante tales o cuales situaciones.<strong> El acoso callejero, por ejemplo, es un tema que hermana porque prácticamente no hay mujer en México que se libre de ser víctima de él.</strong></p>
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<p>Para dar ese paso bien puede emplearse una cámara, tal como lo hace Patricia Balderas Castro. La directora recurre al cine documental para entrar al universo femenino de talleres, colectivas, hogares, performances y manifestaciones con el objetivo de oír para comprender, entender, buscar soluciones y levantar la voz en conjunto contra<a href="https://spoiler.bolavip.com/cine/Somos-un-pais-de-gente-sin-retorno-Selma-Cervantes-directora-de-Manchester-Acatitla-20220917-0001.html" target="_blank" rel="noopener"> un mal normalizado por la sociedad</a> desde hace más de medio siglo. <strong>Un mal, por cierto, que es detonante de delitos cobijados por el machismo que impera en el país, además de ser solapados por la impunidad.</strong></p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/10/24/noticia_0005.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p><strong>La Ciudad de México es su objeto de estudio, protesta y denuncia.</strong> Ya sea en metro, microbús o metrobús, entre Avenida Insurgentes o Calzada de Tlalpan, el acoso se manifiesta todos los días a cualquier hora. Las mujeres capitalinas, así como aquellas que radican en la periferia pero laboran o estudian en la ciudad, viven con miedo al hostigamiento, tocamientos, eyaculaciones o escenarios peores como la violación.</p>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/p/CkCQ1pZOdQB/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de Ahora Que Estamos Juntas (@aqej_documental)</a></p>
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<p>Esa introducción de Patricia Balderas Castro al feminismo urbano, surgida de un interés natural por aproximarse a mujeres decididas a enfrentar al patriarcado, y conforme va adentrándose cada vez más a esa convicción coral de no callar, <strong>rasca la herida más lacerante del acoso: la normalización de perpetrarlo desde que la mujer es niña.</strong> Violentar y abusar de las menores de edad tendría que ser un escándalo de grandes dimensiones, sin embargo se ha cimentado en nuestra cultura como si se tratara de acciones comunes exentas de cualquier cargo de conciencia y castigo.</p>
<p>La herida se abre aún más. El documental continúa su exploración haciendo escala en otra laceración de nuestro país: las madres como culpables de todo ante las ausencias paternas, o paternidades irresponsables. Somos una nación donde predominan las mamás que tienen que sacar adelante a sus hijas sin ayuda de nadie. <em>“Me enojé con mi mamá porque sentí que no me defendió”, </em>comenta alguien en su testimonio. <strong>Ese reclamo hurga en silencios, dolores y represión de generaciones anteriores que crecieron con el acoso a cuestas validado como si fuera una expresión cultural.</strong> A las mamás y mamás de las mamás nadie les enseñó que ningún hombre tiene derecho a usar su cuerpo para satisfacerse a sí mismo.</p>
<p>Nunca es tarde para aprenderlo. <strong>Son precisamente sus hijas o las hijas de otras madres quienes se han encargado de abrirles los ojos y concientizarlas de que el acoso es una puerta de crímenes peores. </strong>Tampoco es tarde para condenarlo y sumarse a las voces de una generación actual que ha encontrado en las calles un espacio para hacerse escuchar. <em>“La mejor vía es la que se nos da la gana”,</em> dice una chica acerca de las acciones emprendidas en la ciudad para combatir el imperio del pensamiento machista que ha dominado a la sociedad capitalina por décadas.</p>
<p>Patricia Balderas Castro inicia Ahora que estamos juntas con énfasis en el morado que destaca a las jacarandas. <strong>Esa imagen prologa una historia que al final se convertirá en metáfora con el morado que distingue a la lucha feminista, un color que las niñas del presente empiezan a identificar como un símbolo de fortaleza, resistencia y despertar. </strong>Las jacarandas no hacen otra cosa que florecer denuncia, conciencia y herramientas que no tuvieron las mujeres de generaciones atrás.</p><p></p>


Ahora que estamos juntas, el morado como transición de las heridas causadas por el acoso callejero

Ahora que estamos juntas, el morado como transición de las heridas causadas por el acoso callejero - Spoiler

<p>Cada vez que hablamos de música mexicana nos remontamos al mariachi, sones jarochos, la banda y grupos norteños. Los instrumentos que asociamos de inmediato son el acordeón, la tambora, el guitarrón y el arpa.<strong> Difícil es pensar en el violín, sobre todo porque lo tenemos identificado con la música clásica. </strong>Cierto, también cabe en el género vernáculo. Pero, ¿puede ser un sonido único que en todo caso se armonice con la naturaleza y merezca un apartado especial en el catálogo de ritmos nacionales?</p>
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<blockquote class="twitter-tweet">
<p dir="ltr" lang="es">UN LUGAR LLAMADO MÚSICA (2022, dir. Enrique Muñoz Rizo) forma parte de la Sección de Documental Mexicano del <a href="https://twitter.com/hashtag/20FICM?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#20FICM</a>. ¡Este es uno de los títulos que podrás disfrutar en la 20ª edición del FICM! <a href="https://twitter.com/hashtag/MoreliaEsCineMexicano?src=hash&amp;ref_src=twsrc%5Etfw">#MoreliaEsCineMexicano</a> <a href="https://t.co/9L77ZdHWlX">pic.twitter.com/9L77ZdHWlX</a></p>
<p> — Morelia Film Fest (@FICM)    <a href="https://twitter.com/FICM/status/1579834204963176448?ref_src=twsrc%5Etfw">October 11, 2022</a>   </p></blockquote>
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<p>El director Enrique M. Rizo pone sobre la mesa una historia para lanzarnos al planteamiento de esa interrogante. <strong>Y lo hace descubriéndonos al violinista Daniel Medina, miembro de la comunidad Wixárika. </strong>A diferencia del músico tradicional que conocemos, él es un hombre que toca su instrumento en ceremonias ancestrales comunitarias. En lugar de aguardar aplausos o reflectores, se entrega con respeto a los elementos naturales y los espíritus para hacer sonar un violín cuyo sonido muchos no registramos en nuestra memoria auditiva. Es nuevo, diferente, por lo tanto inquietante.</p>
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<div class="ck-related-news">  <span data-src="/spoiler/contenidos/2022/10/24/noticia_0004.html" data-type="news"></span>  <p></p>
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<p>Inquieta todavía más cuando se nos revela que el famoso compositor Philip Glass (autor de esa entrañable y poderosa partitura de <em>Koyaanisqatsi</em>) quiere tocar junto a Daniel. No por morbo ni sensacionalismo. Un genio como él no necesita de esos artilugios para mantenerse presente en el conocimiento y gusto del público. <strong>Lo hace por su devoción genuina a la originalidad con que se manifiesta el sonido en cada cultura.</strong> En este caso el que emana del violín usado por los Wixárika.</p>
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<p style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;line-height:17px;margin-bottom:0;margin-top:8px;overflow:hidden;padding:8px 0 7px;text-align:center"><a href="https://www.instagram.com/p/Cjk3VS0Ihsu/?utm_source=ig_embed&amp;utm_campaign=loading" style="color:#c9c8cd;font-family:Arial,sans-serif;font-size:14px;font-style:normal;font-weight:normal;line-height:17px;text-decoration:none" target="_blank" rel="noopener">Una publicación compartida de FICM (@ficm)</a></p>
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<p><strong>Del deseo a la concreción de esa ilusión va el viaje que muestra Enrique M. Rizo en su documental. </strong>El tránsito hacia la reunión de dos músicos que no se conocen y no pueden entenderse a nivel oral implica el recorrido por una experiencia sonora que va desde el fuego hasta el viento para conectar con la espiritualidad que interesa a Philip Glass y a la cual le rinde tributo Daniel Medina con su violín.</p>
<p>Esa travesía tiene un destino luminoso en <strong>Nueva York, ciudad donde ambos músicos llevan a cabo un recital de piano y violín en un auditorio.</strong> Se trata de un momento que vale la pena repasar en dos ocasiones: una con la vista puesta en la pantalla y otra con los ojos cerrados para dimensionar que la música es el idioma que les permite comunicarse.</p>
<p>La experiencia nos coloca en el mismo piso que Philp Glass en el sentido de que, al igual que él, conoceremos por primera vez el sonido Wixárika. <strong>Lo haremos también en plena comunión con otros sonidos a los que hemos dejado de apreciar, es decir, aquellas notas musicales que la naturaleza nos brinda.</strong> Esa comunión del violín con el carácter ceremonial para el que es empleado, ¿es música mexicana? La respuesta es una afirmación. Allí ha estado desde tiempo remoto, pero no sabíamos de existencia. Y si lo supimos, nunca es tarde para (re)descubrirla.</p>


Un lugar llamado música, ese sitio conocido y desconocido a la vez

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